Friedemann Layer
Royal Danish Opera Chorus and Orchestra
December 2009
Royal Danish Opera Copenhagen
Recording Type
  live   studio
  live compilation   live and studio
Hermann Stephen Milling
Tannhäuser Stig Fogh Andersen
Wolfram von Eschenbach Tommi Hakala
Walther von der Vogelweide Peter Lodahl
Biterolf Kjeld Christoffersen
Heinrich der Schreiber Peter Arnoldsson
Reinmar von Zweter Jens Bruno Hansen
Elisabeth Tina Kiberg
Venus Susanne Resmark
Ein junger Hirt Ioannis Marinos
Stage director Kaspar Bech Holten
Set designer Mia Stensgard
TV director Uffe Bogrward
Financial Times

Good orgies are few and far between on the opera stage. The opening scenes of Wagner’s Tannhäuser, minutely described by the composer, require a portrayal of sensual excess that is excruciatingly hard to pull off in an age where the explicit has become everyday.

Kasper Holten, whose Ring for Copenhagen was one of the best of the past decade, tackles Wagner’s idea of erotic surfeit by side-stepping it completely. His Tannhäuser’s conflict is not between erotic fulfilment and social expectation. Instead, the hero wrestles with the tension between his creative inner life and the demands of a wife and family.

In Holten’s new Copenhagen production, Tannhäuser must choose between artistic genius and social responsibility. Venus exists only in his imagination. Her lure is the heady world of creative invention, a constant pull away from the conservative company of his saintly wife, Elisabeth.

Mia Stensgaard’s set cleverly transforms a grand 19th-century drawing-room into one of M.C. Escher’s hallucinatory lithographs, with increasingly disconcerting staircases reflecting Tannhäuser’s state of mind. Holten works his meticulous sleight-of-hand on his characters, telling his new story with admirable clarity. This new Tannhäuser is a detailed examination of a fundamental artistic conflict. Holten’s handiwork is unimpeachable, his images memorably wrought. Stig Andersen is compelling in the title role, giving a take-no-prisoners performance that shows some wear in the upper registers but more than makes up for it in dramatic conviction; Tina Kiberg is similarly committed as a fragile, overwrought Elisabeth, Susan Resmark makes a robust Venus, and Friedemann Layer chooses broad tempi and draws an old-world sound from an orchestra on good form.

This Tannhäuser stays at home with his notebooks while the other pilgrims go to Rome. The exonerating miracle of the Pope’s blossoming staff is transformed into the posthumous fame of his opus, with only Wolfram (Tommi Hakala) left to bemoan the pair’s private tragedy. The artist is dead, but his work lives on. In his determination to mould Wagner’s tale to his new interpretation, Holten leaves some open questions. The Wartburg guests’ horror at Tannhäuser’s song loses its plausibility, and the reasons for his consequent exclusion become opaque. If Venus is only a figment of his imagination, why all the fuss? The Royal Danish Theatre’s production is good enough to provoke vehement debate – in itself an achievement.

Shirley Apthorp

Mostly Opera

The Royal Danish Opera had the choice between releasing Konwitschny´s unforgettable production of Elektra and this present Tannhäuser on DVD. For reasons unbeknownst to me, they chose then opera intendant Kasper Holten´s production of Tannhäuser.

Admittedly, the production received rave reviews in the Danish press, which immediately puts me in the minority as I immensely disliked the production when seeing it in the theater. Also, I had trouble understanding it. Now, I am better prepared, having read bunches of review as well as the thoughts of the production team, which is still more interesting than actually watching the show, that is: The DVD.

Kasper Holten has creasted a Tannhäuser centered around the artists conflict of creation. It could be Richard Wagner, we see, but it is not necessarily so. This Tannhäuser is married to Elisabeth, has a child and is split between family and the process of creastion, personifized by Venus.
He struggles for recognition, but achieves this only after his own death, predeceded by the suicide of Elisabeth. “Zur erinnerung am Tannhäuser, der grossen poet und singer” we see at the end.
Much of Venus´ world is literally turned upside-down, to emphasize the contrast to Tannhäusers daily routines, and Venus lurks around, present in most scenes.

Kasper Holtens staging, clearly gains from being revisited on DVD and the unconventional closed-up filming in various angles added some (at times much-needed) dynamics to the piece.

Tina Kibergs voice has deteriorated significantly the past 10 years and is simply not pleasant to listen to anymore, though her committed acting makes somewhat (but not entirely) up for it. Susanne Resmark, a large woman one would not immediately associated with Venus, makes the most of what she got with a commanding stage presence and a willingness to expose herself competely if it serves the role. Many, who saw the Copenhagen Ring still remember her Siegfried-Erda, where she stripped down to a nightdress in a retirement home. Also as Venus, she is compelling and vocally strong.
Stephen Milling, in his second Landgraf-DVD is impressive, whereas Tommi Hakala, a Cardiff Singer of the World winner in 2003, is more anonymous.
And Stig Andersen himself, now 60 years old, generally ages well vocally, and makes a considerably better effort than most of his colleagues on the major stages.
Friedemann Layer, a favourite of the Royal Danish Orchestra, conducts lucidly and fluently.

Is it THE Tannhäuser to own? It could be, depending on preferences. The ultimately traditional Tannhäuser is the one from The Met, alternatively are David Alden´s Munich production or the newer Lehnhoff staging from Baden-Baden.

The bottom line (scale of 1-5, 3=average):

Stig Andersen: 4
Tina Kiberg: 2
Susanne Resmark: 3
Tommi Hakala: 3
Stephen Milling: 4

Kasper Holten: 3-4
Friedemann Layer: 4
Overall impression: 3-4


Perusing the list of cast members, conductor and stage director, the reader can see that this is a major production – and visually and aurally it comes across that way. In the second scene Robert Gambill as Tannhäuser and Waltraud Meier as Venus are thrilling. Meier’s Zieh hin, Wahnbetörter is delivered with passion and total conviction. Her voice is beautiful and powerful in the upper ranges, though she occasionally has a vaguely down-in-the-well thickness on certain low notes. But that last shortcoming is miniscule, and I almost feel guilty for mentioning it, because her performance overall is so compelling.

Gambill is consistently excellent throughout – his energy and commitment never flag. Camilla Nylund as Elizabeth is splendid as well, from her first appearance at the beginning of Act II (Dich, teure Halle, grüß’ ich wieder). Her high notes are especially thrilling, but she also sings well throughout her range. Other singers in the cast are nearly as good – Roman Trekel as Wolfram, Stephen Milling as the Landgraf, Tom Fox as Biterolf and Katherina Müller as Ein junger Hirt, to name some.

Young Philippe Jordan conducts with a fine sense for drama, with well chosen tempos and fine phrasing. The chorus, so essential in this opera, sings brilliantly throughout and the orchestra plays with spirit and accuracy.

But, you ask, what about the sets and costuming? Nikolaus Lehnhoff will, I suppose, always generate a level of controversy with his often mysterious-looking, rather barren sets and “modern” treatments. Here, there is a circular stairway in the center of the stage throughout all three acts. I guess, considering the subject matter of this opera – the meaning of life, good, evil, etc. – one could interpret it as a pathway to choice, to fate. Whatever. I think the production works – it’s colorful (try the opening of the Fourth Scene in Act II, The Entrance of the Guests), and it’s thought-provoking. True, some of the costuming in the opera looks a little ridiculous (the gold outfits of the six singers in Act II) and the use of a microphone when the Landgraf addresses the guests in Act II is a bit out of place (intentionally anachronistic?). Still, on the whole, this is a fine Tannhäuser: it would be hard to beat for its singing and orchestral playing, and if you find the production to your liking, it might well rank among the very best Tannhäusers ever issued. Recommended.

Robert Cummings


‘First the music and then the words’, so to speak. Using Wagner’s 1861 Paris version of the opera, Royal Danish Opera has produced a truly outstanding Tannhäuser and one that made the journey to Denmark during the worst weekend for travel this year wholly worthwhile. Musically this was one of the finest productions of this opera I have ever heard anywhere in which Friedemann Layer’s taut and sympathetic conducting revealed all of the score’s energy and lyricism in equal measures, while giving every element exactly its proper weight.

The singing too was wholly excellent, so good in fact that it is essentially impossible to find fault with this first night cast. Stig Fogh Andersen was in better voice than I can remember hearing him, inhabiting – there is no other word – his character with an empathy which revealed his abilities as an actor exceptionally strongly. Continuing her association with gods of the underworld (she was an Erde of exceptional warmth in the Copenhagen Ring) Susanne Resmark as Venus became an appropriately Mephistophelian character. Dressed in a man’s suit, she was a suitably menacing figure as Tannhäuser’s alter ego : giving him the excuse he needs in this production to live out the sides to his character repressed by the demands of conventional society. Ms Resmark also brought a new depth to the song contest, as she sat among the chorus and displayed a boredom which made Tannhäuser’s outburst much more convincing than is often the case. Tina Kiberg’s Elisabeth was particularly sensitively sung too. She was completely convincing as the hapless heroine confronted by her lover’s unaccountable behaviour.

Tommi Hakala as Wolfram von Eschenbach was also in fine voice and was immensely sympathetic as he pondered the virtues and drawbacks to being a genius like his hero Tannhäuser. Stephen Milling was as powerful and convincing as ever in the role of Hermann. Without exception, the minor roles were all well performed and the chorus surpassed every expectation. This must be one of the finest opera choruses anywhere in the world just now and a true credit to Chorus Master Philip White.

The production itself is more problematic and I must admit to some initial disappointment with it. Following Kasper Bech Holten’s major success with the Copenhagen Ring, surely one of the most insightful productions of recent times, I went with high hopes for this Tannhäuser – a work which needs careful consideration to reveal its profound, Faustian depths to a new public.

The key to Kasper Holten’s production however may lie in Mia Stensgaard’s sets which are beautifully constructed with almost architectural precision. Transforming themselves almost imperceptibly from the ordered neatness of Tannhäuser’s elaborate bourgeois mansion, they turn into something like one of MC Escher’s impossible distorted visions of the world of the imagination. A real man walking the right way up (head downwards) along a real mirror image staircase hanging high above the original one spells out the production’s “world turned upside down” message – just in case we hadn’t guessed that something very strange was happening in Tannhäuser’s mind. Similarly, the degeneration of Tannhäuser’s brightly lit room into a picture resembling Piranesi’s imaginary prisons seems to represent the prison-like darkness of his unconscious mind, as the influence of Venus on Tannhäuser takes hold. These visual effects are all extremely effective if more than slightly puzzling, at least at first. The point about much of Escher’s art though is that it depends on self-reference for its effects. The stream feeding the waterfall flows uphill in an endless loop and the hands continually draw one another. The result is paradox – something completely impossible seems to be happening but in each case what we see also remains curiously logical.

This puzzle is the core of Holten’s idea about Tannhäuser. All of the action takes place in both Wagner and Tannhäuser’s minds and is in fact nothing less than a representation of Wagner’s working out of his own intellectual and emotional problems. The Tannhäuser we meet in this production is engaged in writing a masterpiece epic and we see him first dressed exactly like Wagner himself complete with velvet beret. As he prepares to work at his desk in his richly appointed mansion, his alter ego Venus appears to him, urging his thoughts and fantasies onwards to greater and greater excesses. The chief tension in the unfolding epic is the conflict between the idea of something like courtly Love – represented by Elisabeth (to whom Tannhäuser is apparently already married) and their teenage son – which uneasily competes with Venus’s unbridled sexuality. In essence, Holten’s Tannhäuser is wholly identified with Wagner and their twin personalities are both writing an epic called Tannhäuser. Each of them is also apparently striving for some kind of redemptive integration between the various elements within their conjoined psyches.

The idea sounds persuasive on paper because Wagner, like most authors, was surely always writing about himself in some way, regardless of whether he was dealing with gods or men. There is nothing troublesome in Holten’s idea so far and similarly the notion that all of human reality is always primarily in our own heads is also hard to dispute: the apparently simple act of perception is clearly infinitely more complicated than it so often seems, as Escher has pointed out. The problem with the production though lies in the practical working out of these ideas on stage, some of which turn out to be more than a little confusing.

Presenting Tannhäuser’s life as a particularly vivid fantasy is something very hard to deliver within the context of a nineteenth century opera which is already speaking in essentially mediaeval language. Too much of the libretto has to be ignored or distorted to make the fantasy interpretation clear and that’s exactly where the problems with this production begin. As an example, the pilgrims returning from Rome are presented by a chorus wearing tuxedos. They stand in confrontation with the audience, holding out crosses which they wear rather like orders of chivalry, and they sing their ‘Hallelujahs’ with such aggression that it feels as if they are cursing everyone rather than praising the redemptive power of their god. Curious and also distracting.

Act 1 was particularly difficult as one tried, and failed at first, to figure out what was really going on. How (and when) did Tannhäuser and Elisabeth marry and have a son? Of course – it’s all in Tannhäuser’s mind. Why are the maids in his bourgeois home throwing buckets of water over themselves and ripping off their clothing? Aha! the Venusberg is all in Tannhäuser’s mind too and the servants are all dancers – they always undress while writhing around to suggest sexuality. What else would they do? QED.

In fact, by Act II I was more attuned to the whole thing and found the unexpected humour in it very refreshing, especially as the musical pace and the ensemble continued to be exceptional. Not only did Venus look more and more bored at watching Tannhäuser’s sycophantic goings-on but it was a moment of pure Gilbertian genius to have all the ladies present faint simultaneously on hearing Tannhäuser sing his entry for the song contest. Even so, watching Elisabeth die of a broken heart, after trying unsuccessfully to gain entry to the room in which Tannhäuser is still busily scribbling away at his ‘masterpiece’ felt like a metaphor too far and having the opera close with an unfurling banner displaying the words ‘In memory of Tannhäuser, Great Poet and Singer’ felt fairly unsatisfactory as an ending.

The upshot I suppose, is that Holten’s new vision needs more than one viewing since it does feel very cluttered at first sight. Reading Danish might have been useful too because the programme essay written by Holten himself might have provided more clarity but then that raises another issue for contemporary opera productions: can they be considered completely successful if they need written explanations to make them comprehensible?

Holten’s Ring certainly didn’t. That was perfectly self-explanatory and radical, while this Tannhäuser is radical but bewildering. There was some booing for the production team at the end although to be fair this was short lived and drowned out by prolonged and wildly enthusiastic cheering for the singers and conductor. The true test of course is whether or not I’d be keen to see the production again: and because of the sheer musicality of this production as well as a second chance to work out its intricacies, wild horses – or even a repeat of this week’s blizzards – wouldn’t stop me returning to Copenhagen, that’s for sure.

Bill Kenny – Copenhagen 20.12.2009


Creative Crux

Often video releases of opera productions are filmed during final dress rehearsals, without a live audience and may include spliced segments. Decca’s Tannhäuser DVD is a creditable spontaneous performance, similar to the experience the viewer would have during a good night at the theater.
In fact, this DVD is a splendid document of the Royal Danish Opera’s 2009-10 production, which utilized the 1861 Paris Version of the score, rather than the earlier, more austere Dresden version.
As the overture begins, Tannhäuser, tenor Stig Andersen, enters the living room of his upper-middle-class home, wearing a coat and beret, the type of clothing that Wagner wore. The character of Tannhäuser represents a forward-looking nineteenth-century creative genius, rather than a medieval minstrel.

State of Mind

Instead of the locales specified in Wagner’s libretto, director Kasper Holten sets the opera inside Tannhäuser’s mind, so that the work becomes a depiction of an artist’s struggles.
As the opera opens, Tannhäuser sits at his writing desk and Elisabeth, portrayed by soprano Tina Kiberg, appears on the top floor of the couple’s house, glides down the stairs and gathers up their son.
Tannhäuser’s surges of creative inspiration are played out within this single-unit home set, designed by Mia Stensgaard. Combined with the intriguing lighting concepts and designs of Åsa Frankenberg and Mikael Sylvest, this ‘home’ is the jumping off spot for Tannhäuser’s disparate musical-dramatic trips.
Most intriguing are the way the house’s staircases and landings are transformed, depending on where Tannhäuser’s imagination is roving.

Monstrous Staircases

These staircases and landings are represented literally during the Overture and in Act II. But in Venus’s bacchanale and in Act 3 the upper staircases on either side of the stage turn upside down and in reverse and are transformed by imaginative lighting technique into two gigantic monsters, face-to-face with open jowls, ready to devour each other or anyone on stage with their huge, long teeth (the banisters of the staircases).
Choregrapher Signe Fabricius transforms Tannhäuser’s house maids and servants into a crew of oral-fixated revelers for the Venusberg ballet. They consume flowers and fruit and use their tongues to clean floors and windows. At one point a servant actually walks upside down on the upper risers of the inverted staircase into the monster’s jowls.
Much of this performance was filmed in close-ups and it is obvious this production portrays Tannhäuser and Elisabeth as a middle-aged couple. Both Stig Andersen and Tina Kiberg provide moving, engaging and detailed interpretations of their roles that only great singing actors can provide.
Andersen’s evenly sung Tannhäuser was performed without any hint of vocal strain. The most unique part of his role, Act III’s Rome Narrative, is an unpretentious and aesthetically satisfying musical experience.
Kiberg’s warm tone and smooth legato singing are among the major attractions of this DVD. Although she sounded uncomfortable singing the high B in the climax of “Dich, teure Halle”, Kiberg remains one of the most elegant and moving artists who perform Wagner’s heroines.

Creamy Toned Venus

Venus, portrayed by Susanne Resmark, appears to represent Tannhäuser’s ego-centered creativity. She is dressed in the same costume Tannhäuser wears. She also appears in every act but appears to be bored. After all, she is immortal, so why should she be affected by human emotion?
Like Tannhäuser’s soul, Venus must separate and depart from the protagonist when he dies in the last act, so there is not much point in her getting involved in mundane activities
Resmark’s hushed delivery of the ‘Geliebter komm!’ in Act I, Scene 2 was the creamiest performance of this music I’ve heard. But this was the part of the performance wherein she displayed any discernible visual or vocal seductiveness.
Ioannis Marinos, who initially appears as Tannhäuser’s son, skillfully delivered the Shepherd’s plaintive song ‘Frau Holda kam’ at the beginning of Act I, Scene 3.
Stephen Milling’s Landgraf was a well-sung, light-toned but not very sympathetic Landgraf. His character was another manifestation of Tannhäuser’s imagination and he proved to be a surprisingly inhospitable host for the song contest.
Otherworldly Wolfram

Tommi Hakala, Wolfram von Eschenbach, was made up so that his face was deathly white. His colorless visage is set off by bright crimson lips and he appears to be yet another otherworldly representation of Tannhäuser’s imagination.
As Tannhäuser’s greatest admirer, Hakala’s Wolfram is not part of the society that castigates the protagonist. Hakala sang his paean to love, “Blick ich umher”, during the song contest in Act II with a hollow, ghostly tone.
Although Wolfram addresses Elisabeth directly, she does not seem to be aware of his presence during the last act. And Hakala’s haunting, detached rendition of “O du mein holder Abenstern” seems to be a tribute to the ultimate release that only death provides.
Expressive Chorus

The chorus of knights, nobles and pilgrims sang with enthusiasm and expressiveness particularly in their appearance as the pilgrims in the first and third acts. Dramatically, the chorus seems to represent a fickle, uninspired society informed by limited artistic expression.
They condemn Tannhäuser’s performance in Act II and destroy his compositions while he lives, yet celebrate him as a great poet and singer after he dies in the final act.
But as director Kasper Holten writes in the DVD liner notes: “When the artist dies, the miracle occurs. Now society can safely celebrate the artist’s work and canonize it …”

Jerold Diamond


Sans manifester l’obsession du cradingue d’un Martin Kusej, ce Tannhäuser monté par Kasper Holten partage avec d’autres récentes mises en scène wagnériennes un concept central : l’art, c’est sale, ou du moins salissant. Dans la production des Maîtres-chanteurs de Katharina Wagner (Bayreuth 2008), Walther, devenu peintre, barbouillait allègrement de peinture blanche tout ce qu’il croisait sur son chemin, jusqu’à la robe d’Eva. Dans le Tannhäuser de Robert Carsen vu à la Bastille, le héros devenait également peintre, et quelques dizaines de figurants-sosies prenaient pendant la Bacchanale une douche de peinture rouge, en proie au délire de l’inspiration. A Copenhague, Tannhäuser est un écrivain qui, pris d’une frénésie de gribouillage, se met à griffonner sur tout ce qu’il voit, de préférence sur le corps des femmes.

Tout commence dans un intérieur bourgeois Belle Epoque où le héros, habillé comme Wagner sur ses plus célèbres portraits, goûte le délicieux ennui d’un bonheur conjugal avec sa légitime et leur fiston, qui le condamne à l’impuissance créatrice. Tout à coup surgit Vénus, son double femelle aux cheveux rouges, et l’inspiration arrive avec elle, cependant que la maisonnée bascule dans le délire, les domestiques se déshabillent et se balancent des seaux d’eau à la tête… Elizabeth, la bonne épouse, croit reprendre la situation en main en privant son mari du crayon qu’il laissait courir sur le papier, mais Tannhäuser le lui reprend bien vite pour se mettre à écrire partout, sur le front de Madame, sur les jambes des servantes, sur le décor où les escaliers se sont mis à proliférer, avec même certains où l’on marche la tête en bas, comme dans les magnifiques Noces de Figaro de Claus Guth à Salzbourg.

Ce qui, pour un public américain, serait le comble de l’Eurotrash, ressemble fort à du recyclage d’idées branchées vues ailleurs. Cette mise en scène a surtout le défaut de brider les interprètes, pris dans le carcan d’un concept contraignant. Vénus narquoise, à la colère froide, Susanne Resmark possède une voix ample mais n’a guère l’occasion d’exprimer la volupté : plus Nicklausse que déesse, plus muse que séductrice, elle n’entretient avec son Geliebter qu’une relation intellectuelle. L’Elisabeth de Tina Kiberg est une rombière crispée, dénuée d’enthousiasme (un « Dich teure Halle » sans frémissement), qui glapit de vilains aigus en savonnant le moindre ornement dans le duo. Elle est la duchesse de Guermantes du pince-fesse proustien qu’organise au deuxième acte la jeune basse Stephen Milling, Landgrave en difficulté dans les extrêmes de la tessiture. Tommi Hakala prête à Wolfram son physique de jeune premier romantique et un joli baryton clair, un peu léger pour le rôle. Stig Andersen, enfin, est un solide ténor wagnérien, mais dont les plus belles heures appartiennent au passé (Il fera en septembre ses débuts à l’opéra de Paris dans LE rôle des ténors à bout de voix : Hérode de Salomé). Il compose un Tannhäuser bonhomme et fatiguée, un brave bourgeois pris par une débauche bien abstraite.

Avec sa direction pleine de retenue, sinon de lenteur, Friedemann Layer se met lui aussi au diapason de cette mise en scène, pour une version « protestante », sans aspérités, sans véhémences, plus proche de la Laponie que de la Bavière. Allez, un Krisproll à la cardamome, et au lit.

Laurent Bury


La production de Tannhäuser représentée en décembre 2009 à Copenhague est un témoignage abouti et très original du metteur en scène Kasper Holten. Decca publie en DVD ce spectacle étonnant avec Stig Andersen dans le rôle-titre, accompagné par Tina Kiberg et Susanne Resmark, respectivement Elisabeth et Vénus. L’orchestre Royal Danois est dirigé par Friedemann Layer.

L’amateur d’opéra wagnérien se souvient sans doute du très étonnant Ring de Copenhague du même Kasper Holten sorti chez Decca en 2006. Le metteur en scène danois s’y montrait déjà d’une audace ni gratuite ni provocatrice, lot malheureux de bien des productions qui cherchent à se démarquer de la routine, mais proposait une réinterprétation en profondeur du livret mythologique wagnérien.

Monter un opéra de Wagner constitue en effet un des plus grands défis possibles. Pris dans un étau entre l’histoire et le mythe, le metteur en scène se trouve confronté à des ouvertures possibles particulièrement étroites. Parfois, il s’agira de suivre à la lettre les didascalies du livret et de jouer la carte de “l’authentique”. Armures et accessoires conventionnels feront alors leur apparition sur scène pour la joie du public le plus conformiste. Ou bien, la tentation d’extrapoler verra exploser ce cadre trop contraignant pour aboutir soit à des réussites visuellement gratifiantes (par exemple le Ring de Barcelone testé par Tutti-magazine lors de sa sortie), abstraites, voire absconses – celle de Wieland Wagner… – ou totalement ratées. Par miracle, une troisième voie existe et se trouve empruntée de temps à autre. C’est celle que suit Kasper Holten avec son Ring danois. Différents éléments caractérisent son travail.

En premier lieu, Kasper Holten s’attache à un réalisme décoratif très poussé : objets, vêtements, coiffures sont conformes à une époque et assoient le spectateur dans un confort visuel captant toute son attention dès le lever du rideau. L’identification claire du milieu social dans lequel évoluent les chanteurs ainsi qu’un solide cadre chronologique rassurent et poussent à un sentiment a priori favorable.
Puis, comme pour jouer avec ces impressions presque trop confortables, le metteur en scène déstabilise le spectateur en insufflant à l’action censée se dérouler traditionnellement une complète et complexe métamorphose. Ainsi, sans toucher un mot du livret – ce qui ne sera pas sans poser quelques problèmes mineurs de correspondance entre un fait et sa solution visuelle – c’est la dramaturgie wagnérienne qui va se trouver remise en cause. Avec son Ring, Kasper Holten avait fait très fort en transformant le monde des dieux en monde des hommes et en relatant l’histoire d’une chronique familiale allant des années 1920 aux années 1970. Son travail consistait de fait à donner un sens tout différent mais étonnamment juste à ces livrets complexes et souvent boursouflés, trahissant l’état d’esprit et le style d’une époque qui n’est plus la nôtre. De même, dans ce Tannhäuser enregistré en 2009, la réussite est totale, et nous dévoilerons ici quelques pistes d’une lecture toute personnelle.

Souvenons-nous que Wagner était un écrivain et un théoricien prolixe et engagé, si ce n’est autant qu’un musicien. De son abondante œuvre en prose, hormis l’écriture de ses propres livrets, il ressort qu’un de ses objectifs était de renouveler l’opéra pour en faire un drame complet dans lequel paroles et musique se voyaient entièrement imbriquées. La lutte incessante qu’il mena durant des décennies et qui vit sa concrétisation dans la réalisation de l’œuvre d’art totale – la Tétralogie – incarnée dans la pierre de son opéra de Bayreuth, est aussi celle de ses héros contre les conventions sociales. Telles apparaissent en vérité les figures historiques mythologiques de Rienzi, du Hollandais, de Lohengrin et de Tannhäuser, pour se limiter aux premières créations. Ces hors-la-loi opératiques figurent le compositeur lui-même, et cette présence entre les lignes de l’ouvrage wagnérien, Kasper Holten l’a très bien perçue.
Son Tannhäuser, évidemment Wagner en personne, est immédiatement identifiable dès l’Ouverture, avec son collier de barbe et sa coiffe traditionnelle. D’ailleurs, ce qu’exprime le plus Stig Andersen après le chant, c’est l’écriture ! Véritable obsession dévorante, absolue possession, Tannhäuser rédige son chef-d’œuvre. Grâce à une longue ouverture musicale, Holten scénarise et synthétise ses idées avec une audace pertinente. La folie et la passion s’incarnent en des réalisations originales mêlant réalisme et onirisme. Le décor composé d’escaliers et de portes, par moments réversibles, nous plonge dans le logis familial de Tannhäuser mais également dans son monde intérieur, la pièce symbolisant son espace mental. Elle variera – dans les détails seulement – en fonction de l’évolution du personnage. Ce décor unique aux couleurs sombres est parfois éclairé d’un faisceau lumineux descendant qui apparaît à des moments clés de l’action. Seule la robe rouge vif d’Elisabeth, l’épouse de Tannhauser, tranche sur le monde solitaire et onirique du créateur.

Sur le plan de la scénographie, Kasper Holten nous représente un poète aux prises avec son démon de la création, subordonné à l’impulsion tentatrice de Vénus, la muse qui le harcèle et interviendra aux moments cruciaux de la rédaction du chef-d’œuvre. Très étonnamment représentée en matrone aussi peu attirante que possible, elle incarne l’antithèse parfaite de tous les désirs et représente une allégorie mentale visible du seul poète. Elle poussera Tannhäuser à détruire son chef-d’œuvre, unique solution pour se libérer d’elle (fin Acte I). Tannhäuser/Wagner n’existe que pour son art et doit faire face aux conventions pour le mener à bien. La superbe mise en scène de l’Acte II nous le fait bien comprendre.
On ne révélera pas ici le subterfuge utilisé par le metteur en scène, résumant toute sa conception de l’œuvre, qui intervient en toute fin de la représentation. Il permet de comprendre l’ensemble de cette réinterprétation originale qui, pour peu qu’on y adhère, rendra caduque et terre à terre toute version traditionnelle de cet opéra.

Côté distribution, rien ne permet malheureusement de tenir ce Tannhäuser pour exceptionnel, même si la distribution se montre juste quant au point de vue dramatique. On retrouve une partie des chanteurs du Ring de 2006 avec quelques années de plus, ce qui n’est pas à leur avantage. Ainsi, Stig Andersen accuse le temps par une usure et une pénibilité affirmée pour un rôle très lourd et use d’un vibrato constant et de passages en force. La voix de Susanne Resmark se montre neutre et pauvre en couleurs, aussi peu attirante, physiquement – voir plus haut – que vocalement. Paradoxe voulu pour cette Vénus ? On retrouvera en revanche avec plaisir Stephen Milling en Hermann, basse imposante tant par l’apparence que la voix. L’autre rôle féminin, l’Elisabeth de Tina Kiberg, assure une réelle puissance mais au prix d’efforts apparents. Là encore, le physique de la chanteuse n’est pas fait pour empêcher son poète de mari d’aller voir ce qui se passe ailleurs. Il est presque permis de voir en elle une correspondance de silhouette avec Cosima, la seconde épouse de Wagner. Simple coïncidence encore ?
Le Wolfram de Tommi Hakala est quant à lui juste honnête quoique meilleur et plus émouvant sur la fin.
Seuls le Royal Danish Orchestra, rompu à la virtuosité de la Tétralogie, et les chœurs comblent musicalement nos attentes. Le chef Friedemann Layer allège au possible la partition, sans doute conscient des limites vocales de ses chanteurs.

Les niveaux de lectures peuvent sans doute être encore approfondis dans ce Tannhäuser. Selon les propres dires du metteur en scène, l’essentiel n’est pas de tout comprendre à la proposition théâtrale. Mais, globalement, ce Tannhäuser se présente comme une belle réflexion sur la création artistique, ses tenants et ses aboutissants, dont la musique n’est ici que l’instrument destiné à porter le message.

À noter : Tannäuser est réparti sur 2 disques. le DVD 1 contient l’Acte I, et le DVD 2, les Actes II et III.

Nicolas Mesnier-Nature


Après un Ring largement diffusé, Decca continue de faire confiance aux productions wagnériennes de l’Opéra royal danois et de Kasper Holten, un metteur en scène que l’on connaît également pour ses lectures straussiennes (lire les chroniques de La Femme sans ombre et du Chevalier à la rose). La parution de ce Tannhäuser filmé fin 2009 à Copenhague se présente comme une approche efficace d’un chef-d’œuvre à la genèse complexe et à la représentation délicate. Kasper Holten arrête un «synopsis subjectif» aux termes duquel «la pièce est en fait l’esprit de Tannhäuser» et où «l’espace change suivant la transformation de son monde intérieur». En phase avec l’analyse de David Trippett dans la notice, la mise en scène considère «le thème de la madone et de la putain [comme] une critique de l’orthodoxie socio-catholique: le Venusberg, qui soutient les arts (le monde esthétique qui s’oppose aux codes contraignants de la Thuringe aristocratique), conduit à la disgrâce sociale, au bannissement et finalement à la damnation à travers la sensualité immorale […]. La rédemption (c’est-à-dire la liberté artistique) est expressément refusée à Tannhäuser par l’autorité pontificale […] et la déclaration plus générale de Wagner sur l’art à l’époque [de] la défaite de Napoléon est sombre: l’artiste peut stagner – insatisfait par l’assouvissement des sens – en dehors de la civilisation normative; il peut résider dans l’ordre du monde, en s’y soumettant au prix de son intégrité créatrice; ou il peut vivre en exclu en marge de la société». Pour en rendre compte, Kasper Holten fait le choix du décor unique, situant l’action dans une grande demeure où s’entremêlent les escaliers de la conscience bourgeoise, et insiste tout autant sur l’artiste que sur le père de famille, Tannhäuser demeurant au centre de toute la représentation. Celle-ci paraît se dérouler autant dans l’imagination d’un protagoniste en mal d’évasion et d’inspiration que dans la réalité d’un adultère et d’une autodestruction.

On regrette donc qu’une réalisation technique – décevante sinon ratée – nous prive d’apprécier l’efficacité – simple mais crédible – de ce théâtre en escaliers. Abusant des gros plans, l’image déroute – à commencer par des caméras latérales vraiment trop proches des chanteurs (filmés par Uffe Borgwardt). Brute de décoffrage, sans finesse ni velours, la prise de son ne parvient pas à dominer les aléas du direct, échouant à gommer les bruits du public, les distorsions de résonnance dans la salle tout comme le manque d’homogénéité de la projection vocale lors les déplacements sur scène. Tout cela empêche notamment de juger équitablement d’un orchestre lointain – qui semble «faire le job» sans s’impliquer outre-mesure, aux cordes trop timides pour Wagner et à la justesse pas tout à fait impeccable – et d’une direction routinière (Friedemann Layer) et insuffisamment attentive à la précision des attaques ainsi qu’à la coordination avec le plateau.

La distribution est solide sans être marquante, à l’image d’un Stephen Milling efficace – bien que plus Fafner que Landgrave – ou d’un Tommi Hakala à la technique assurée mais dont l’interprétation virile et sobre (à son meilleur au dernier acte) est par trop appliquée pour parvenir à émouvoir dans Wolfram – par-delà un grain de voix sans beauté particulière. De même, le Tannhäuser de Stig Andersen est celui d’un acteur convaincant comme d’un chanteur aux grandes qualités de justesse, à la voix puissante et solide, mais qui manque d’assise – la fatigue amplifiant certains défauts (vibrato étranglé, aigus parfois poussifs voire beuglards). Du côté des interprètes féminines, on apprécie davantage la Vénus de Susanne Resmark – sans charisme mais à l’instrument idéal pour le rôle (une belle technique, des aigus perçants et vénéneux malgré quelques soucis de justesse et une intonation nasale) – que l’Elisabeth digne mais anonyme – à la voix sans charme ni nuances – de Tina Kiberg, dans un rôle où l’on attend une émotion, une fragilité et une finesse bien supérieures.

Gilles d’Heyres


Monsieur Tannhäuser, écrivain et chanteur de renom, est confortablement installé dans un bel appartement qu’il occupe avec son épouse Elisabeth, son jeune fils – le pâtre du premier acte… – et une nombreuse domesticité. Il est vêtu et maquillé à la Richard Wagner, et la nuit, quand il écrit, il trouve son inspiration dans diverses formes d’intoxication plus ou moins fantasmées : sexe, drogue, alcool. Son imagination fébrile l’emmène dans un monde dionysiaque bien à lui qu’il partage néanmoins avec Vénus, sa muse et inspiratrice, ainsi qu’avec les domestiques de son joli intérieur, transformés au cours de l’orgie en de sulfureuses bacchantes. Le poète les parcourt de sa plume débridée, de même qu’il écrit sur les meubles et les murs de sa maison… Mais les périodes d’intense création artistique lui font vite regretter le confort bourgeois qu’il trouve auprès de son fils, de sa vertueuse épouse et de son réseau social, présenté de façon pour le moins caricaturale. Certaines de ses connaissances s’endorment au deuxième acte pendant le discours du landgrave de Thuringe…

Admettons ! La problématique centrale de l’ouvrage est respectée, mais comme souvent dans les mises en scène censées « dépoussiérer » le répertoire, la métaphore se heurte vite à ses propres limites, et la transposition crée davantage d’incohérences qu’elle n’éclaire ou ne « modernise » un livret suffisamment explicite tel quel pour nécessiter ce type de placage interprétatif. On ne comprendra pas, dans cette lecture essentiellement réduite au trio Tannhäuser/Elisabeth/Vénus, quel est le véritable rôle joué par Wolfram, et encore moins quelle est la fonction de Hermann et des autres Minnesänger. On se saura pas plus ce que vient faire dans tout cela le pèlerinage à Rome – que Tannhäuser, d’ailleurs, ne fait pas… – ou encore la sentence du Pape. Mais on imagine que cela n’a que peu d’importance…

Quoi qu’il en soit, on n’en apprécie pas moins une fort habile direction d’acteurs, une caméra mobile et intelligente qui fait bon usage – pour une fois ! – des gros plans, ainsi que l’esthétisation d’un savant décor, rehaussé par de très beaux éclairages. On pourra certes contester certains aspects de la relecture, mais on ne pourra nier que Kasper Holten a du métier et même un certain talent, comme l’a d’ailleurs déjà montré sa récente production danoise du Ring, également disponible en DVD chez Decca.

Sur le plan musical, le plateau est d’un niveau plutôt moyen, même si les différents protagonistes semblent avoir la voix du rôle ; dans un ouvrage de Wagner, cela n’est déjà pas mal. Stig Andersen est ainsi un Heldentenor à la voix quelque peu usée, mais son exceptionnel engagement dramatique compense largement ses relatives faiblesses vocales. De même, le vibrato de Tina Kiberg est peut-être intempestif pour la blonde et digne Elisabeth, mais l’actrice reste extrêmement émouvante de bout en bout. La voix la plus solide du plateau est sans doute celle de Susanne Resmark, terrifiante sinon voluptueuse Vénus. En Wolfram von Eschenbach, Tommi Hakala manque singulièrement de legato et de musicalité.

On a entendu des directions moins routinières que celle de Friedemann Layer, mais globalement, l’orchestre et les chœurs de l’Opéra Royal Danois, ainsi que les nombreux rôles secondaires, font preuve de compétence et de savoir-faire.

En somme, une production intéressante, qui sans doute agacera beaucoup d’auditeurs mais qui n’en a pas moins le mérite de chercher à décaper le grand répertoire wagnérien. Reste à savoir si ce dernier en a véritablement besoin.

Pierre Degott

Spiegel Online

Der Papst muss draußen bleiben

Richard Wagners Künstleroper “Tannhäuser” hatte gerade Bayreuth-Premiere. Auf DVD ist eine ältere Version erhältlich: Kasper Holtens radikale Lesart deutete den Sänger 2009 als egozentrisches Genie – mehr als ein Ersatz für alle, die keine Bayreuth-Karte haben.

Es ist alles in deinem Kopf! Was die alten Hippies wussten, lebt auch dieser dänische “Tannhäuser” vor: Die Welt ist, was du aus ihr machst! Der Künstler stellt seine Regeln auf, für ihn ist Kunst die Religion. Entsprechend gibt’s weder Venusberg noch Wartburg und Ritterschar, stattdessen bigotte Bürger und strenge Umgangsformen, gesellschaftliche Verpflichtungen und enge Räume. Eine kaufmännisch gedachte Sparversion sozusagen, aber eben nur äußerlich und der inneren Logik verpflichtet. Die Buddenbrooks im Wagner-Sound.

Richard Wagners Sänger-/Songschreiber-Oper erfuhr in der radikalen Regie des Dänen Kasper Holten 2009 eine spannende Neudeutung, die in ihrer schlichten Schlüssigkeit überwältigte. Die Aufführung der Kopenhagener Oper gibt es jetzt auf DVD, und wer die ebenfalls von Holten inszenierte und preisgekrönte “Ring des Nibelungen”-Tetralogie in ihrer Kopenhagen-Version von 2006 kennt (gibt’s ebenfalls auf DVD), wird viele Ideen und Motive wiedererkennen. Auch Wagners Weltendrama packte Holten in ein bürgerliches Ambiente des aufkeimenden Industriezeitalters, was allein noch kein revolutionärer Einfall ist. Holten jedoch würzte seine Sicht von Wotans Wahn mit so viel satirischem Witz und überdrehter, erhellender Persiflage aufs abgründig biedere Bürgertum, dass man sich eher in einem Dogma-Film wähnte als in einer wohlfeilen Wagner-Regietheater-Verwurstung.

Dieser selbstbewusste und selbstverliebte “Tannhäuser” lächelt überlegen, schreibt und liest ohn’ Unterlass und nimmt seine Umwelt wie durch einen Schleier kreativen Schaffensrauschs wahr: Was sind schon die anderen, ich bin der Star! Und in meinem Kopf lebt die Welt.

Kraft und Klarheit

Da werden im Haus angestellte Mädels zu den lasziven Venusberg-Najaden, die im Putzwasser baden. Die vermeintliche Venus ist eine intellektuelle Muse, die ihren Dichter zu Grenzen sprengenden Werken anstachelt, mit denen man die bürgerlichen Pfeffersäcke und ihre steifen Gattinnen natürlich nur schockieren kann. Die Künstlerkollegen aus der Bourgeoisie? Feige Mitläufer, allen voran der blutleere Wolfram von Eschenbach, dem Tannhäuser nur höhnisch ins Gesicht grinsen kann. Die tapfere und treue Elisabeth, die ihren Dichter-Berserker immer verstehen und verteidigen will, zerschellt an dem Gebirge seiner Gedanken und Ideen. Was schließlich sogar den Ichmenschen Tannhäuser rührt und zerstört. Hier, am Schluss, treffen sich klassische und Holtensche Lesart. Die posthume päpstliche Erlösung, dem Libretto geschuldet, erfüllt sich in Gestalt von Gedenktafel und Nachruhm für den dichtenden Revolutionär.

Holten verzichtet darauf, die Handlung in eine grelle Gegenwart zu verlegen, was sicher leicht gewesen wäre. Er zielt mit seinem “Tannhäuser” auf eine allgemeingültige Zeitlosigkeit und installiert eine bürgerliche Welt, die Stereotypen benutzt, sie aber wie schon bei seinem “Ring” satirisch überspitzt und zerbröselt.
Das Ensemble der Royal Danish Opera bietet eine solide, in Teilen brillante Leistung. Stig Anderson gibt einen volltönenden, geschmeidigen Tannhäuser mit zuverlässiger Artikulation, seine Elisabeth (Tina Kiberg) passt in ihrer stimmlichen Klarheit und Kraft wunderbar zu ihm. Die Venus von Susanne Resmark brilliert ebenfalls eher mit Kraft als mit subtilem Charme, was dem Rollenbild hier aber durchaus entspricht.

Tommi Hakalas etwas spröder und auch im Wortsinne blässlicher Wolfram bleibt daher Randfigur, vom verächtlich grinsenden Tannhäuser beiseite geschoben. Glänzend der Pilgerchor mit erhobenen Zeigefingern und selbstgerechtem Griff ans Silberkreuz am Hals: ein schlichtes, großes Bild, gesungen mit kammermusikalischer Klarheit und Subtilität. Solche Überzeugungskraft besitzt auch die Bildregie, die – es sollte eigentlich eine Selbstverständlichkeit sein – mit logischen, sicheren Schnitten die Handlung dramaturgisch unterstützt. Friedemann Layers Dirigat und sein lupenreiner, schlanker Orchesterklang sind ohne Tadel – er unterstützt die subtile, ironische Regie durch Verzicht auf pathetische Überdehnungen.

Werner Theurich

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