Parsifal

Daniel Barenboim
Chor der Staatsoper Berlin
Staatskapelle Berlin
Date/Location
1 November 1992
Staatsoper Unter den Linden Berlin
Recording Type
  live  studio
  live compilation  live and studio
Cast
AmfortasFalk Struckmann
TiturelFritz Hübner
GurnemanzJohn Tomlinson
ParsifalPoul Elming
KlingsorGünter von Kannen
KundryWaltraud Meier
GralsritterPeter Bindszus
Oskar Hillebrandt
Stage directorHarry Kupfer
Set designerHans Schavernoch
TV directorHans Hulscher
Gallery
Mostly Opera

With 20 years delay, finally we now have the 1992 Berlin State Opera production of Parsifal, quite simply the best presentation to date of Parsifal on DVD.

Harry Kupfer, at this time artistic director of Komische Oper, the smallest of the three opera houses in Berlin had no real possibility of staging Wagner in his own house, thus the collaboration with Daniel Barenboim, the newly appointed musical director at the Berliner Staatsoper, 200 meter further down the Unter den Linden.

This was Harry Kupfer´s second attempt at Parsifal, the first dating from the 1970´s also at the Berlin State Opera, which could be seen at the Copenhagen Royal Opera House as well until a few years ago (I saw it at least twice). In that first production, Parsifal renounces the brotherhood chooses to leave the community with Gurnemanz and Kundry taking the spear and the grail with him, which was at the time seen as a politically charged criticism.

However, for this, his second Parsifal, after the fall of the Berlin Wall, things looked different,  for Parsifal as well. In a semi-mythical, futuristic setting, circular door reminiscent of spaceships separate the inside and the outside – both pitch dark, with metallic and electronic cold surfaces. The grail community is a sick community: Characterized by a strong bond, the knights seem fixated on the Grail, oblivious to anything else.

involved stage direction. The flower maidens show their various body parts on TV screens, only Kundry, is a real, three-dimensional woman. In the end, the knights are oblivious to Parsifal, focusing only on the Grail. Kundry takes his hand as if urging him to leave, but after a moment of reflection Parsifal choses to stay with her and Gurnemanz.

And why exactly does this work? Because of the combination of Harry Kupfer´s excellent direction of the singers (his trademark), the aesthetic stage designs (by Hans Schavernoch), Barenboim´s superb reading of the score and some of the best singers of the generation.

The singers are what Kupfer wants: Young, agile singer-actors, all in their vocal prime, most having already worked with Barenboim/Kupfer in their just terminated Bayreuth Nibelungen Ring, also the best Nibelungen Ring on DVD. The static nature of Parsifal simply needs involved personal stage direction to work dramatically. As well as singers, who master their parts, obviously.

Is Waltraud Meier the best Kundry in history? Honestly, I think she may well be. Here, stunningly beautiful in her vocal prime (36 years old), already with 10 years experience in the part, her dramatic commitment and effortless vocal flexibility is unparallelled. This is her third Kundry on DVD, with the Metropolitan Parsifal recorded the same year, but leaving her with fewer dramatic options.

Poul Elming, the Danish tenor, who started out as a baryton and got his international breakthrough when Daniel Barenboim selected him as his Siegmund in the Bayreuth Nibelungen Ring, is a committed and entirely believable Parsifal. He also appears on the recently released 1998 Bayreuth production conducted by Sinopoli.  John Tomlinson, in his vocal prime, a charismatic Gurnemanz, who tells his stories so you want to listen to them. A young Falk Struckmann is a fine, though already at this point slightly grainy Amfortas, while the Nibelungen Günter von Kannen makes a fine Klingsor.

While Christian Thielemann has the glitzy brilliance, Daniel Barenboim the weightier punch, which is ultimately the most satisfying approach. He quite simply understands the structure of Richard Wagners compositions, better than he understands the structure of anything else I have ever heard him conduct (which is, in fact, a lot).

An easy first choice on DVD.

The bottom line (scale of 1-5, 3=average):

Poul Elming: 4-5
Waltraud Meier: 5
John Tomlinson: 5
Günter von Kannen: 4-5
Falk Struckmann: 4

Harry Kupfers production: 5
Daniel Barenboim: 5

Overall impression: 5

28 March 2012

Opera News

Before Hans Neuenfels’s “lab rat” production of Lohengrin at Bayreuth, before Des McAnuff’s “atomic bomb” production of Faust at ENO and the Met, there was Harry Kupfer’s Parsifal in Berlin. In Hans Schavernoch’s designs, Kupfer’s production, recorded at the Staatsoper in 1992, apparently takes place in a gigantic, gleaming vault. The vault contains nothing but a protrusion resembling a one-person spaceship, which levitates when it is used as the altar for the grail ceremony. 

Kupfer’s direction is nonetheless closely engaged with Wagner’s libretto in a number of small but telling details. Parsifal is temporarily blinded by a flood of pure white light when he first enters the grail temple. Terrified, he refuses to take the communion Gurnemanz offers him. In the final moments of Act I, Kundry is discovered, tightly pressed to the outside of the temple, as close as she is allowed to come to the salvation she dearly desires. (In Act III she is included, as Wagner wished.) Gurnemanz, a healthy young Viking in Act I, has aged badly by Act III. At the final grail ceremony Kundry seems destined not for eternally longed-for afterlife but for continued earthly life. But Amfortas dies, unable to bear the upheaval.

As Kundry, Waltraud Meier — through her bearing, her gait, even somehow her very face — gives us three entirely different women in the three acts, an interpretation borne out by Wagner’s libretto. As good as she is in Act I (red-headed, urgent in her vocal lines and very, very sexy) and in Act III (young again, starting over like a novice in a convent), her performance in Act II is historic. For quite some time she sings as lightly as if she were singing a Hugo Wolf song. Her seduction of Parsifal is at first a polished performance of a task that she has unfailingly accomplished over and over. But as things veer off course, another layer is added. It is not so much that she has to start playing for keeps as that it appears she, for the first time, is being completely honest. Yet this turns out to be a deception as well. Does she realize that Parsifal is her redeemer before he does but suddenly fear the reality of him? Ultimately, Kundry has never seemed so dangerous. 

The work of Kupfer, of conductor Daniel Barenboim and of the other singers is all on a higher level when Meier’s sensational Kundry is onstage. Poul Elming’s Parsifal is at his most focused, musically and dramatically, in his long solo “Amfortas! Die wunde,” where Kupfer has him play the long paragraph in a state of complete trust in Kundry. Barenboim revels in what Meier is able to do, filing the orchestral tone down to the barest thread of sound just before “Ich sah das kind.”

John Tomlinson sings Gurnemanz in a declamatory, un-conversational way, even when Wagner asks for piano. Falk Struckmann is prone to unsteady tone as Amfortas. The Flowermaidens are seen only as disembodied faces, and a few disembodied breasts, on closed-circuit television screens. Since they are offstage, they can stand close together as a group and coordinate with an assistant conductor. As a result, the Flowermaidens’ music has never sounded so precise in live performance. (Barenboim’s accompaniment to their waltz, as quick and light as can be, seems heavily influenced by Hans Knappertsbusch’s.) But when Kupfer lovingly reproduces every one of Wagner’s stage directions for the Good Friday meadow on these gleaming reflective floors and towering titanium walls of the vault, it is hard to know what to make of the discrepancy. 

All told, the show, and Ernst Stoy’s magnificent chorus, must have been mightily impressive in the theater. EuroArts’s video production, with no entrance applause for the conductor and no bows, is a reminder of the era when nobody was allowed to applaud the first and last acts of this opera.

WILLIAM R. BRAUN | November 2012 — Vol. 77, No. 5

classical-cd-reviews.com

Barenboim’s Berlin Parsifal has accrued some high expectations in the 20 years it has taken to reach DVD. By many people’s reckoning, Barenboim is the finest interpreter of this score in recent times, and his collaboration with director Hary Kupfer for the Berlin Staatsoper regularly tops the favourites lists of critics who know their Wagner. The historical context is important. The wall had fallen just a few years before, and Barenboim had only just been appointed as the company’s Music Director. A new dawn then for opera in Berlin, and a Parsifal to herald the new era.

Everybody involved in the production – the company, the conductor, the director and the cast – already had significant experience with this opera, and it shows. Kupfer negotiates the work’s dramatic paradoxes with impressive skill. The setting is a kind of chrome spaceship environment, somewhere between Tron and Stargate. It looks dated, or at least of its time, but that doesn’t matter a bit. What’s more significant is the way the staging focusses the attention, on the Grail in the acts 1 and 3 finale rituals, and rest of the time on the singers. This is one of the few productions I have seen that maintains a visual continuity between the first act and the second. The iconography of Montsalvat is inverted or parodied by that of Klingsor’s castle. And the Flowermaidens scene is about the most bizarre and disturbing you’ll ever see.

More importantly though, Kupfer really gets his singers to act. The stasis implied in most of the scenes is overcome by the real sense of emotive interaction between the characters. Dramatically, Kundry and Amfortas are the strongest characters here. Amfortas’ suffering makes the finales of the outer acts almost unbearable to watch, while Kundry dominates Act 2, bringing every imaginable emotion to bear.

The cast is about the strongest you could imagine, both in terms of singing and acting. Even 20 years later, all are still working, and still dominating the Wagner world. But in 1992, they were at the peak of their powers, and able to put in some extraordinary vocal performances. Poul Elming is dramatically convincing as Parsifal. He also has the baritonal richness to his voice to compete with all the bass and baritone singers he is up against. Falk Struckmann projects the pain and suffering of Amfortas as much through his impressive vocal performance as through his acting. John Tomlinson is the Gurnemanz of our times. Perhaps he seems a little more authoritative today for his greater maturity, but in 1992 he also had a greater agility to his voice, which really helps this musically supple production. Waltraud Meier is just fabulous as Kundry. It is hard to imagine a better performance, although her voice does start to show the strain towards the end of the second act and her tone begins to thin a little. Günter von Kannen and Fritz Hübner take the roles of Klingsor and Titurel. Both pale slightly in the context of this stellar cast, but both give more than serviceable performances.

I’ve asked around many Wagner experts, and I can’t find anybody to say a word against Barenboim’s reading of Parsifal. And I’ll agree that he is certainly able to drive the music, and to structure its long acts. He’s also got an ear for orchestral detail, but makes sure that orchestra always serves the singers. But for all that, I find his reading slightly rigid. He never slows in crescendos leading to climaxes, which then lose some impact, and a lot of the filigree woodwind writing simply sounds rushed. I’m clearly in the minority, but I’d much rather hear Haitink or Kubelik any day.

The video production and sound quality are also of their time. So far as I can tell, the filming was done for Bavarian television. The style of editing is unusually static. So, for example, in the preludes to each of the acts, we watch Barenboim conducting from an unflatteringly low camera angle, with few cutaways to the orchestra. This static approach to editing serves the stage action better, especially as Harry Kupfer has obviously thought hard about the relationship between stasis and movement, a balance which is little affected by the camera work. Given the date, it is unsurprising that we are in a 4:3 aspect ratio, but that’s a shame, as it often relegates the singers to the bottom third of the screen. The sound quality is OK in the pit, but the singers sound very distant. Fortunately they all have voices that really project, so it’s not too much of a problem.

A valuable document, then, of a historic Parsifal. Although I’ve reservations about Barenboim’s reading, this is clearly one of the finest productions ever to make it onto DVD. Given the long and glittering careers of everybody involved here, you will probably be able to find them all involved in other Parsifal productions, at least in audio and in many cases on video too. But everything really comes together this time, so we should be thankful that the cameras were there to capture it for posterity.

Gavin Dixon | 4 April 2012

Die Zeit

Im Tresor der Triebe

Die neue Ära hat begonnen, und gleich in seiner ersten eigenen Premiere, Wagners „Parsifal“, hat Daniel Barenboim gezeigt, daß er es ernst meint mit seiner Ankündigung, die Berliner Staatsoper Unter den Linden wieder zu einem führenden Haus in der Opernwelt machen zu wollen. Freilich: Der so ehrpusselige wie selbstbewußte „Künstlerische Leiter und Generalmusikdirektor“ wird gleich auch die Warnzeichen wahrgenommen haben, die ihm die vorläufigen Grenzen des Wachstums signalisierten.

Bereits vor dem ersten Orchestereinsatz gibt Hans Schavernochs Bühne ein erstes Rätsel auf: Der Portal ist umgeben mit schwarzen Rahmen-Flächen, die vor die Proszeniumslogen bis an den Rand des Orchestergrabens heruntergezogen sind: Wir blicken auf einen überdimensionalen Fernsehschirm. Die Oper, genauer: das Bühnenweihfestspiel als elektronisches Spektakel?

Es bleibt beim High Tech allein der Bilder. Der „Wald, schattig und ernst, aber nicht düster“, ist inzwischen abgeholzt und durch ein silbrig-metalliges Gemäuer ersetzt, in dessen einer Wand eine runde schwenkbare Tür zu betätigen ist, der Schleusenverschluß einer Weltraumfähre vielleicht oder, wahrscheinlicher, die absolut sichere Panzertür eines Tresors. Wer sichert hier was wogegen? Befinden wir uns im Tresor oder außerhalb? Strenggenommen werden diese beiden Fragen den ganzen Abend über nicht beantwortet. Vielleicht lassen sie sich ja auch nicht beantworten: Wer weiß schon, von welchen geheimnisvollen Mächten er eingeschlossen, eingekerkert ist!

Die Wände können je nach Notwendigkeit verstellt, in sich gedreht, neu kombiniert werden, reflektieren ein gleißend helles Licht, das von der Seite eingestrahlt wird, oder lassen eine Fülle von Glimmlämpchen erglühen in jenem mystischen Lila wie die Fenster in der Berliner Gedächtniskirche. Aber weder die Stellung der Wände noch ihre Bewegungen verraten Gründe, Motivationen, Sinnzusammenhänge. Die Lichtgraphik auf den geriffelten Wänden wird zum optischen Selbstzweck, die Architektur zum räumlichen Allerlei, die Szene damit zur Beliebigkeit. Ihr einziges Postulat heißt: Schick.

Bevölkert wird die Bühne einerseits durch junge Damen und etwas reifere Herren in modisch gestylten Gewändern (Entwürfe von Christine Stromberg), zum anderen durch einen bärtigen und langhaarigen Johannes-der-Täufer-Ersatz. Später kommen Herren in den feinen Mänteln einer Offiziers-Ausgehuniform hinzu, eine Dame im Reisedreß einer Nomadin, Bedienstete einer psychiatrischen Klinik und deren offenbarer VIP-Patient, der wiederum getragen wird auf einem feuerverzinkten Metall-Gestell-Thron. Am Ende des ersten wie des dritten Aktes schließlich nehmen wir teil am Mut-Mache-Konvent eines ziemlich ramponierten Fähnleins der siebzig nicht mehr Aufrechten, Anhängern offenbar eines obskuren Mysterienkultes oder schlicht nur von Drogenabhängigen – denen freilich eine kleine Laser-Show schon zur halluzinatorischen Befriedigung reicht.

Wer sind diese Herrschaften? Was verrät ihr Gehabe? Zu was treffen sich diese „Ritter“? Warum gieren sie nach der „Enthüllung“ des hinter einem schwarzen Schleier verborgenen leeren Stiel-Glases? Ist das Ritual eine Ersatzbefriedigung derer, die ihre Triebe in den Tresor einer verklemmten Moral eingeschlossen haben? War es „nur“ ein sexuelles Sich-vergessen-Haben, weswegen der armselige Typ da sich auf einer Art Schwebebalken herumquält, bevor er die Vase in den rötenden Strahl hält – der dann, bei geschickter Drehung des Körpers, auch „die Wunde“ an seiner Flanke „erbluten“ läßt? Was ist mit dem Heiligen, dem Mysterium? Was mit dem „Erlösung dem Erlöser!“? Lauter Fragen ohne Antworten. Vor fünfzehn Jahren inszenierte Harry Kupfer an gleicher Stelle das gleiche Stück – und entwickelte daraus eine Kontroverse zwischen der Machtinstitution „Kirche“ und der Humanitas. Da steckte Pulver drin. Haben sich mit den „Zeiten“ auch die künstlerischen Notwendigkeiten, mit dem politischen System auch die intellektuellen Orientierungen geändert? Vor zehn Jahren, zur Hundertjahrfeier des „Parsifal“, waren die Wellen hoch gegangen: Antisemitismus? Antichristlich? Eine neue Religion? Harry Kupfer hat jetzt alle Theologen rigoros ausgeladen: Nichts bitte über Kult oder Ritus, nichts gar über Eucharistie, nichts über das Numinose! Das wäre nicht tragisch, ließe sich diskutieren – wenn er eine Alternative anböte. Es mag ja an mir liegen, aber: Mir ist nicht klargeworden, was Harry Kupfer denn nun will.

Vielleicht doch nur durchpsychologisierte „Personenregie“? Da in der Tat, in der Ausformung der kleinen gestischen Momente, leistet er Beachtliches. Daß beim „Rittergezücht“ manches im argen liegt, menschliche Eifersüchteleien vorkommen und die kleinen versteckten Bosheiten, läßt Harry Kupfer uns schnell sehen, etwa im Verhalten zweier Knappen, die aus Fragen Hinterhältigkeiten machen, ihre Aggressionen abreagieren, ihre Komplexe kompensieren. Klingsor kann seine Sexualneurosen kaum verbergen, seine Brutalität nicht kontrollieren – Günter von Kannen zeigt die psychische Nähe dieser Figur zum Alberich auf mit einer theatralischen wie musikalischen Glanzleistung.

Aber wie hieß doch noch das „Stichwort“ des hinter dem Pseudo-Johannes sich verbergenden Gurnenanz, das sein Denken, seine Verhaltensmotivation umschreibt? „Warten!“ Kann ein so in kluger Geduld Hoffender sich vor lauter aufgeregtem oder auch nur jugendbeschleunigtem Aktionismus beinahe in einen Herzinfarkt steigern? Hat er am Ende immer noch nichts gelernt? Daß die Fernseh-Kultur nun auch Klingsors Zaubergarten erobert hat, daß also Verführung dort über die Scheinwelt der elektronischen Medien erfolgt, ist halt der Lauf der Welt. Wer je gesehen hat, wie kleine Kinder hinter den Fernsehapparat kriechen, um den zu suchen, der da in der Flimmerkiste versteckt zu sein scheint, kann nachvollziehen, daß der „reine Tor“ Parsifal die Reklame-Girls hinter der TV-Mattscheibe vermutet; daß er den Bildschirm streichelt und die süßen Puppen meint, ihre Knutsch-Mündchen, knospigen Brüstchen und prallen Popos. Aber was sagt uns das über diesen theatralischen Augenblick hinaus? Da erzählt Kundry die Geschichte ihres So-Seins, berichtet von ihrem gottlos-zynischen Lachen, schreit dabei das Grauen ihrer Erinnerung aus sich heraus – und stockt, hält sich, über sich selber erschrocken, die Faust vor den Mund. Die kleine Geste sagt mehr als viele Worte und lange Kantilenen über die Befindlichkeit dieser Person – und demonstriert das Können des Regisseurs.

Daniel Barenboim beginnt sehr verhalten, sehr ruhig, sehr langsam, stiftet so Sicherheit und Vertrauen im Orchester. Und das wirkt sich aus. Die Staatskapelle musiziert an diesem Abend in Hochform, klanglich ausgewogen, sorgfältig in der Präzision und homogen im Timbre, markant und doch nie vordergründig. Die gemäßigten Tempi vermeiden andererseits jeden Anflug von Hymnik oder Triumphalismus, von kultischem Ritualismus. Barenboim gestattet sogar durchaus auch Derbheiten und Brutalismen.

Aber er kann nicht verbergen, daß die orchestralen Affekte sich noch nicht ihr eigenständiges Gewicht verschaffen, daß etwa auf der Blumenaue oder beim Karfreitagszauber orchestraler Glanz oder Schmelz oder Sinnlichkeit oder Duft sich ergeben, jene Kategorien also, die einen Klang über das technisch Fehlerlose hinausheben in die irrationale Sphäre des nur noch Er-Hörbaren – wo also „Größe“ sich ereignet. Die Autorität Daniel Barenboims ist spürbar – aber nach zwei Akten ist auch vieles wieder abgeflacht. Wie wird er seinen Einfluß kontinuierlich machen können?

Im Ensemble Bayreuther Spitzenniveau: Waltraud Meier als Kundry die absolut musikalisch beherrschende Figur; John Tomlinson, der Wotan des Kupfer-Barenboim-„Ring“; Poul Elming, der Bayreuther wie Deutsche-Oper-Siegmund; Günter von Kannen – kaum eine Einschränkung. Eine mit größtem Stolz vorführbare musikalische Arbeit.

Die Spitzen der Berliner (Kultur-)politik waren dabei, werden es zur Kenntnis genommen haben – und nun wieder neu über ihre Strukturprobleme zu brüten beginnen. Ein bißchen Vorsicht bleibt trotzdem anzuraten: Noch ist dem Glanz nicht voll und allein zu trauen, der von einer Premiere ausgeht.

Heinz Josef Herbort | 30. Oktober 1992

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(2.5/5)
Media Type/Label
EuroArts
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Technical Specifications
720×480, 1.4 Mbit/s, 2.3 GByte, 4:3 (MPEG-4)
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