Vienna’s “Lohengrin in Lederhosen” redeemed by musical performances

Lohengrin in Lederhosen may not be everyone’s idea of the noble grail knight. The majestic King Heinrich reduced to the mayor of a Bavarian village is also a stretch. And it takes a substantial leap of imagination to accept the concept of a rustic inn as the sole venue for the nearly four hours of Romantic drama. Yet the performance of Wagner’s Lohengrin at the Wiener Staatsoper transcended its curious staging, redeemed by vocal and orchestral performances that shone in their nuanced artistry.

Stage director Andreas Homoki’s intentions of modernising the work are laudable, but he goes too far. The epic music of this opera calls for grand visuals that heighten the nearly four hours of drama. Instead he reduces it to cozy dimensions more fitting to Hänsel und Gretel. That may make the production easier to stage, but it comes at a price. In a grand fairy tale for adults such as this work, bare-calved farmers’ lads in Alpine hats and damsels in Dirndls are a poor substitute for knights in armour and ladies in all their finery, while an inn is a meagre replacement for castle ramparts and courtyards. It’s a joyless place, its bare-panelled walls of dark wood reminiscent of those of a basement recreation room put up in a hasty DIY weekend.

But musically there was much to enjoy. Conductor Cornelius Meister and the Wiener Staatsopernorchester gave a nuanced interpretation of the score from the first shimmering violin sounds depicting the Holy Grail descending to earth to the low cellos and menacing woodwinds introducing Act 2, to the final crescendo accompanying the curtain’s fall. Wagner famously described himself as “a musician who wrote music which is better than it sounds”. But it is difficult to imagine anything better than the inspired performance of Meister and his players.

The orchestral contribution was just one the evening’s musical highlights, however. Klaus Florian Vogt sang the role of Lohengrin as if it were bel canto one moment before powering up to Wagnerian full force in the next, all with no audible change of gears. His voice is clear, his delivery so effortless as to suggest that he is not expending more energy than would an ordinary mortal talking. In voice, appearance and dramatic intensity, he’s perfectly cast as the knight summoned from a magical kingdom to rescue the honour of the noblewoman Elsa, only to be betrayed by her curiosity.

Sara Jakubiak was an impressive Elsa, easily powering her soprano over the chorus, orchestra and other principals. But the same metallic tinge that allows her voice soar above all others intruded in “Euch Lüften, die mein Klagen” and other passages calling for the softer side of her role. In all though, she was convincing as the noblewoman beset by powerful enemies who, by forcing Lohengrin to reveal his identity, compels him to abandon her and return to his mythical homeland. Also good were Tanja Ariane Baumgartner as Ortrud and Johan Reuter as Telramund, the evil couple who plot Elsa and Lohengrin’s downfall, Kwanchul Youn as King Heinrich, Adrian Eröd as his herald, and the very robust chorus.

George Jahn | 02 Juli 2021

“Musikalisch top: Wagners “Lohengrin” im Gabalier-Look

Die suboptimale Inszenierung von Andreas Homoki wird von Cornelius Meister gerettet

Die Lohengrin-Inszenierung von Andreas Homoki verbindet ein Ambiente im Andreas-Gabalier-Look mit dem Abwechslungsreichtum eines Albums von DJ Ötzi. Eine suboptimale Sache. Warum nur, denkt man sich beim viereinhalbstündigen Anblick der hölzernen Lederhosen-Wirtshaus-Enge, kickt Direktor Bogdan Roščić in der nächsten Spielzeit die kluge, poetische, herzzerreißende Wozzeck-Inszenierung von Adolf Dresen aus dem Repertoire und nicht diese eintönige Regiefadesse? Ein klassisches Eigentor.

Am Samstagabend war der Herzilein- und Trachtenoverkill bald wurscht, denn die Musik war top. Motor und Herz der Aufführung: Cornelius Meister. Mit einem seligen Lächeln im bärtigen Antlitz – Brahms-Look? – ließ der ehemalige Chef des RSO Wien das Staatsopernorchester oft satt und saftig aufspielen und leitete die Aufstiege zu den dynamischen Gipfelpunkten mit Übersicht. Immer wieder animierte der 41-Jährige zu Agilität und feuriger Energie – da klang Wagners Lohengrin oft wie italienische Oper! Aber auch beseelte Innigkeit und Poesie: alles da.

Für seine zarten Töne ist Klaus Florian Vogt weltbekannt, kaum ein Tenor verfügt über dieses helle, weiche und doch tragfähige Piano in der hohen Mittellage wie der Bayreuth-Erprobte. Vogt verzückte wieder mit selbigem, zeigte jedoch Mühe bei Spitzentönen im Fortissimo.

Blitze der Bosheit
Im Lyrischen bot der gedeckte, oboenhafte Sopran von Hausdebütantin Sara Jakubiak als Elsa edlen Glanz irgendwo zwischen poliertem Marmor und Mahagoni; dramatische Erregung konnte sie auch.

Und die Bösen? Rollendebütant Johan Reuter gab den Telramund mit rugbyspielerhafter Beweglichkeit: mal tänzelnd, mal taumelnd. Ein wacher, eindringlicher Erzähler. Tanja Ariane Baumgartner schoss als dessen Gattin Ortrud Blitze der Bosheit in Form schriller Töne ins Wirtshaus, eindrücklich ihre verstockte, verbissene Körpersprache.

Ein König Heinrich von statuenhafter Noblesse: Kwangchul Youn. Bei Adrian Eröd (Heerrufer) belegte erosive Patina leicht den Stimmglanz. Federleicht die “Seht!”-Rufe des Chors, beim Fortissimo schepperte es aufgrund des sängerdienlichen Bühnenbilds in den Ohren. Etwas Gutes hat die Homoki-Inszenierung also doch.

Stefan Ender | 21.06.2021

“Lohengrin” oder So klingt das Glück

Zehn Takte, mehr braucht es an diesem heißen Samstagnachmittag in der Wiener Staatsoper nicht, um die Sommerhitze wegzuwischen. Diesen zehn Takten silbrig schwebenden Streicherklanges aus dem “Lohengrin”-vorspiel gelingt es binnen Sekunden, die glühende Stadt vor den Türen vergessen zu machen und gänzlich in Wagners Klangkosmos zu entführen. Schon mit diesen ersten Takten gelingt es Cornelius Meister am Pult des konzentrierten Orchesters, einen höchst dynamischen Spannungsbogen zu eröffnen, der im Verlauf des Abends nicht mehr abreißt.

Dass ihm das gelingt, liegt beim Auftakt dieser “Lohengrin”-Spielserie am Samstag auch an den Solistinnen und Solisten, allesamt auch überzeugende Darsteller. Klaus Florian Vogt beherrscht nach wie vor die Bandbreite vom berückenden Piano bis zum strahlenden Heldenton als Lohengrin, Hausdebütantin Sara Jakubiak ist eine interessante Elsa, ihr Sopran ist in den Höhen dunkel gedeckt und glutvoll. Johan Reuter ist ein äußerst solider Telramund, Tanja Ariane Baumgartner eine mehr furiose als abgründige Ortrud. Die Inszenierung von Andreas Homoki mit ihren Lederhosen, Trachtenkleidern und Zopffrisuren funktioniert mit all ihren Stärken und Schwächen – vom engstirnigen Dorfumfeld bis zur Monotonie der holzvertäfelten Bühne.

Judith Belfkih | 20.06.2021

Lohengrin au cœur d’une société tyrolienne à l’Opéra d’État de Vienne

Andreas Homoki place le conte au cœur d’une société campagnarde soudée, pour en extraire l’humanité des personnages. Une distribution brillante invite Klaus Florian Vogt (Lohengrin), Sara Jakubiak (Elsa), Tanja Ariane Baumgartner (Ortrud), Johan Reuter (Telramund) et Kwangchul Youn (Heinrich).

La nature humaine se manifeste le plus remarquablement dans une liaison étroite avec les autres. Andreas Homoki l’a bien considéré en installant Lohengrin au cœur d’une société campagnarde soudée dans laquelle le monde connaît et déteste tout le monde malgré la belle apparence d’harmonie et d’amitié à l’extérieur. Le prélude installe le drame dans son contexte socio-politique : après la mort du père d’Elsa, Telramund lui offre sa protection, mais elle le fuit avec son frère. Plus tard Telramund, devenu un guerrier célèbre, devrait se marier avec elle, mais elle le rejette violemment et l’humilie en public (jetant son bouquet de mariée au sol). Le Roi Heinrich vient en bon politicien accompagné de son Héraut, un bureaucrate et non pas un messager charismatique.

Tout le drame se déroule dans une salle carrée aux murs de bois. La simplicité de l’espace scénique prend vie grâce aux mouvements des corps qui le peuplent et à l’emploi des multiples tables et chaises en bois qui servent tout à tour d’arène de combat, de coulisse au mariage, de banquet. L’ensemble du drame met successivement trois personnages au centre des actes, et fait de ces personnages des leitmotive scéniques : Lohengrin au premier, Ortrud au deuxième et Elsa au troisième. Le cygne symboliquement représenté par une peinture sur le côté et le lointain du décor joue notamment un rôle important dans la confrontation entre Elsa et Ortrud. L’apparition de Lohengrin (et plus tard du frère d’Elsa) profite de l’encombrement de la scène par les chœurs qui, quand ils se dispersent enfin, révèlent le héros allongé par terre, habillé d’une robe blanche qui symbolise sa pureté. Mais par-dessus tout, c’est la distribution remarquée qui se charge de transformer le conte en intrigues de la société moderne.

Klaus Florian Vogt, Lohengrin habitué, incarne ici non pas un super-héros, mais un héros amoureux, humain et désireux avant tout d’être humain. La légèreté de son timbre se montre harmonieuse avec son interprétation du rôle qui souligne bien la vulnérabilité et l’insécurité du personnage. Il chante avec précision et mélodicité, bien conscient de l’éclat transparent et chantant de sa voix, mais tout de même sans oublier les emportements émotionnels du personnage. L’adieu « Mein lieber Schwan » (Mon cher cygne), sommet lyrique, fait preuve de finesse, de sensibilité, et de compréhension à la fois de la fonction dramatique du chant et de l’état psychologique du personnage. Son échange avec Elsa est également investi de sincérité et d’une dynamique mutuelle qui soulignent leurs élans, mais aussi leur frustration. Lohengrin sort ainsi de sa fonction symbolique de l’incarnation de la Vertu, incarnant bien un personnage de chair et d’os. Il arrive perdu, confus quant à sa place dans la nouvelle société étrangère qu’il a rejointe. Son seul lien est sa bien-aimée.

Sara Jakubiak campe une Elsa convaincue. Sa voix imposante et dense, d’un timbre à la fois brillant et velouté, offre une présence scénique remarquée. Son interprétation du rôle suit d’abord les conventions d’une princesse rêveuse, mais elle installe, au fur et à mesure, les profondeurs et les troubles psychologiques derrière cette façade. Elle valorise ces deux facettes d’Elsa par la solidité de son timbre, mais marque les différents aspects par les nuances vocales et émotionnelles, notamment dans le contraste entre la prière désespérée dans le premier acte et la crise d’angoisse pendant la nuit des noces dans le troisième acte. Dans le premier, elle montre son ardeur surtout par la brillance du registre haut et des transitions souples entre les registres. Dans le troisième, la même brillance du registre haut semble vouloir imiter un cri et est couplée avec des intonations stratégiques des mots, ce qui résulte en une expression de colère vivante, presque comme dans un théâtre parlé.

Tanja Ariane Baumgartner est une Ortrud d’exception. Son chant est brillant, puissant, et précis. Couplée avec la densité de son timbre, la voix est imposante et sombre dans le registre bas et, dans le registre haut elle est capable de percer et d’éclater presqu’au point d’intimider les personnages alentour. Les transitions entre les registres se font naturellement, mais elle est également capable de jouer avec elles pour mettre certains mots ou certaines phrases en valeur. Son jeu d’actrice est également intense : cynique, enragée, froide et cruelle, mais aussi charismatique.

Le chant du baryton-basse danois Johan Reuter en Telramund se remarque par son expressivité et son naturel. Le timbre se pare de dignité, sombre et dense au point de rencontre entre le registre moyen et le registre bas. Par son habilité d’acteur, il capte la fragilité et la honte cachée du personnage, à la fois guerrier, homme de société, amant rejeté et époux asservi.

Kwangchul Youn fascine par la puissance, la clarté et la précision de son chant. Il est digne et sympathique (rendant compréhensible la fascination du peuple du Brabant). Le caractère noble de la voix souligne sa présence scénique. Adrian Eröd en Héraut se met également en valeur par le raffinement de son chant -peut-être même trop raffiné pour le rôle qui demande un timbre plus sombre et plus imposant. Mais s’il sort des attentes du rôle, le Héraut en bureaucratique blasé est néanmoins une figure réaliste et tout à fait reconnaissable de nos jours.

Le succès de la soirée est également dû aux Chœurs sous la direction de Thomas Lang, impressionnants. Ils assurent chacune de leurs apparitions scéniques avec intensité et engagement comme le peuple du Brabant. Cela affirme d’ailleurs leur place importante dans la mise en scène avec sa focalisation sociétale. Ils satisfont cet emploi avec dynamisme et expressivité, faisant du peuple à la fois l’observateur et la cause motrice du drame (ainsi que de véritables individus ayant chacun sa propre bataille sociale et personnelle).

La direction musicale de Cornelius Meister accompagne le drame dans toutes ses nuances. Elle se montre particulièrement attentive aux changements d’ambiances dramatiques entre les scènes, mais fait de telle sorte que les moments découlent naturellement les uns des autres. Les chanteurs sont solidement soutenus de bout en bout dans une collaboration fructueuse et équilibrée.

La contrainte du port d’un masque FFP-2 à l’intérieur et la réduction de jauge des spectateurs n’empêchent nullement l’enthousiasme du public, qui célèbre le spectacle et sans doute pour beaucoup le retour à l’opéra.

Vinda Sonata Miguna | 25/06/2021