Götterdämmerung

Zubin Mehta
Cor de la Generalitat Valenciana
Orquestra de la Comunitat Valenciana
Date/Location
May/June 2009
Palau de les Arts Reina Sofia Valencia
Recording Type
  live   studio
  live compilation   live and studio
Cast
Siegfried Lance Ryan
Brünnhilde Jennifer Wilson
Gunther Ralf Lukas
Gutrune Elisabete Matos
Alberich Franz-Josef Kapellmann
Hagen Matti Salminen
Waltraute Catherine Wyn-Rogers
Woglinde Silvia Vásquez
Wellgunde Ann-Katrin Naidu
Floßhilde Marina Prudenskaya
1. Norn Daniela Denschlag
2. Norn Pilar Vásquez
3. Norn Eugenia Bethencourt
Stage director Carlus Padrissa (2009)
Set designer La Fura dels Baus
TV director Tiziano Mancini
Gallery
Reviews
operatoday.com

Recorded in May and June 2008, this new Unitel Classica Blu-Ray disc of Götterdämmerung is the final opera in the staging of Richard Wagner’s Ring der Nibelungen staged at the Palau de les Arts “Reina Sofia”, Valencia, by La Fura dels Baus, Valencia, conducted by Zubin Mehta, and directed by Carlus Padrissa.

Given the effective staging of the other three operas in cycle, Götterdämmerung afforded the company to meet or exceed the challenges of presenting this work with the same creativity, and in this regard it is a success. The innovative thought that informed the presentation of the other operas is present here from the start, with the Norns in the prelude suspended on pulleys labeled past, present, and future, and surrounded by their rope like spiders. At the same time, the projections behind the horns illustrate some parts of their narration. The simple use of branches to depict the growth and decline of the ash tree is a sensible image that enhances the scene and never interferes with the fine ensemble of the Norns Daniela Denschlag, Pilar Vásquez, and Eugenia Bethencourt. The scene shifts to the place where Siegfried encountered Brünnhilde at the end of the previous opera, with the scenic design nicely reprising that work. Lance Ryan and Jennifer Wilson play the same roles, with both performers convincing both vocally and dramatically. Nicely the familiar orchestra interlude “Siegfried’s Rheinfahrt” contains imagery that recalls the projections that accompanied the Wanderer at the opening of the third act of Siegfried, and this touch is helpful in using the visual motifs of this production in a manner similar to the musical Leitmotifs Wagner integrated into the structure of this multi-part work.

The main action of the opera is set in modern dress, albeit stylized with references to financial matters that reinforce from the start the calculating personalities of the Gibichungs. Matti Salminenis impressive as Hagen, and interacts well with Ralf Lukas as Gunther. No illusions make Gunther any rival to Siegfried in this production, and that self-awareness sets up the dénouement in which Siegfried is sacrificed through their scheming. As Gutrune (with her name emblazoned on her costume like a modern hotelier) Elisabete Matos plays her role fittingly. Her primping, before Siegfried’s arrival is an added touch. While there are no castles on this version of the Rhine, the staging offers a contrast with nature-borne Siegfried in the foreign territory of the Gibichung’s world. Salminen’s stentorian “Heil! Siegfried, teurer Held” carries a duplicity, with Hagen facing the hero only after he sounds the greeting. Yet when the Gibichungs dress Siegfried in a business suit to fit their world, it is as if Superman were changed to Clark Kent, with dark-rimmed glasses and shorn of long hair, like a Delilah-entranced Samson. The overly emotive Siegfried shows the strength of the potion, and if Ryan is overly demonstrative, it certainly makes the point of the libretto.

The scene between Brünnhilde and Waltraute is musically and dramatically intense, with the special effects punctuating the interaction between Jennifer Wilson and Catherine Wyn-Rogers. The headgear for Brünnhilde seems an affectation until the moment in the scene in which Waltraute demands her sister’s attention, and then the blinders on Brünnhilde’s head become apparent. Wyn-Rogers was effective earlier in the cycle as Erda and even more persuasive as Waltraute. Her narration is expressive without overstating the powerful emotions her character feels about the fate about to be enacted. Wyn-Rogers conveys the sense of Wotan’s presence, even though the latter character is absent from this drama, and her connection with Brünnhilde is integral to the conclusion of this important scene.

The dilemma at the crux of the tragedy resonates well as the image of a Rhinemaiden projected behind Waltraute, pointing to the existence Brünnhilde previously had, just as Waltraute asks Brünnhilde for the ring, which the latter insists on keeping for love, a love about to be foresworn. The physical conflict between the sisters adds to the impact of this impressive performance. At the same time, the Wilson’s intensive vocality carries into the scene with Gunther, reinforced well by the visual imagery of her magic fire along with actual fire. Not just an accompaniment, this staging reinforces the surprise of Brünnhilde who is aware that the man who crosses that superhuman barrier will win her. Ralf Lukas brings the scene to its conclusion, with the image of the emotionally affected Brünnhilde etched well into the conclusion of the act.

Along with such poignant moments, some of the other, less emotionally demanding passages in the opera are depicted memorably. The opening of the third act aptly places the Rheinmaidens in the water, not only in the contains from which they sing, but also through the immense projections of bubbles and currents, accentuated by supernumeraries who create foreground of rushes that move in the scene. While some productions lack this grand conception of the scene, this one fits the production as envisioned here by La Fura dels Baus. Siegfried’s entrance puts him nicely into the scene, unlike some stagings in which the forest scenery is divorced from the placement of the Rhinemaidens nearby. In this passage, too, the orchestra conveys appropriate warmth and depth, which builds with the vocal trio of Rhinemaidens from the upper portion of the stage and allows for an effective interaction with Lance Ryan as Siegfried. The visual presence of the Ring, rather than a strictly verbal and aural reference, reinforces the libretto, as the drama moves toward Siegfried’s murder at the hand of Hagen. Ryan’s final passages in which he recounts his meeting Brünnhilde is moving, especially in the context stark depiction of the spear striking him. The camera angles from the stage reinforce the sound image of Siegfried’s death, so that his dying cry for Brünnhilde fits into the larger composition of the scene. The cortege bearing the body of Siegfried moves through the audience, like an off-stage instrumental passage in an orchestral work, thus enlarging the space in which to imagine the final scene.

As the work moves toward its conclusion, the interaction between Hagen, Gunther, and Gutrune works well, calling to mind the scene in which the three first appeared. While Hagen’s use of a pistol to kill Gunther is a bit out of place, it works sonically. Yet from her entrance immediately afterward, Jennifer Wilson commands the concluding portion of the opera. Her grief is visually apparent, but surpassed by her singing, which fits into a thoughtful conception of the well-known “immolation scene.” Here the staging assists her well, with a brilliant visualization of the scene, which emerges well in the film of the production. While the cross-cuts in the final scene might be sometimes abrupt, the overall effect is strong, with the reprise involving the Rhinemaidens and the acrobats who formed a human image of Valhalla at the end of Das Rheingold. The production works well in creating an effective performance of the culminating opera in Wagner’s Ring cycle. At the core of the production is Mehta’s conception of the work, which is evident in the excellent performance. His comments in the bonus documentary about the making of this video offer some good insights into his thoughts about the work. His thoughts, alongside those of his collaborators in this production, give some background about the choices involved in presenting this remarkable staging.

As with the other discs, the sound is rich and clear, as is customary with Blu-Ray technology. The visual images are similarly crisp, an important facet of this recording. The enunciation of the text is solid, and it can be amplified through the use of German subtitles, and those interested can use French, English, or Spanish. The complete libretto of this or any of the other operas in the cycle is neither part of the booklet nor included on disc, but the text is readily available online or through a variety of publications. That aside, the effort is outstanding, from start to finish, with the Valencia Ring commendable on many levels for its vision of this fantastic set of operas which culminates in this production of Götterdämmerung.

James L. Zychowicz | 18 Jun 2010

omm.de

Lachender Tod

Am Ende dieser Götterdämmerung wird Loges berühmte Frage an sich selbst aus dem Rheingold-Finale („Wer weiss, was ich tu …“) tatsächlich einmal explizit beantwortet. Nachdem Brünnhilde nämlich mit beachtlichem Effekt das große Weltenfeuer entzündet hat, und auf dem halben Dutzend durchweg fantastisch funktionierender Wunderprojektionswände die Flammen lodern, da taucht der Halbgott noch ein mal auf seinem fahrbaren Untersatz in Windeseile auf, um sich an seinem grandiosen Auftritt mit geradezu teuflischem Schalk zu erfreuen. Anders als seine in diesem Schlussbild ebenfalls wiederkehrenden Voll-Götter-Kollegen dürfte er aber als einziger überleben. Oder sich in den Flammen, die den Untergang der anderen besiegeln, sozusagen als dialektische Pointe vollenden. Bei diesem Finale bleibt jedenfalls kein Funken erkennbarer Hoffnung auf einen Neuanfang, außer vielleicht die vage Spekulation mit der kreativen Kraft der Zerstörung.

Auch wenn man das bei all der illustrierenden Oberflächenfixierung, ja –Verliebtheit, mit der die spanischen Theatermacher von La Fura dels Baus (wobei als Regisseur namentlich Carlus Padrissa benannt ist) ihre Reise durch das Ring-Universum in den letzten drei Jahren absolviert haben, gar nicht mehr erwartet hatte, kriegen sie mit dieser „Götterdämmerung“ doch noch so etwas wie eine halbwegs schlüssige, eigene Interpretationskurve. Zunächst einmal fluten vor allem wieder die Bilder: Da gibt es projiziertes Rheinwasser-Geblubber mit vorbeiziehenden Fischen, aber auch mit Müll. Da imponieren wieder die Anflugperspektiven aus den Tiefen des Alls auf eine rotierende Erde, deren Kontinente flammenumspielte Ränder haben. Da schweben die raunenden Nornen unter Einsatz der Hebetechnik und richten ihren Seilsalat an. Da gibt es wieder die Schwindel erregenden Kamerafahrten durchs Gebirge, hin zum Brünnhilden-Felsen, der sich bei der Ankunft auf der Bühne dann doch wieder nur als der überdimensionale Servierteller für eine im Hartschalenkorsett verpackte dramatische Sopranistin entpuppt, über den man schon einmal schmunzeln durfte.

Neben all diesem illusionistischen Dauerfeuer gibt es aber doch auch immer wieder Bilder, die nicht nur durch ihre pure Perfektion faszinieren, sondern die ihre eigene visionäre Kraft und narrative Dynamik entfalten. Dazu gehört vor allem jene fantastische und mit eigenständigem Kunstanspruch vom Nibelheim-Mechanismus zu einem postindustriellen Gibichungen-Megalopolis weiterentwickelte urbane Utopie, über die Hagen herrscht. Deren finstere Mechanik einer Menschenproduktion wird jetzt zunehmend von einem fließenden Strom der Zeichen und Zahlen überflutet. Sie legen sich wie die Insignien eines digitalen Zeitalters über die industriell mechanischen Versatzstücke einer aus der Mode gekommenen Welt. Nicht nur diese metaphorische Pointe ist vor allem im „Rheingold“ vorbereitet worden, sondern auch das Bild für den utopischen Gegenentwurf Wotans. Sein Walhall hatte sich im Rheingoldfinale als matrixartig verknüpftes Menschennetz geriert. Jetzt taucht dieses zum Logo des ganzen Ringprojektes avancierte artistische Konstrukt wieder auf. Aber nur, um im Ansturm der Flammen erst seine Verknüpfungen aufzugeben und dann in Gestalt vereinzelter Individuen am Ende tot in den Seilen zu hängen. Für sich genommen ist das nicht nur ein grandioses, artistisch umgesetztes Gleichnis, sondern trifft in der Zusammenschau des Ring-Vorabends und seines Finales auf gewisse Weise auch den Kern der Geschichte.

Selbst einen Verweis auf die politische Dimension des Intrigenstadels der Götterdämmerung findet sich. Voll auf den grandiosen, stimmlich vom biologischen Alterungsprozess scheinbar abgekoppelten Matti Salminen als Hagen bauend, wird sein Komplott, vor allem die Einberufung der Mannen, zu einem beklemmenden Zählappell für ein letztes Aufgebot. Während dieses Aufmarsches zerlaufen die Götternamen auf den Riesenspruchbändern im Hintergrund zu blutigen Spuren von Gewaltopfern. So wird auch der tote Siegfried ganz wiedererkennbar heutig von einer Gruppe Vermummter durch den Zuschauersaal herausgetragen, wobei während des Trauermarsches das Orchester auch optisch in der Draufsicht die Bühne füllt. Diese direkte Hinwendung zur Musik und zu den Zuschauern gehört zu den stärksten Momenten, die Padrissa gelungen sind.

Das ist für eine Ringdeutung, die das Potenzial der Personenführung für das Gesamtkunstwerk weitgehend ungenutzt lässt, dann doch beachtlich. Im Siegfried hatte man noch versucht, die Defizite bei der Personenführung durch den deutschen Regieroutinier Hans-Peter Lehmann etwas ausgleichen zu lassen. Da das bei der Dominanz der Videos nicht recht gelang, hat man diesen Ehrgeiz im letzten Teil gleich ganz sein lassen. Und doch kann letztlich die inhaltliche und technische Qualität von Franc Aleus Videos, vor allem aber die musikalische Überzeugungskraft dieser Götterdämmerung diesen essentiellen Mangel zu einem großen Teil kompensieren.

Für das Sängerensemble hat Hausherrin Helga Schmidt auch beim abschließenden Ring-Teil ein gutes Händchen bewiesen. In Valencia dürfte es dann noch mal besonders gut ankommen, wenn bei den zwei Komplett-Durchläufen der Tetralogie im Juni auch Placido Domingo als Siegmund mit von der Partie ist. In der Götterdämmerung ist allein der dämonische Hagen von Matti Salminen eine Sensation und auch Franz-Josef Kapellmann als Alberich hinreichend düster.

Die stattliche Jennifer Wilson ist eine prachtvolle Brünnhilde. Auch für ihren kurzen Besuch bei der Verbannten liefert die Waltraude von Chatherine Wyn-Rogers Walkürenformat. Lance Ryan ist ein zuverlässig heldischer Siegfried mit guter Kondition. Ralf Lukas und Elisabete Matos überzeugen als wendiger Gunther und als liebesbedürftige Gutrune ebenso, wie die Nornen, die Rheintöchtern und auch der grandiose Chor! Für den inneren Zusammenhalt des Ganzen, aber auch der Götterdämmerung im Einzelnen, liefern Zubin Mehta und das Orquestra de la Comunitat Valencia ein fabelhaftes und sicheres Fundament. Metha hat hier ein Wagnerorchester von beachtlichem Format geformt, schwelgt geradezu in der Spiellust und Detailfreude der Musiker und lässt sich natürlich weder den Rückenschauer beim Trauermarsch noch den bei Brünnhildes Schlussgesang entgehen.

FAZIT
Diese Götterdämmerung schließt ein Ring-Projekt ab, das in das spektakuläre Opernhaus von Santiago Calatrava passt. Die Defizite in der Personenführung, die im Vergleich zur üblichen Rezeption unübersehbar sind, werden durch die eigenständige Qualität der Bebilderung zum Teil kompensiert. Musikalisch ist dieser Ring ohnehin eine runde Sache.

Roberto Becker | rezensierte Aufführung: 2. Juni 2009

tutti-magazine.fr

Ultime volet du Ring des Nibelungen de Wagner, Götterdämmerung est une œuvre aux proportions hors norme. Elle opère à la fois une synthèse du prologue et des deux “journées” qui l’ont précédée, mais matérialise aussi la chute inéluctable et définitive du monde de ses héros déjà pressentie à la conclusion de L’Or du Rhin. La boucle est bouclée avec un retour des éléments à la nature, à leur origine, lesquels, détournés, ont provoqué la chute. La production de Valence n’échappe pas à la grande complexité de sa construction, et même la transcende.

Le rideau se lève sur Le Crépuscule des Dieux. Son premier acte précédé d’un prologue est le plus long du théâtre lyrique. En effet, trois grandes scènes vont suivre, et constituer avec lui plus de cent minutes de musique ininterrompue. Difficulté supplémentaire pour les artistes comme pour le spectateur qui voit un drame déjà complexe, précipiter ses héros vers leur péril.

L’opéra ouvre donc sur le prologue. Ce chapitre dramatique – comme L’Or du Rhin préludait en quelque sorte à La Walkyrie – prélude à l’action qui suit, en permet tant le résumé que l’historique et ajoute même des éléments narratifs inconnus de nous jusque-là. Il met en scène les trois nornes qui tissent le destin du monde.

On aperçoit dans la production du Palau de les arts, des images qui font songer à Dali et à Miro : les trois nornes suspendues tissent les rênes et forment quelque chose d’à la fois filiforme, coloré et flottant dans le vide, comme on l’observe parfois dans l‘œuvre picturale des deux peintres.

On retrouve bientôt le rocher sur lequel on avait quitté Siegfried précédemment, celui-là même, théâtre de l’union du couple Brünnhilde et Siegfried, devenu la couche qui unit le couple. On croit un instant entendre le texte musical qui précède le grand duo d’amour du second Acte de Tristan et Isolde (“Hab’ich dich wieder ?”) : onze ans plus tard, le contexte dramatique et lyrique est d’une similitude parfois troublante. Siegfried part à la conquête du monde et son départ s’accompagne du célèbre Voyage sur le Rhin (Siegfrieds Rheinfahrt), le splendide prélude orchestral qui conclut ce prologue.

La première scène de l’Acte I met en présence trois acteurs principaux de cette fin du cycle wagnérien : Hagen, Gunther et Siegfried. C’est là que se trame en présence de Gutrune, la supercherie du philtre – similaire à celui de la fin de l’Acte I de Tristan et Isolde – qui trompera le jugement de Siegfried et le détournera de son amour sacré pour Brünnhilde. Pour la troisième et dernière scène, Brünnhilde désormais en possession de l’anneau et de la solennelle promesse d’amour de Siegfried est alertée du péril que court le monde par sa sœur Waltraute, qui vient lui demander l’anneau pour le restituer à sa source originelle, autrement dit aux Filles du Rhin. Son refus et sa colère n’auront de cesse de chasser la messagère avant que, ses ravisseurs n’arrivent et qu’elle découvre, dépitée et trahie, l’enjeu sordide du marchandage de Siegfried (malgré lui) dont elle est l’objet.

Tout au long de cet immense acte, on notera que de manière sourde mais envahissante, la couleur musicale se noircit (notamment autour des thèmes de Hagen) et que les fameux saxhorns, donnent aux timbres cuivrés une plastique sonore si singulière. Sans jamais forcer le trait, Zubin Mehta obtient de cet orchestre au meilleur de sa forme des couleurs jusque-là inconnues et qui tendent d’autant le climat dramatique.

Tour de force musical, cet Acte I pose sans doute les plus épineux problèmes à ceux qui ont la charge de le mettre en scène : rendre lisible le contexte psychologique, la répétition d’éléments provenant d’opéras précédents, ainsi que le déplacement dans l’espace terrestre sacré et imaginaire, rendent la tâche particulièrement ardue.

L’Acte I constitue aussi une rude épreuve pour l’orchestre dont la densité musicale se trouve de plus en plus chargée, texte en thèmes (les leitmotivs), en couleurs et en dynamiques. Ces scènes sont aussi de redoutables épreuves pour Brünnhilde puisque – si l’on peut dire – Siegfried aura le “privilège” de mourir à l’Acte III. Au contraire elle aura pour charge, durant plus de vingt minutes, la redoutable conclusion, non seulement de l’ouvrage mais du Ring tout entier lors de son ultime et grandiose monologue “Starke Scheite schichtet mir dort !”.

Les artistes qui interprètent les personnages principaux sont de véritables athlètes tant ils doivent tout à la fois faire preuve de résistance physique, mémoriser, jouer et chanter. Bayreuth et sa fosse d’orchestre enfouie sous le plateau pour laisser libre espace au chant possède certes des conditions acoustiques qu’aucun autre théâtre au monde n’offre. Ailleurs, le chef doit sans cesse veiller à ne jamais couvrir avec l’imposante masse orchestrale les voix qui, à Bayreuth, n’ont jamais nécessité de forcer pour se répandre dans la salle. C’est une des raisons pour lesquelles Wagner ne souhaitait pas voir jouer ses opéras dans un autre théâtre que le sien. Ceci est particulièrement vrai pour ce Crépuscule des Dieux. Naturellement Zubin Mehta sait tout cela parfaitement et se montre aussi vigilant qu’efficace à cet égard.

La présente production scénique n’échappe pas à la pression de l’étau qui se referme dramatiquement, ni à la densité des tableaux dont on garde en mémoire la précédente vision. Il faut ici ajouter les nouveaux protagonistes Hagen, Gunther et Gutrune, et leur mode de vie, symbolisé par un dessin du costume bourgeois, et par leur culte démesuré – de fait, les éléments matériels sont visuellement surdimensionnés – du matérialisme et du paraître. Siegfried lui-même se verra transformé par eux en sorte de “Monsieur Loyal”, ce qui le rendra méconnaissable autant qu’effrayant aux yeux de Brünnhilde. Cette dimension est lisible ici, avec quelques lourdeurs ça et là, mais il apparaît assez clairement qu’une ultime intrigue se noue, dramatiquement autant que visuellement.

Outre une nouvelle fois l’exceptionnelle performance vocale du couple Siegfried/Brünnhilde, mention spéciale pour l’âpreté idéale du Hagen, à nouveau magnifiée par Matti Salminen. Catherine Win-Rodgers également, superbe Waltraute, est ici mieux à sa place qu’en Erda comme nous l’avons souligné dans Siegfried.

L’Acte II ouvre sur le monde des Gibischungen, les vassaux de Gunther, ce monde matérialiste concrétisé ici par un univers inspiré des BD futuristes. La première scène est un sommet de l’Acte, sinon de l’opéra entier, avec son splendide duo Alberich/Hagen. La partition est remarquablement innovante et fait entendre non seulement de singulières associations de timbres mais d’incroyables enchaînements harmoniques. Hagen appelle bientôt sa “meute” et c’est l’occasion du surpuissant chœur d’hommes (“Was tost das Horn ?”), le seul chœur du Ring, avec la courte intervention du chœur mixte un peu plus tard, alors que le musicien en est pourtant si friand. En effet, Tristan excepté, Wagner octroie toujours une place majeure aux chœurs dans ses opéras.

Arrive bientôt Brünnhilde dans son improbable nacelle, prologue à l’incroyable scène “des noces” où les comptes se règlent enfin. Les images ici ne comptent pas parmi celles à retenir de la production de Valence. La production choisit le choc frontal entre le monde des humains matérialisé par le dollar, le yen et de l’euro, et celui hors du réel et du temps, de Brünnhilde. C’est là que sera décidée la mise à mort de Siegfried. L’Acte tout entier est d’une invraisemblable densité pour Brünnhilde qui doit faire face aux situations dramatiques les plus tendues, alors que la partition lui réserve un rôle essentiel, exténuant et pourtant encore bien loin de son terme.

Le dernier acte ouvre sur les Filles du Rhin que la production présente à l’image de L’Or du Rhin, où l’élément liquide est bien réel sur scène. On est frappé par la similitude du dialogue de Siegfried avec ces Filles du Rhin et ce qu’on entendra, six ans plus tard (en 1882), entre Parsifal et les Filles-fleurs (Acte II, scène 2) : suaves mélismes mélodiques, suaves harmonies de harpes et des bois, similitude de caractère (à cet instant) entre Siegfried et Parsifal, structure musicale similaire (ensemble vocal féminin en dialogue avec le ténor solo – Parsifal : “Komm’ Holder Knabe”, etc.). Le caractère mutin des Filles du Rhin n’échappera pas au metteur en scène, et l’attitude un peu rustre de Siegfried face aux créatures attirantes et quelque peu dénudées, annoncera elle aussi, celle de Parsifal face aux Filles fleurs.

La scène de chasse qui suit, au cours de laquelle on assiste à la “mise à mort” de Siegfried précède la célèbre et terrassante Marche funèbre de Siegfried (Trauermarsch). Elle ouvre pour ainsi dire, les dernières pages de l’opéra et constitue un autre grand chapitre orchestral de ce Ring. La production a nettement saisi l’importance capitale de cette page musicale stupéfiante et lui donne un relief particulier, pertinent et dramatiquement efficace. Cette scène 3 verra Gutrune comprendre la supercherie (sur des accents musicaux dignes du Roi Marke de Tristan) et Brünnhilde légitimer l’embrassement final, salvateur et rédempteur, qui aboutira par le retour de l’anneau d’or à sa source.

Outre les magnifiques artistes des rôles majeurs déjà cités- le Hagen de Salminen, le Siegfried de Lance Ryan, l’impérieuse Brünnhilde de Jennifer Wilson – il y a lieu de saluer également les remarquables prestations d’Elisabeth Matos en Gutrune et de Ralf Lukas en Gunther, tous deux artistes de premier plan. La scène finale est une grande page de l’histoire de l’opéra, tant par sa teneur dramatique que par la somptuosité du chant et de l’orchestre. Ce dernier se déchaîne en tentant l’impossible synthèse des dizaines de leitmotivs énumérés et imbriqués les uns dans les autres au cours des heures de musique qui ont précédé. C’est le feu, comme sur ces images de Valence, qui embrasse le thème de rédemption par l’amour, vision immatérielle de cette conclusion.Une dernière fois, des images apocalyptiques d’une force technologique et dramatique stupéfiantes concluent l’opéra et le cycle sur un des plus beaux monologues de tout l’art lyrique…

Gilles Delatronchette

Rating
(7/10)
User Rating
(0/5)
Media Type/Label
C Major
C Major
Technical Specifications
1920×1080, 13.5 Mbit/s, 26.4 GByte (MPEG-4)
Remarks
This recording is part of a complete Ring cycle.