Si sente dire spesso che il dramma di Tristano e Isotta si consumi più fra i cromatismi dell’orchestra wagneriana che non nell’azione teatrale propriamente detta. Eppure anche la resa scenica vuole la sua parte. E dopo il primo atto di questo allestimento modenese di Tristan und Isolde, si fa fatica a capire come quest’opera abbia risvegliato (turbato?) i sensi e la coscienza di artisti e letterati. L’allestimento è tedeschissimo e viene dallo Staatstheater di Norimberga; arriva a Modena con un cast pressoché identico e con lo stesso direttore, Marcus Bosch, che sa ben gestire gli equilibri con il palcoscenico. Sotto la sua bacchetta, languido suona il preludio, ma senza un gran senso del tragico, e per il resto il suo tactus è assai mobile, con una certa tendenza all’accelerando. Italiani sono gli strumentisti, quelli dell’Orchestra Regionale dell’Emilia Romagna. La compagine si trova qui e là in difficoltà, talvolta stonicchiano gli archi, ma gli assoli dei legni sono ottimi (lode a Stefano Franceschini, clarinetto basso, e al corno inglese di Marco Soprana) e la tenuta complessiva è assicurata. Ma torniamo alla messinscena. La regista Monique Wagemakers dichiara di volersi concentrare sulla psicologia dei personaggi. Risultato? La scena pensata da Dirk Becker è spoglia, tutta fatta di elementi scenici geometrici: cerchi concentrici e bianchissimi, a simboleggiare il conchiuso legame in cui vorticano i due protagonisti (e guardacaso, un cerchio programmaticamente spezzato pencolerà sui due amanti ricongiunti a chiusura dell’opera), una luna marezzata da modeste videoproiezioni, una lunga asta metallica che trafigge il centro della scena. Aria da Nuova Bayreuth, ma in formato assai ridotto e senza alcun sorprendente gioco di luci. Ma più sconcertante è l’impaccio dei due amanti nelle scene a due, nel loro rotolarsi a terra, nel tenersi per mano rivolti al pubblico, nel portare i costumi pensati da Gabriele Heimann, talvolta chiaramente inadatti alla loro fisicità (quel gilet di pelle – solito orpello tanto caro a certo Regietheater – che Tristano sfoggia al secondo atto, o il corpetto/armatura stretto al petto di Isotta da figuranti ben poco animosi).

I marinai (il dignitoso Coro della Fondazione Teatro Comunale di Modena) muovono l’azione brandendo rosso cordame. Si passi alle voci: Claudia Iten sembra sulle prime un’Isotta di acuti poco preziosi e di peso vocale troppo leggero per la parte. Manca spesso, a questa principessa d’Irlanda, la pronuncia granitica di altre interpreti e la statura tragica, e il personaggio che ne esce è piuttosto quello di una giovane donna alle prese con una storia più grande di lei. Uomo affaticato, affatto conturbante, appare il Tristano di Vincent Wolfsteiner, che col suo timbro non fascinoso e un legato tutt’altro che infallibile, si muove cauto nei primi due atti. Ma al terzo le cose cambiano: volume, squillo, intensità espressiva abbondano nel suo lungo monologo. La Iten da par suo regala un Liebestod ragguardevole, nelle intenzioni e nel fraseggio. Anche il Kurwenal di Jochen Kupfer, spigliato e di voce scura, sembra galvanizzato e acquista in quest’ultimo atto accento assai credibile. Corretti il Melot di Javid Samadov e il Timoniere di Romano Franci. Martin Platz presta il suo timbro fresco e giovanile al ruolo del pastore e a quello (fuori scena) del Giovane marinaio. In ultimo si lasciano Brangäne e Re Marke, e in entrambi i casi la prestazione è davvero di alto livello. Perché di gran temperamento, corposa nei centri e di acuti sicuri è Roswitha Christina Müller nel ruolo dell’ancella di Isotta. Così come Alexey Birkus ci regala un accurato ritratto del re tradito: scandito nella parola, giammai ingolato, di gravi sonori e sempre nel personaggio. Il suo intervento è forse il momento di più intenso respiro teatrale della serata e quel bacio in fronte a Tristano con cui chiosa la sua lunga scena resta nella memoria. L’impressione finale è che, a 150 anni dalla prima rappresentazione, allestire un Tristan completamente soddisfacente sia ancora complesso, tanto esigente è la partitura. Eppure, con tutti gli umanissimi limiti degli esecutori, va al teatro modenese il plauso di aver osato e (in certa misura) vinto la sfida. Il pubblico ha gradito.

LORENZO BALDINI | 16 NOVEMBRE 2015

W.H. AUDEN FAMOUSLY CLAIMED that King Lear was an unstageable play. I have long felt that as far as opera is concerned, that distinction may well be shared by Tristan und Isolde. It is a work both so perfect and so abstract that finding the appropriate visual correlative can seem a fool’s errand. Opting for a literal or historically accurate approach seems to ignore or to miss the profound mystery of the opera. Modern updates seem distractingly trivial. And few works suffer so enormously by being subjected to deconstructive Regietheater techniques (see Graham Vick’s 2011 fiasco at the Deutsche Oper Berlin. Or rather, don’t). Minimal productions tend to work best by letting the music speak for itself, but leave the singers with precious little to do onstage for the better part of five hours. If you’re lucky enough to have a godlike cast at your disposal, this is hardly a problem. Otherwise, and far likelier, the evening will drag and you’ll wonder what exactly the director got paid to do.

Monique Wagemakers’ Tristan production for Staatstheater Nürnberg, which guested over the fall at the Teatro Comunale Luciano Pavarotti in Modena, obeys the impulse to keeps things simple, while finding room for black latex vests and fluorescent lights (seen Nov. 15). There are also a few customary nautical nods (rope, a white beam that might be the mast of a ship) and circular set elements that may allude to the world, an eye or heavenly bodies. In any event, the effect is galactic, slick and thoroughly anonymous. Without exception, the singers all look as lost as if they’d been beamed to a distant planet. As for signs of intelligent life, there certainly weren’t many from Wagemakers, who didn’t seem to take any position on anything in the opera whatsoever. One of the very few exceptions was the paternal kiss that Marke bestowed on Tristan after hearing the knight’s answer to his lament, “Und was du frägst, dass kannst du nie erfahren.” It was the only time that the production ventured a point of view. But as tedious, uneventful and dull (the use of florescent lights in opera ought to be severely restricted) as the production was, the evening was surprisingly gripping, thanks to an uncommonly accomplished cast.

Swiss soprano Claudia Iten gave a convincingly youthful interpretation of Isolde. Her silvery, at times silky, voice was a far cry from traditional, which is to say heavier and mature sounding, Isoldes and was, at first, somewhat disconcerting. But very quickly she made it clear that this was a role she has made her own (she first sang it five seasons ago in Aachen). Her dramatic expressivity was mesmerizing and her accuracy was superb. Despite a couple of shrill high notes in the second act, this was the most vocally interesting and emotionally intelligent account of the role that I have heard live.

Vincent Wolfsteiner, an outgoing ensemble member in Nuremberg, was not quite up to Iten’s level interpretively speaking, but also gave a enormously impressive account of this impossible role. After making a somewhat half-hearted first impression in Act I, he delivered the goods in a carefully detailed love duet with a sweetly urgent and buoyant tenor. It was in the murderous third act, however, where he truly wowed, drawing on an astonishing—and little suspected up until this point—reserve of strength that didn’t extinguish until he collapsed fitfully at Isolde’s entrance. Wolfsteiner is quite heavyset and Wagemakers had him sing his agony, rather unflatteringly, while topless and perspiring voluminously. (Strangely, the last time I saw him sing, he was in a state of even more advance dishabille, as Max in Calixto Bieito’s mud-and-blood caked Freischütz). The Belarusian bass Alexey Birkus sang a haunted and ravaged Marke. Roswitha Christina Müller was a spendidly resonant Brangäne, providing contrastingly thick timbres to Iten’s honeyed freshness during act one and soaring warning cries during act two. The imposing Jochen Kupfer struck a finer figure as Kurwenal than Javid Samadov’s growling Melot.

Staatstheater Nürnberg’s GMD Marcus Bosch harnessed the beautifully trained forces of the Orchestra Regionale dell’Emilia Romanga, one of Italy’s most important regional orchestras. The musicians played with fine sensitivity, their music blossoming with intimacy and directness in the elegant confines of the Teatro Comunale. As detailed a performance it it was , however, one missed the sweeping arc of Wagner’s sublime score.

A. J. Goldmann | Issue FEBRUARY 2016 — VOL. 80, NO. 8