And so, this Ring, a co-production between the Aix Festival and the Salzburg Easter Festival, has reached its conclusion. I have not seen the Rheingold yet, but have seen DieWalküreon DVD and Siegfriedin the theatre. As with those previous dramas, the greatest signal achievement proved to be that of the Berlin Philharmonic Orchestra. Luxury casting seems something of an understatement when one hears so virtuosic an orchestra in the pit. There were very occasional slips, almost inevitable from the horns, but barely a handful, which really only served to remind one that these were human beings – not such a bad thing when it comes to Wagner’s tale of the twilight of the gods. There remains a degree of loss in terms of ‘old German’ orchestral sound: Karajan’s work is perhaps now more than complete. However, if one takes the internationalisation of the Berlin orchestra as a given, there were aspects of this performance that bade fair to create new standards for technical excellence. I have certainly never heard the low brass play with such dramatic force in those passages later in the first act and during the second, in which Wagner creates sounds of instrumental and harmonic ugliness wholly new, and yet entirely necessary for his drama. The trombones and Wagner tubas had to be heard to be believed. Hagen’s call to the vassals and their response registered as truly terrifying, on the basis of the voice of Wagner’ orchestral Greek chorus, at least as important in this respect as that of the excellent actual chorus.

Sir Simon Rattle continued his good work in the pit. Again, I had the impression that his interpretation would deepen with further immersion in the score, but there could be no doubt that he had the measure of its structural import and its orchestral detail. Even the BPO cannot play Göttterdämmerung by itself. Wagner conductors whom we rightly praise to the skies, for instance Hans Knappertsbusch, could often prove surprisingly casual with matters of colour, but not Rattle. His experience and that of his orchestra in French music – take the previous night’s Ravel and Boulez, under the latter composer’s baton, or Rattle’s own recent L’Enfant et les sortilèges – is put to excellent use in back-projection of a sometimes undervalued aspect of Wagner’s compositional legacy. My only real reservation was an occasional tendency to press too hard, not so much in terms of tempo, although there were one or two instances of that, as of orchestral sound. There were, especially during the first act, just a few instances of a brutalisation of sound that did not always tally with dramatic purpose. This was reminiscent not so much of Karajan’s Wagner – the Ring in particular often exhibited a chamber-like delicacy under the Austrian conductor’s baton – as some of his 1970s Beethoven.

Ben Heppner would doubtless be many listeners’ Siegfried of choice today. He certainly has the vocal resources to bring off a near-impossible role, though the results are accomplished rather than exciting. It might seem churlish, given some of the horrors to which we have been subjected, to withhold fuller appreciation but, on stage, this Siegfried cuts a less than heroic, indeed a less than convincing, figure – and this is not a dramatic strategy. There is something a little awry when Hagen exudes charismatic leadership whilst Siegfried appears to be unsuccessfully auditioning for the title role in an am-dram assault upon Peter Grimes. The lumberjack shirt did not help. In Wagner’s words, ‘The Greeks’ tragic hero stepped forward from the Chorus and, turning back towards it, said: “Behold, thus does a man act; that which you celebrate in commentaries and adages, I depict to you as irrefutable and necessary.”’ This cannot be said to have been accomplished, despite a surer command of the vocal line than one otherwise might experience. Mikhail Petrenko’s Hagen, as I have hinted, was another matter altogether. Strikingly different from the typical portrayal, this was a Hagen whose personal and political skills might well have persuaded rather than bludgeoned one into following him. I did not think him as black of tone as when he essayed Hunding, let alone when compared to other Hagens. Though not an unduly light reading, there were chilling moments of almost whispered – yet still sung – menace, ably supported by the orchestra, as well as a terrifying, partly because understated, Jekyll and Hyde routine. Confident and unabashedly sexy – when did one last think that of a Hagen? – when pulling the strings, whether with the vassals or his half-siblings, there were signs of deformity, in physical and other senses, and of potential unravelling in more private moments. This was a superb revisionist performance, in terms of stage and voice.

Katarina Dalayman’s Brünnhilde had a few wayward moments but was otherwise a strong presence. She drew upon a varied vocal palette with great discrimination, rendering her characterisation unusually credible. When she strode on stage following Siegfried’s return, there was an almost Hollywood sense of star quality, heightened, I think, by Rattle’s handling of the BPO strings. Yet the aura added to rather than distracted from her final deeds as Brünnhilde. Gerd Grochowski’s Gunther resembled his Telramund, seen recently in two productions in Berlin and in London. This is not an especially powerful voice, but Grochowski made a dramatic virtue out of a vocal necessity, with a detailed portrait of political vacillation, aided by his stage demeanour of aristocratic distraction. Emma Vetter’s Gutrune was made to resemble a cross between Linda Evans in Dynasty and the late Diana Dors, not the only occasion when Thibault Vancraenenbroeck’s costumes seemed at odds with Stéphane Braunschweig’s generally non-interventionist – some might say Konzeptlos – production (more on the latter below). This might not especially have mattered, had we been treated to a more than adequate vocal performance. I was also disappointed, surprisingly so, by Anne Sofie von Otter’s Waltraute. There was, as one might have expected, detailed attention to the words, but this remained a strangely earthbound portrayal in vocal terms. Dale Duesing’s Alberich again impressed as an example – appropriate, considering his son – of a lighter-toned, word-sensitive approach to the role. I shall be interested to see him in Das Rheingold. The Norns and Rhinemaidens were cast from strength and did not disappoint.

I am at a loss when it comes to Braunschweig’s production. There is nothing to which one could, with reason, vehemently object, but nor could I discern any insights, let alone revelations. According to a programme interview, what Braunschweig ‘likes’ in Götterdämmerung is that here, following ‘the development of great philosophical and psychological’ questions in the preceding dramas, ‘one returns to a more trivial level, to an almost bourgeois drama.’ It is a point of view, I suppose: not entirely unrelated to George Bernard Shaw’s writing off the Ring’s final drama as succumbing to the love panacea, and perhaps not entirely unrelated to the parallels with Ibsen some commentators have discovered. Yet, wrongheaded though I might have thought Braunschweig’s almost complete disavowal of Wagner’s political for the director’s – and to a certain extent Wagner’s – psychoanalytical concerns earlier in the cycle, it might have been more rewarding to have carried the latter through into the final instalment. It was now not at all clear why the characters, despite some very strong individual performances, notably those of Petrenko and Dalayman, should be of any greater significance. If Götterdämmerung takes place on a relatively ‘trivial level,’ then I hardly dare think what might qualify as profound, as world-historical.

Where what I had previously seen had led me to wonder whether this might turn out to be a culmination inspired by Robert Donington, it now seemed nihilist, not in a sense that Nietzsche would have understood, but simply because the ideas had run out. Even in its own terms, the production did not seem to have the Ibsen-like quality at which Braunschewig appeared to hint in the quoted programme note. Attention-seeking touches such as a final, apparently ‘amusing’ bobbing up from the Rhine of the Rhinemaidens, seemed just that. I have no especial regrets at a lack of staging for Siegfried’s Rhine Journey, but I could not help suspecting that the fall of the curtain suggested lack of interest rather than a positive decision. If it were not for the stylishly minimalist sets – yet to what end? – or the technically accomplished, if oddly reticent video projection of the Rhine in the opening scene of the third act, it is difficult to imagine what would have been lost in a concert performance. Considered almost as such, however, there was a great deal to praise.

Mark Berry

Davon geht die Welt nicht unter

Mit der „Götterdämmerung“ vollenden Simon Rattle und die Berliner Philharmoniker ihr Wagner-Projekt in Aix en Provence.

Frankreich und Richard Wagner, sie verbindet eine amour fou. Immer wieder hatte der Komponist versucht, in Paris Fuß zu fassen; als die Opéra 1861 seinen „Tannhäuser“ zeigte, wurde die Zukunftsmusik jedoch vom konservativen Stammpublikum ausgepfiffen. Nur die Intellektuellen schlugen sich auf seine Seite, Musiker gleichermaßen wie Literaten, gründeten die Kunstzeitschrift „Revue wagnérienne“ und pilgerten später nach Bayreuth, weil das offizielle Paris sich bis 1893 einer vollständigen Aufführung des „Ring des Nibelungen“ verweigerte.

Wenn sich mit der Premiere der „Götterdämmerung“ nun der erste „Ring“ beim Festival von Aix en Provence rundet, kann man das als finalen Sieg des Wagnérisme in Frankreich feiern. Zumal, wenn die Berliner Philharmoniker im Graben sitzen. Die wahnwitzige Idee, das 16-Stunden-Mammutwerk mit dem deutschen Spitzenorchester, Simon Rattle und einem französischen Regisseur zu stemmen, hat manches in Bewegung gebracht in der Provence. Lange schon gab es den Plan, dem 1948 gegründeten Festival ein eigenes Theater zu bauen; Stadt und Region haben 45 Millionen Euro dafür aufgebracht. Das „Rheingold“ wurde 2006 noch unter freiem Himmel in der traditionellen Spielstätte des Bischofpalasts gezeigt, zur „Walküre“ war das 1400Plätze-Haus mit Ach und Krach bespielbar. 2008 ließen sich die Annehmlichkeiten des modernistischen Baus beim „Siegfried“ erstmals beurteilen: der warme Raumklang wie die nahezu lautlose Klimaanlage, bei 33 Grad Außentemperatur ein Faktor, der den Kunstgenuss steigert.

Ein irrwitziges Unterfangen bleibt es dennoch: Für vier Aufführungen kommen die Berliner in voller Orchesterstärke sechs Wochen lang in die Provence, zur „Götterdämmerung“ wurde zusätzlich der komplette Rundfunkchor eingeflogen. Kein Wunder, dass die Tickets trotz staatlicher Subventionen bis zu 350 Euro kosten. Die Krönung jedes „Ring“- Projekts – eine zyklische Aufführung aller vier Teile des Musikdramas – hat man sich in Aix schon bei der Planung abgeschminkt.

Die dem Regietheater weitgehend abgeneigten Franzosen stören sich nicht an den braven Bebilderungen, die der in Personalunion für Inszenierung und Ausstattung verantwortlich zeichnende Stéphane Braunschweig anbietet. Für den Gast aus Berlin dagegen bleibt die Optik auch bei der „Götterdämmerung“ ein Ärgernis. Ein paar einwandfreie Videoeinspielungen, mehr hat Braunschweig zum Weltuntergangsdrama nicht zu bieten. Den Figuren durch psychologisch fundierte Personenführung Charakter zu verleihen, gelingt ihm kaum. Wer nicht selber Schauspieltalent mitbringt wie Dale Duesing bei seinem Kurzauftritt als Alberich, steht schlaff herum, flüchtet sich in altbackene Sängergesten.

So steht auch im Finale der Tetralogie die Frage im Zentrum, wie sich die Philharmoniker als Opernorchester schlagen. Wenn Simon Rattle darauf verweist, dass Herbert von Karajan einst so sehr auf den Bau des Großen Festspielhauses in Salzburg gedrängt hatte, weil er dort ab 1967 den „Ring“ mit den Berlinern aufführen wollte, ist das nicht ohne Risiko. Sein Vor-Vorgänger war ein gewiefter Musiktheatermann, der das Opernhandwerk von der Pike auf gelernt hatte. Rattle dagegen hat keine Stadttheatererfahrung, die Mühen der Ebene kennt er nur beim sinfonischen Repertoire. Und bei den radikal verjüngten Philharmonikern kann nur noch eine Handvoll auf Karajan-Erlebnisse zurückgreifen.

Wobei sich die fehlende „Ring“-Routine vergangenen Sommer beim „Siegfried“ als Glücksfall erwies. Auch eingefleischte Wagnerianer betrachten den dritten Abend des Zyklus als dramaturgischen Durchhänger, als notwendiges Übel auf dem Weg zu den Freuden der „Götterdämmerung“. In endlosen Szenen fassen die Protagonisten zusammen, was bisher geschah. Rattle und die Seinen aber begegneten dem klingenden Material mit Neugier und Forscherdrang, behandelten jede Erkennungsmelodie so liebevoll, als tauchte sie zum ersten Mal auf, lauschten aufmerksam aufeinander und führten die einzelnen Stimmen in einen Klangstrom zusammen, leuchtend wie flüssiges Gold.

Auch in der „Götterdämmerung“ bleiben die Philharmoniker der Star, beim Schlussapplaus erheben sich die Zuhörer spontan für das Orchester. Unvergleichlich, wie die Cellogruppe ihre Melodie beim Übergang von der Nornen-Szene zum Brünnhildenfelsen formt, wie sich dann der Sonnenaufgang klanglich entfaltet. Großartig der Perlmuttschimmer der Streicher in Siegfrieds Rheinfahrt, berückend die Strahlkraft der Blechbläser. Und doch lautet das Fazit dieses Abends, dass Rattle und Wagner nicht zusammenpassen. Der britische Dirigent mag sich dem Pathos dieser Musik einfach nicht hingeben, will sich nicht vom Sog mitreißen lassen, sich dem Weltendeutungsanspruch des Komponisten stellen. Rattle bleibt distanziert, wo er brennen müsste, verweigert Atmosphärisches und setzt dafür auf eine Textverständlichkeit der gestelzten Stabreime, die gerade in Frankreich unnötig erscheint. Ständig drückt er auf die Tempobremse und zerstört damit den dramatischen Bogen, er differenziert, relativiert, wo er zupacken und scharf akzentuieren müsste.

Das Ergebnis: edle Langeweile. Auch weil er sich für seine antiheroische Wagner-Sicht Sänger mit eher lyrischen Stimmen gewünscht hat. Zumindest möchte man hoffen, dass es sich um eine Vorgabe des Dirigenten handelt. Denn wenn Eva Wagner-Pasquier, die in Aix seit langem als künstlerische Beraterin arbeitet, diese „Götterdämmerungs“-Besetzung für angemessen hält, lässt das Schlimmes befürchten für die Bayreuther Festspiele, die sie ab diesem Sommer zusammen mit ihrer Halbschwester Katharina leitet.

Ben Heppner zählt zweifellos zu den intelligentesten Tenören unserer Zeit – den Siegfried aber sollte er nicht singen. Dazu fehlen ihm die Statur und der metallische Höhenglanz. Katarina Dalayman bewegt sich auf der Bühne, als sei sie im falschen Stück gelandet, tastet sich mit lyrischem Sopran vorwärts, eine Belcanto-Diva, die Bellinis „Norma“ sein möchte, aber nicht das Zeug zur Brünnhilde hat. Die interessanteste Stimme des Abends gehört Mikhail Petrenko, vermag er mit seinem Bariton doch musikalisch so virtuos zu grimassieren wie weiland die Stummfilmdarsteller mit ihren Gesichtsmuskeln. Als Hagen aber ist er eine glatte Fehlbesetzung: Dessen tiefschwarze Seele braucht eine ebensolche Stimmfarbe, wenn der gefährliche Spielmacher nicht wie hier zum pfiffigen Kerlchen zusammenschnurren soll.

Drei große Sinfonie- und diverse exquisite Kammerkonzerte werden die Philharmoniker noch in Aix en Provence geben, bevor sie nach der letzten „Götterdämmerung“ am 12. Juli ihre Zelte abbrechen. Und natürlich hatten sie wieder ihre Education-Abteilung für Jugendprojekte dabei. Mögen die Berliner in Südfrankreich auch den „Ring“ nicht neu erfunden haben, eines ist ihnen nach dem verrückten Vier-Jahres-Projekt gewiss: die amour fou des französischen Publikums.

Frederik Hanssen | 06.07.2009

Avec ce « Crépuscule des Dieux » s’achève un « Ring » dont on peut dire qu’il aura concentré un maximum d’attentes et beaucoup de déceptions. Au positif, on rendra hommage aux talents de maître d’œuvre de Stéphane Lissner : quand il annonça ce Ring en 2005, avec la participation de la Philharmonie de Berlin, la prise de rôle de Ben Heppner et l’ouverture d’un nouveau théâtre à la clé, nous n’en croyions pas nos oreilles. Belle réussite du point de vue de la stricte atteinte des objectifs annoncés : la Philarmonie aura été fidèle à sa réputation, Heppner n’a pas annulé et la salle (fait exceptionnel) a été livrée à l’heure. Mais l’arbre se juge à ses fruits : la nouvelle salle existe bien, c’est entendu, mais le bâtiment est on ne peut plus médiocre ; quant à l’aspect musical et théâtral, malgré un « Rheingold » pour lequel on pouvait avoir quelques indulgences, il n’est allé qu’en diminuant.

Wagnériens poids plumes

Dans le désert actuel de voix wagnériennes, Katarina Dalayman est mieux qu’un pis-aller : voix franche, sonore, bien tenue, mais qui a un peu de mal à finir. Certes le final de l’immolation nous offrira son comptant de décibels, mais de nombreux passages de la dernière scène sont souvent peu audibles soit que la chanteuse s’économise, soit que le registre grave soit insuffisant. La réserve principale est surtout d’ordre dramatique car cette Brünnhilde au chant uniforme n’a malheureusement pas grand-chose à nous dire dramatiquement. Economies disions nous ? C’est bien ce qui caractérise le mieux le style de Ben Heppner. Son Siegfried de l’année précédente se caractérisait par l’incapacité à chanter correctement les trois actes de suite avec l’héroïsme attendu (au mieux, suivant les soirs, on pouvait entendre deux actes corrects, pas toujours les mêmes, ce qui permettra sans doute de concocter un DVD parfait). Cette année, le ténor canadien a fait le choix de chanter sans forcer : conséquence, son Siegfried intimiste et peu héroïque a du mal à passer la rampe, et surtout à nous convaincre qu’il est autre chose qu’un gros nigaud ; à noter que ces prudences n’empêchent pas le ténor d’avoir du mal à tenir la route et la voix craque à de nombreuses reprises . Reste un chant coloré, d’une belle musicalité, mais est-ce suffisant?

Mikhail Petrenko obtient la palme à l’applaudimètre : on pourra trouver son Hagen juvénile, la voix un peu claire, mais au moins l’artiste s’investit vocalement et scéniquement sans tricher, et il n’est guère couvert que pour son ultime intervention, inaudible. Au global, un Hagen qui ne passerait pas dans une grande salle mais qui arrive à convaincre ici. Curieuse idée d’avoir proposé le rôle de Waltraute à Anne-Sofie von Otter, bien éloignée de son répertoire naturel. La chanteuse s’en tire grâce à son métier et à son investissement, mais la voix est ici poussée dans ses derniers retranchements. Dale Duesing est un Alberich simplement correct ; Emma Vetter, un peu inodore dans un rôle plutôt sacrifié ; Gerd Grochowski, un Gunther légèrement pâlot, qui manque de veulerie.

Ca ne marche pas

Porté par un grand chef, un tel plateau aurait peut-être pu convaincre (on en a eu l’illustration à plusieurs reprises sous la baguette de Riccardo Muti). Malheureusement, Simon Rattle est bien dépassé par sa tache. On appréciera un travail extraordinaire sur la texture des pupitres, des leitmotiv et des subtilités d’orchestration superbement mis en valeur. Surtout, ce travail sur le détail se fait au détriment du tout : point de conception d’ensemble, point de souffle qui porterait l’ouvrage sur la durée. Une vague conception chambriste, raffinée, sans ampleur, sans grandeur, évacuant les boursoufflures de l’ouvrage mais le trahissant par la même occasion. Il ne s’agit pas ici d’être sourd à une conception originale voire expérimentale, mais de constater qu’il s’agit bien, d’une part, d’une trahison et, d’autre part que « ça ne marche pas ». Quant à suivre les chanteurs, n’en parlons même pas.

Tabula rasa

Le minimalisme de Stéphane Braunschweig m’avait fait plutôt bonne impression lors du Rheingold. Les « journées » se succédant, force est de reconnaître que l’on a du mal à percevoir là aussi une perception d’ensemble, une vision, un message, une petit quelque chose, quoi. Car c’est bien beau de vouloir dépoussiérer un tel ouvrage : encore faut-il être capable de proposer un tout cohérent à la place. Débarrasser le Louvre des vieilleries qui l’encombrent, c’est bien joli, mais si c’est pour ne laisser que les parquets et des murs blancs, c’est un peu court. Il semble que le metteur en scène se soit surtout consacré à la psychologie des personnages ; malheureusement la traduction scénique de cette approche est peu visible : soit les interprètes ne sont pas à la hauteur de ce travail, soit il n’est pas visible au-delà du 5ème rang d’orchestre, ou bien est-il tout simplement sans effet ? Quant à la nouveauté d’une telle approche, c’est celle d’un Strosser pour le Châtelet il y a 15 ans, Ring somnifère de sinistre mémoire. Braunschweig semble également vouloir palier au manque d’idées par des contre-pieds ; exemple, tandis que Wagner s’efforce au sublime pour introduire le rocher de la Walkyrie, nous avons droit à un Siegfried enfilant péniblement ses godasses assis sur le lit où repose Brünnhilde : on sent bien, paradoxalement, que la flamme n’y est plus. Que dire enfin de la joyeuse cohorte des suivants de Gunther costumés en « sportmen » des années 50 (polo, tir, à vous de choisir la tenue).

Et pourtant, nous ne pouvons pas nous empêcher d’une certaine satisfaction. D’abord, parce que nous aurons entendu la Philarmonie de Berlin « en fosse », ce qui n’est pas si courant et que nous n’aurons pas été déçu par celle-ci : c’est une diva qui en fait un peu à sa tête, mais une diva quand même. Ensuite, et c’est un sentiment extra musical, parce que 5 ans entre l’annonce de ce Ring et son accomplissement, c’est bien long et l’on sentait un sentiment « d’accomplissement » naturel à la fin de cette série qui pouvait expliquer une partie des applaudissements un peu exagérés au rideau final. Bravo à Stéphane Lissner pour son talent qui lui aura permis de monter à bien un tel projet : mais il est triste que ses intuitions musicales et théâtrales n’aient pas été à la hauteur de l’événement car une telle occasion ne se représentera pas de si tôt.

Placido Carrerotti | jeu 09 Juillet 2009