Auch im Mailänder Sommer fegt Wagner rauschhaft durch die Scala

Mit einem sensationellen Siegfried setzt Mailand einen spektakulären wie einzigartigen Ring-Zyklus fort. Allen voran Klaus Florian Vogts Siegfried und Camilla Nylunds Brünnhilde sorgten für ein spektakuläres Gesangsfeuerwerk. Da kann die Götterdämmerung nicht schnell genug kommen!

Sowas kriegt man auch nur in Mailand: Vor dem Aufgang in die Galleria noch ein kurzes prima-di-Siegfried-Gelato, beim Eingangsapplaus leuchteten Frieden fordernde Simon-Boccanegra-Zitate auf dem Vorhang. „E vo gridando: pace“ – „Ich schreie: Frieden!“. Politik ist in Italien auch unter fremden Sitznachbarn kein Tabuthema, dafür bräuchte ich dann wahrscheinlich doch erstmal eine kurze Einführung ins italienischsprachige Alltagsgeplauder. Aber auch in der dritten Episode ist der Scala-Ring eine einzigartige Mailänder Wagner-Experience!

Nylund singt Vogt an die Wand

Angereist ist man ohnehin für die Oper, alles andere ist ja nur nebenbei. Musikalisch wurde der Abend wieder einmal zu einem glorreichen Gesangsfeuerwerk. Klaus Florian Vogt in der Titelrolle hinterlegte einen souveränen stimmlichen Triumphzug. Völlig furchtlos stand er vor dem hier als Riesenskelett auftretenden Fafner-Drachen, ähnlich unbeeindruckt der schwindelerregenden Spitzentönen dieser Rolle ritt er mühelos durch die Melodien und schien daran regelrecht Spaß zu haben. Im Gegensatz zur eher dunklen, von leichter Brutalität gefärbten Inszenierung sang er die fünfstündig Hammerpartie schlagkräftig triumphierend aber stets stimmlich gewaltfrei runter und erntete dafür zurecht fulminanten Applaus!

Fast hätte man gedacht, nach vier Stunden völlig umhauender Wagner-Magie könnte es nicht mehr besser werden. Doch dann erhob sich auf einem der vielen Felsen Camilla Nylunds göttliche Leuchtkraftstimme. Wie ein allmächtiges stimmlich wütendes Weib zog Brünnhilde den ganzen Saal in ihren musikalischen Bann. Den bislang musikalisch siegreichen Tenor forderte sie nochmal ordentlich heraus, ähnlich wie schon in Zürich konnte Siegfried nur noch wie ein Zwerg dem Felsen entgegenstaunen. Doch auch diese Herausforderung meisterte Herr Vogt mir Bravour, mit ihren allmächtig thronenden Stimmen zündeten beide nochmal emotional fulminanten Wagner-Turbo und saugte das Publikum in die Fluten ihrer Liebe!

Volle räumt auch als Wanderer ab
Michael Volles kraftvolle, runde Stimme stemmte auch den mit schwerem Schritt voranschreitenden Wanderer souverän und klar textverständlich in den Saal. Jede Silbe ließ er glasklar und unangefochten mächtig wie der Schlag seines donnernden Speers über Bühne und Orchester thronen. Sein allherrschend mächtiger Bariton hielt selbst gegen Siegfrieds furchtlos schwingenden Schwert stand, sein Speer allerdings nicht.

Olafur Sigurdarsons Alberich kämpfte mit röhrendem Bariton bis zum bitteren Ende um seine Chance auf den Ring. Den hat er zwar in der Handlung schon längst verloren, doch wollten sich auch seine dämonischen „Hahaha“ Rufe weder seinem gerade ermordeten Bruder noch dem stets schauenden Wanderer musikalisch unterwerfen. Sein nächster und letzter Versuch um die ruhmlose Macht wird nun Hagen heißen…

Wolfgang Ablinger-Sperrhacke trug auch die scherzhaft-ironische Seite des als böser, rothaariger Clown verkleideter Mime bestens über die Bühne, souverän sprang sein Charaktertenor durch die äußerst zwiespältige Rolle.

Einen besonders starken Abend hatte Francesca Aspromonte als Stimme des Waldvogels, federleicht und flockig klar flatterten ihre Melodien Siegfried entgegen. Einzig Christa Mayer stürzte sich mit leicht übereifrigem Vibrato in die Rolle der Erda, irgendwie schien sie mir das volle, umschwärmende Potential ihrer Rolle nicht gänzlich auszusingen. Unterm Strich lieferte sie trotzdem eine solide Leistung, das reicht.

Simone Young verzaubert das Waldweben
Zu den vielen Highlights des Abends zählte indessen die Orchesterleistung unter der Leitung von Simone Young. Die Chefin am Pult zeigte klar den Weg durch die Partitur, vor allem die sehr zahlreichen langsamen Stellen ließen die ganze Magie dieser Musik tief in die musikalische Seele strahlen. Im Waldweben saugten die schwebenden Hörner das Publikum in die Melodien dieser Musik, Siegfried ist eben nicht nur laut und viel mehr als nur Speere stechend! Ein paar sehr vereinzelte und mir unerklärliche Buh-Rufe wurden zurecht durch einen eifrigen Jubel überschattet.

Die Götterdämmerung kann nicht schnell genug kommen
Sehr differenziert aufgenommen wurde auch die äußerst gelungene Inszenierung von David McVicar. Man kann sich darüber streiten, ob Siegfried nun in der Musik wirklich so brutal dargestellt wird wie hier in der Anfangsszene, wo er seinen Ziehvater beinahe von einem Bär hätte auffressen lassen. Doch überzeugte diese klassische und aussagekräftige Inszenierung wie in den vorherigen Episoden auf ganzer Linie. Zwischen einer stets intakte Felsenlandschaft samt Schmiedhöhle und finsteren Waldbäumen schlüpften immer wieder clevere, die Handlung erklärende Einfälle herbei. Mit scharfem Messer stand Mime vor seinem Amboss, die tyrannischen Mordphantasien an Siegfried versteckte die Regie nicht im Libretto.

Mit einem sensationellen Siegfried setzt die Scala ihren triumphalen Ring-Zyklus fort. Leider muss die Mailänder Wagner-Community sich nun noch fast ein dreiviertel Jahr bis zur Götterdämmerung gedulden. Die Zeit ist eben ein sonderbar Ding.

Johannes Karl Fischer | 7. Juni 2025

Le Théâtre de La Scala de Milan poursuit le Ring de Wagner dans la nouvelle nouvelle production de David McVicar avec la direction musicale de Simone Young. La distribution de Siegfried réunit notamment Klaus Florian Vogt, Michael Volle, Camilla Nylund et Wolfgang Ablinger-Sperrhacke.

Après L’Or du Rhin et La Walkyrie plus tôt dans la saison, le Théâtre de La Scala de Milan donne Siegfried (Le Crépuscule des dieux et l’enchaînement du cycle complet seront respectivement prévus en février et mars prochain). En ce jour de première, une petite manifestation de soutien à la Palestine se tient devant le théâtre. Peut-être en écho à celle-ci un « cessate il fuoco » (cessez le feu) est projeté sur le rideau avant le prélude suivi d’une citation issue de Simon Boccanegra « E vo gridando pace ! E vo gridando amor ! » (qui pourrait se traduire par : Et je crie paix ! Et je crie amour !).

Tout en restant très proches du livret, les décors coconçus par Hannah Postlethwaite et David McVicar plongent l’action dans un univers sombre et minéral qui met d’autant mieux en valeur les couleurs comme le rougeoiement de la forge ou du feu magique ou encore les astres projetés au troisième acte. Le réalisme des accessoires renforce la lisibilité des actions, au premier acte en particulier (la fonte de l’épée, la préparation du somnifère, etc.). Comme dans La Walkyrie, les animaux (ici un cheval, un ours) apparaissent sous la forme d’humanoïdes, incarnés par des hommes torses nus avec un masque représentant la bête. Ils se meuvent sur scène sur des mouvements chorégraphiés par Gareth Mole et David Greeves.

Véritable défi pour les metteurs en scènes, le dragon apparaît ici sous la forme d’un squelette géant rampant, guidé par des figurants à l’aide de perches. Si l’idée d’un squelette humain permet de rappeler qu’il incarne Fafner (qui redevient ici un géant lors de son agonie), la lourdeur du dispositif et la maladresse du dragon engendre quelques ricanements dans la salle. L’oiseau est lui doublement représenté, à la fois par Francesca Aspromonte qui chante le rôle à vue (et non depuis la coulisse comme cela peut se voir parfois) ainsi que par une figurine portée.

Les projections de Katy Tucker et les lumières de David Finn contribuent tant à l’esthétique du plateau qu’à la génération et à l’évolution des ambiances. L’apport de couleurs est ainsi nuancé, de la brillance est amenée par petites touches, pour animer discrètement la toile représentant un dragon qui masque la scène pendant les préludes.

Le placement des personnages s’inscrit dans l’équilibre du plateau et renforce la lisibilité de leurs relations. Tout en conservant un réalisme contribuant à rendre l’action poignante (dans l’intensité des mouvements voire des cris), la direction d’acteur souligne le caractère mythologique du propos en conservant le caractère (stéréo-)typique de chaque personnage.

C’est ainsi que Klaus Florian Vogt incarne un Siegfried aux gestes spontanés et puissants, accentuant la virilité du héros vêtu d’une veste camouflage et d’un pantalon large cargo. Cette notion de puissance se retrouve aussi dans la netteté voire le tranchant du chant, téméraire dans l’affrontement du dragon ou méprisant en répondant à Mime. Aguerri au rôle, le ténor héroïque émet des aigus aussi vaillants et fermes que précis.

Le Mime de Wolfgang Ablinger-Sperrhacke est excentrique et agité. Avec ses yeux maquillés et son manteau au motif panthère qui recouvre sa grenouillère sale, il assume un certain côté queer qui en plus de son personnage de Nibelung (Nain) a peut-être vocation à interroger sur le mépris qu’il inspire aux autres personnages (avant même que sa perfidie ne soit dévoilée). Sa voix comme son jeu créent des reliefs qui soulignent les points culminants des émotions du personnage, dans sa panique comme dans sa vénalité machiavélique. Le ténor de caractère possède la pointe d’acidité dans le timbre qui rend les aigus corrosifs.

Michael Volle incarne l’autorité naturelle et paternelle de Wotan. Son ancrage tant vocal que postural confère la stabilité et l’aplomb nécessaire au rôle. La voix est puissante et ample. Elle forme des harmonies intenses avec l’orchestre dans les déploiements. Son assurance souligne d’autant mieux la rupture quand Siegfried brise sa lance.

Camilla Nylund révèle la pureté naïve du personnage de Brünnhilde. La voix allie la solidité et la maîtrise du souffle à un vibrato subtil et pertinent qui souligne notamment l’émerveillement devant le soleil qu’elle n’a pas vu depuis longtemps. Elle adopte ainsi un caractère contemplatif, tant devant les beautés de la nature que face à la découverte de l’amour. Les nuances de la mélodie ne se font pas au détriment de la projection qui fusionne sans effort visible avec la puissance de l’orchestre.

La détermination du nain Alberich à récupérer ses biens transparaît dans la voix d’Olafur Sigurdarson. Son énergie s’accroît encore sur sa poussée prémonitoire.

La profondeur des graves de la basse Ain Anger confère au Dragon son caractère surnaturel. Le rythme lent du phrasé souligne la portée de son texte dans son agonie.

Spécialiste du rôle, Christa Mayer souligne l’impuissance d’Erda à agir sur les évènements, mais justement avec sa voix large et grave qu’elle teinte d’un léger vacillement.

Italienne de la distribution, Francesca Aspromonte est un oiseau au timbre léger et d’autant plus chantant que l’articulation souligne la fluidité des vers. Coiffée d’une crête punk pouvant rappeler celle de certains volatiles, elle évoque aussi cet animal par ses mouvements, de tête en particulier.

À la tête de l’maison, Simone Young propose une interprétation alliant puissance et souplesse. L’équilibre entre les différents pupitres est finement réglé à chaque instant. La richesse orchestrale ressort ainsi tant de la générosité du son que par la subtilité de ses nuances et de ses effets. L’exécution des crescendi est cohésive et progressive jusqu’à leur paroxysme, renforçant leur impact. Les cuivres sont particulièrement remarquables dans le traitement des ambiances (la noirceur du tuba par exemple) comme dans la délimitation des ruptures (pour conclure le monologue de Mime pris d’effroi après sa rencontre avec Wotan notamment). A ce titre, le premier cor est invité à saluer à la fin du spectacle en même temps que les chanteurs.

Cette première se conclut par de francs applaudissements même si l’équipe de mise en scène essuie parmi eux quelques huées.

Julien Delhom | 10/06/2025