The Ring returns to the Rhine

More than one year after Das Rheingold, the new Ring at La Scala has reached Götterdämmerung, which stands not merely as the final instalment of Richard Wagner’s tetralogy, but as its moment of ultimate reckoning, where myth, music, and moral collapse converge.

Conductor Alexander Soddy approached Götterdämmerung – monumental in orchestral scope yet often devastatingly intimate – with a pragmatic understanding, giving voice to its epic poetry while avoiding empty monumentality, and to its lyrical affect without ever becoming coy. His dynamic palette was immense, shaping an interpretation rich in nuance and sustained by relentless dramatic tension. The La Scala orchestra followed him in a memorable performance, perhaps slightly subdued in the opening part, but igniting with passion and a rich, overwhelming sound from the double wedding ceremony onward. Soddy’s Götterdämmerung was both culmination and catastrophe—a final blaze in which the Ring’s long-simmering tensions are consumed, leaving behind questions that resonate well beyond the last bars of the Immolation Scene.

Sir David McVicar’s production continues in the same style as the first three operas: he let the music tell the story. Hannah Postlethwaite’s set designs create a fantastical, gloomy aura, with towering, colossal structures and a dark-blue palette; Emma Kingsbury’s costumes of the magical and godly beings embrace a steampunk aesthetic that proves strangely fitting for the saga. The world of the Gibichungs is depicted as a primitive culture, its warriors wearing helmets with animal horns, yet also rich and prosperous, as demonstrated by the lavish, garish gold costumes.

Camilla Nylund delivered a brilliant performance as the tour de force that is Brünnhilde’s role in this opera. She paced herself carefully, perhaps holding back at the beginning, the love duet with Klaus Florian Vogt’s Siegfried more lyrical and tender than overwhelmingly passionate, her high notes ringing with silver. But when Brünnhilde arrived at the Gibichungs’ hall like a spoil of war – violated, betrayed – Nylund’s voice became a weapon, her high notes filled with steel, her thirst for vengeance pulling the Valkyrie out of the tender woman in love. The determination and coldness her voice conveyed while planning Siegfried’s death were masterfully projected. The deepening and strengthening of her timbre and emission in the finale truly traced the arc of her character: after losing the knowledge inherited from her godlike status, she acquires a new kind of wisdom; human wisdom, born of tremendous loss. One could hear in Nylund’s voice the inevitability of the end of that world, as power returns to Nature and the Ring goes back to the Rhine.

Vogt, with his luminous, pale-hued tenor, convincingly brought to life an instinctive, not particularly bright young man, whose honesty stems from an almost naïve inability to imagine malice or deception. His interpretation, marked by uncompromising brashness and a youthful, beautiful timbre, offered insight into one of the most obscure points of the plot: why Siegfried places his trust in the Gibichungs, whom he has never met and about whom he knows nothing.

In contrast to Brünnhilde, Siegfried never truly understands what is happening. He has no idea that the world is unravelling, nor of the crucial role he plays in these events. Vogt’s voice took on a beautifully lyrical tone in the moment of his final recollection of his love for Brünnhilde, a genuinely heart-wrenching passage. Siegfried falls alone on the empty stage, unaware of the cosmic significance of his death. The orchestra told us everything, in a spectacular and imposing rendition of the Funeral March.

In the plot, before Brünnhilde’s abduction, her sister Waltraute – still a Valkyrie in Wotan’s palace – comes to warn her of the impending end of the world for gods and humans alike. The legendary Nina Stemme, the Brünnhilde of her generation, sang this role with a still splendid, full-bodied soprano; her authority and charisma (and magnificently placed high notes) left a deep impression despite the brevity of the part. The audience greeted her at the curtain call with a warm and affectionate ovation.

Gunther was sung by Russell Braun, his tenor bright and pleasant, if perhaps lacking some projection, well suited to the portrayal of the slimy, cowardly head of the Gibichungs. His murderous half-brother Hagen, son of the Nibelung Alberich, was Günther Groissböck, who displayed formidable stage presence and a booming bass, though not always refined, and only occasionally a touch flat in the attack of his upper notes. Gutrune, Gunther’s sister, was the lovely Olga Bezsmertna, whose soprano rang freely and securely, supported by impeccable technique. She also sang the Third Norn, and in both roles her beautiful timbre animated the ensembles.

The La Scala chorus delivered its customary masterclass in precision and dramatic engagement in their interventions as the Gibichung warriors. The evening – aside from the customary boos from the loggione directed at the production – was a tremendous success.

Laura Servidei | 02 Februar 2026

Ever since David McVicar’s staging of Das Rheingold, I’ve been hooked on La Scala’s Ring. Living in North America, three more trips were organized to ensure I’d see the Scotsman’s three subsequent installments. Of all Ring cycles I’ve experienced, this one is the most visually appealing, and with the finest cast. McVicar is reputedly a conventional choice compared to more adventurous directors, but his work is inevitably visually appealing, straightforward and without clutter. This suits the majority of opera goers, who’ve recently endured a global-warming-inspired Parsifal, an octopus Rusalka, Salome set in a brothel, Lohengrin’s Elsa as a moth, and La bohème blasted into outer space.

Adventure films in exotic locations – think Indiana Jones – seem to have been McVicar’s inspiration here. A high degree of novelty marked this production: native tribal imagery and sets and costumes informed by Africa, Asia and South America were favoured. This is in keeping with today’s less Eurocentric worldview, even for the Norse-mythology-inspired Der Ring des Nibelungen. It’s a legitimate viewpoint that all fairy tale traditions are interrelated. Renewed visuals inspired by various cultures are welcome.

In Das Rheingold, the Rhine maidens, richly‑clothed and sporting stylized haircuts evocative of Audrey Beardsley (1872‑1898) and Arthur Rackham (1867‑1939), swam amid three huge severed hands. In a homoerotic representation, a semi‑nude male dancer symbolized the Rhine‑maidens’ guarded gold. The same imagery was used in Act III of the present performance.

Likewise, dancer-acrobats, dressed as Buddhist monks, acted as servants to giants Fasolt and Fafner, moving the gold exacted from Wotan. These “monks” appeared again to perform funeral rites and to grieve with Brünnhilde during her Immolation scene. Masks figured heavily in McVicar’s Das Rheingold. When Fasolt and Fafner took Freia away, they removed the gods’ masks, possibly a metaphor for power. These masks make up part of Götterdämmerung’s Gibichung Hall, where they’re placed atop totem poles, a clin d’œil to the First Nations of the Pacific Northwest. While this made for a striking image, it made little sense, as totem poles relate to ancestry and the Gibich race are not descendents of the gods of Walhalla.

In Das Rheingold, Nibelheim’s gate was a huge golden head, reminiscent of Skull Island in the King Kong film, The House on Skull Mountain (1974) and other horror films. The same skull served as the gate to Gibichung Hall, which may indicate that the Gibich race took over Walhalla, an absurd idea. Nonetheless, the visuals were truly striking.

In the same multi-national spirit, the inhabitants of Gibichung Hall sported a mix of Norse and East Indian garb. Some warriors wore Viking headgear, while others wore extravagant masks of Bengali inspiration. The women wore a mix of mediaeval European dresses and headgear reminiscent of Guinevere, Isolde and Mélisande as well as appealing Indian dresses of Mughal inspiration. Most of them wore elaborate but also oppressive golden masks, hinting at a brutally male‑dominated society that crushes women. In Act II, the warriors performed beautifully choreographed (Gareth Mole), elaborate acrobatics and ceremonial dances evocative of the impressive Maori haka. For some, this mixing of folkloric cultures seemed patronizing, but I beg to differ; it merely points to the universality of “myth.”

Though Siegfried in Götterdämmerung is more complex than in Siegfried, Klaus Florian Vogt equally excelled here. It was a delight to hear a fresh lyrical voice able to confront this dramatic tenor role effortlessly, even at the end of the opera. Vogt’s technique is indeed superlative. As in Siegfried, he was able to project easily enough to reach seats in the heavens without forcing. His German elocution was impeccable, with every word understood and imparted with the appropriate emotion. Most impressive was his morphing into Gunther in Act II, after having used the Tarnhelm to cross the sacred fire surrounding Brünnhilde so that he may claim her for Gunther. He looked like a terrifying ghoul with his face covered by the Tarnhelm. For those who may have forgotten, this cowardly act was under the effect of a philtre that made him forget. Vogt transformed his manner (but not his voice) to resemble Gunther. Given Vogt’s light timbre, making his voice baritonal would have been a challenge.

Finland’s Camilla Nylund is an appealing dramatic soprano endowed with a powerful and incisive voice. With extreme ease in her upper register, impeccable diction and powerful stage presence, few Brünnhildes have been as imposing. Admired this summer as Isolde in Tristan und Isolde in Bayreuth, and last season as Chrysothemis in Elektra in Berlin, she equally impressed as Brünnhilde in La Scala’s Die Walküre and Siegfried. A veteran dramatic soprano for the past two decades, her voice has developed a distinct metallic quality, but still holds appeal. Most of all, she knows how to express fury, passion and despair, all necessary emotions in this, the most demanding Brünnhilde portrayal of the Ring cycle.

Heard last season as Baron Ochs in Der Rosenkavalier in Milan and as King Marke in Tristan und Isolde in Bayreuth in August, Austrian bass Günther Groissböck was a terrifying Hagen. His crystal clear diction and attention to his wording were essential in personifying this complex character. He conveyed Hagen’s torment as well as his nefariousness. Endowed with a powerful bass, Groissböck was nasty indeed, perfectly channeling this self‑loathing, resentful underling. More than most Hagens, this one seemed to derive immense pleasure from his evil‑doing.

Canadian baritone Russell Braun was an outstanding Gunther. He perfectly captured the essence of a weak, wealthy young man in over his head, easily manipulated. His pleasantly high baritone contrasted well with Hagen’s bass.

Waltraute’s Act I scene with Brünnhilde is one of this opera’s most beautiful and intense moments. What a luxury to have no less than Swedish dramatic soprano Nina Stemme, a leading Brünnhilde herself, in the short role. Stemme was impressive both as an actress and singer. Her beseeching of Brünnhilde was extremely affecting.

Ukrainian lyric soprano Olga Bezsmertna was greatly admired two years ago as Rusalka at La Scala and as Freia in McVicar’s Das Rheingold at La Scala. Her beautifully youthful voice was a perfect fit here for the tragically insecure rich kid Gutrune. She exuded malaise from the moment she arrived onstage – to the manor born, yet without much self‑worth. In the finale, following Siegfried’s murder, she morphed into a more delicate woman, as if rendered more human from tragedy.

Australian conductor Simone Young was more inspired than in Götterdämmerung at Bayreuth this past summer. There was much to enjoy here: the delicate, almost haunting opening scene with the Norns; Siegfried’s ravishing Rhine journey at the end of the Prologue; and Hagen’s menacing call of the vassals. Contrary to an underwhelming Vengeance trio at the end of Act II in the aforementioned Bayreuth performance, this was a powerful scene thanks to Young and her orchestra. Musically, the “Immolation Scene” was the most splendid moment of the evening, alternating between softness and vigour. Young made excellent use of Wagner’s massive late‑Romantic orchestration, which includes full percussion, four harps and eight horns, in addition to strings and woodwinds. Collectively, the musicians expertly conjured ominously dark textures or ethereal sweetness, depending on the scene.

The joy of seeing such a visually appealing production bereft of nonsense inflicted by lesser creative minds was immense. Of course the splendid singing, especially Nylund and Vogt, and the glorious music from Young and the Orchestra del Teatro alla Scala were the main attraction, and they were unbeatable. My only regret is returning home to Canada and not being able to attend one of two entire Ring cycles given in March. The best Ring of the decade, La Scala and Milan in the spring may be the best possible combination imaginable.

Ossama el Naggar | 17 February 2026

Wie bei den ersten drei Teilen dieser „Ring“-Produktion teilen sich auch hier Alexander Soddy und Simone Young die musikalische Leitung, der Engländer dirigiert die ersten drei Vorstellungen, die Australierin die letzten beiden. Soddy führte das konzentriert spielende Orchester des Hauses zu beeindruckender, manchmal leicht übersteuerter Klangfülle (Blech!). Insgesamt aber ein brillanter, überzeugender Goldklang. Der Dirigent dankte dem Orchester für seine Leistung, indem er den Publikumszuspruch gemeinsam mit diesem auf offener Bühne entgegennahm. Der wieder auf höchstem Niveau singende Herrenchor unter Alberto Malazzi ließ bedauern, dass er nur in diesem den „Ring“ beschließenden Abend seinen Auftritt hat.

Bei der Bewertung der gesanglichen Leistung von Klaus Florina Vogt muss etwas weiter ausgeholt werden: Wie jeder Wagnerianer weiß, sind die historischen Zeiten der Svanholm, Lorenz oder gar Melchior genauso vorbei, wie die der der Hopf oder Beirer (wobei Andreas Schager die Ausnahme ist), und schon Wolfgang Windgassen wurde zu lyrisches Stimmmaterial, vor allem für den Alt-Siegfried, vorgeworfen. Mit den Jahren wurden die Stimmen allgemein schlanker, aber für diesen Siegfried hat Vogts Tenor einfach nicht genug Gewicht. Der Künstler artikuliert ausgezeichnet, ist hochmusikalisch und hat immer noch le physique du rôle des Helden, doch besteht eine gewisse Einförmigkeit der Leistung, so ganz ohne Möglichkeit, an den Höhepunkten stimmlich auch einmal aufzutrumpfen. Ihm ist zugutezuhalten, dass er nie forciert, und jedenfalls änderte sich nichts am Publikumszuspruch für ihn. Auch Camilla Nylund ist keine Hochdramatische, aber es gelingt ihrem bestens fokussierten Sopran, mit glänzenden Höhen immer über das Orchester zu kommen; auch sie forciert nie. Ihre Darstellung vom Moment des Abschieds vom Geliebten über die Fassungslosigkeit wegen seines Verrats und den Durst nach Rache bis zum Verständnis der Intrige und ihrem Abschied mit einem berührenden „Ruhe, ruhe, du Gott!“ ist so menschlich wie hoheitsvoll. Einen rabenschwarzen Abend hatte leider Günther Groissböck bei seinem Debüt als Hagen. Nicht nur fehlte seinem Bass das tiefe Register für die Rolle, auch Mittellage und Höhe fielen schwach aus, und er war trotz Rücksichtnahme durch den Dirigenten manchmal wenig zu hören. Hoffentlich nur eine Episode, denn darstellerisch schuf er eine überzeugend böse Figur. Ausgezeichnet war der zwar hellstimmige, aber nachdrücklich singende Alberich von Johannes Martin Kränzle, und einen echten Höhepunkt setzte Nina Stemme mit genuiner Wagnerstimme in ihrem Rollendebüt als Waltraute, deren Verzweiflung sie anrührend über die Rampe brachte. Russell Braun überzeugte als feiger Duckmäuser Gunther, seine Schwester Gutrune war bei Olga Bezsmertna darstellerisch besser aufgehoben als gesanglich. Gut ausgewogen das Terzett der Nornen Christa Mayer, Szilvia Vőrős und Olga Bezsmertna, was auch fuer Lea-Ann Dunbar (Woglinde), Svetlina Stoyanova (Wellgunde) und Virginie Verrez (Flosshilde) gilt.

Von der Reaktion des an leichte Stimmen offenbar gewöhnten Publikums war schon die Rede, doch nun noch einige Bemerkungen zur Spielplangestaltung der Scala: Der komplette „Ring“ kommt in zwei Zyklen im Maerz; in das Projekt wurde viel Energie gesteckt, denn rund um das stark beworbene Ereignis gibt es Vorträge und Symposien, die monatliche Zeitschrift des Hauses widmet sich ausschließlich dieses Themas, allein das Programmbuch der „Götterdämmerung“ wiegt 850 Gramm. Aber der Preis dafuer ist hoch, denn nach der letzten Vorstellung der „Lady Macbeth von Mzensk“ am 30. Dezember 2025 gab es im Januar 2026 keine Opernaufführung, im Februar nur fünfmal „Götterdämmerung“, im Maerz die beiden Zyklen, also acht Vorstellungen. Erst im April wird mit „Turandot“ wieder ein anderes Werk gespielt. Wenn man bedenkt, dass andere Häuser den ganzen „Ring“ inmitten des gesamten Repertoires stemmen, darf man sich doch ein wenig wundern.

Eva Pleus | 9. Februar 2026

David McVicars mit Steinhöhlen und Stahlschwerten gefüllte Regie könnte man fast schon als direkte Antwort auf die Empörung der Herheim-Skeptiker und Götz-Friedrich-Fans verstehen. Trotz der sehr konservativen Bühnenästhetik füllte er die Handlung immer wieder mit kecken Regie-Einfällen und tiefen Emotionen. Siegried und Brünnhilde ließen ihre leidenschaftlichen Liebesemotionen, die Kampfeslust von Hagens Mannengesellschaft blieb mit einem Speertanz nicht erspart. Eigentlich ein gelungene Regie-Arbeit.

Trotzdem gab es für das Regie-Team sehr lautstarke Missfallensäußerungen. Was wollen die Leute eigentlich? Regietheater, da wird ja zum Teil schon die Generalprobe ausgebuht. Dann also das hier. Passt auch nicht? Was denn dann? Eine abgestaubte Wiederaufnahme des absolut nicht mehr zeitgemäßen Chéreau-Rings (bitte nicht!!)? Oder gehören die Regie-Buhs des Stammpublikums einfach zur Scala-Experience?

Grenzenlos begeistert zeigte sich das Publikum allerdings für die musikalische Darbietungen des Abends. Den meisten Applaus gab es für Camilla Nylunds Brünnhilde. Ihre Leistung hatte es mehr als verdient, völlig mühelos und mächtig segelte ihre strahlende Stimme durch den Saal, als wären ihre ewigen Melodien eine einzig schreitende Rheinfahrt. Mit glasklarer Diktion sorgte sie fünfeinhalb Stunden lang stets für Stuhlkanten-Spannung, insbesondere im zweiten Aufzug fesselte sie Publikum und Handlung fest an ihre Monologe und erhob ihre Rolle zur allmächtigen Wotan-Nachfolgerin!

Auch der in dieser Partie mittlerweile routinierte Klaus Florian Vogt meisterte den Siegfried mit Bravour. Kein Hauch eines übertrieben Vibratos oder Dauerfortes, Wagners fesselnden Gesang ließ er glasklar und dynamisch differenziert von der Bühne segeln. Die extremen stimmlichen Herausforderungen dieser Partie verwandelte er mit Links in ein kleines melodisches Lüftchen und ließ seine Liebe zu Brünnhilde souverän aus seiner Stimme blühen. Einzig sein leicht statisches Schauspiel wirkte nicht ganz im Einklang mit der durchdachten Regie, ein wenig plump fiel er zu Beginn des Trauermarschs zu Boden. Kleiner Schönheitsfehler, mehr nicht.

Mit Spannung erwartete man auch Günther Groissböcks Rollendebüt als Hagen. Sein stimmstarker, klar artikulierter Bass stemmte die Partie mit böser Miene und spitzem Speer souverän durch die Gibichungenburg. Ein ganz wenig im musikalischen Schatten blieb allerdings Russell Brauns Gunther. Zwar glänzte sein sauberer Bariton in dieser regietechnisch recht brav gestalteten Partie, doch wirkte sein Auftritt musikalisch ein wenig mutlos. Passt vielleicht einfach zum Libretto, sein „Was hör’ ich“ klang aber nicht nach einem bevorstehenden Mord an Siegfried.

Für eine regelrechte Sensation sorgte allerdings Christa Mayer als Erste Norn. Diese Mini-Partie wäre wohl kaum erwähnenswert, hätte nicht Frau Mayer die ersten Töne des Abends mit ihrer Klangfülle beschenkt und gemeinsam in ihren Kolleginnen Szilvia Vörös und Olga Bezsmertna diese ohnehin zauberhaft komponierten Nornen-Szene in wohl einzigartigem Glanz durch den Saal schweben lasen. Wer anderswo als Waltraute abräumt, darf hier eine Norn singen, man schwebte auf Wagner-Wolke sieben!

Apropos Waltraute, auch Nina Stemme stürzte sich kämpferisch und souverän in die Partie dieser Walküre und stand Frau Nylunds Brünnhilde stimmlich um nichts nach! Das wäre wohl eine der bezauberndsten Waltraute-Szenen der Operngeschichte gewesen… wäre da nicht Alexander Soddys mutloses Dirigat dazwischengekommen.

Zwar spielte das Orchester unter seiner Leistung die Einzelstimmen sauber und solide, auch für die recht weiche Akustik – nicht gerade für einen Walhall abfackelnden Orchesterschluss geeignet – kann Herr Soddy natürlich nichts. Trotzdem ließ er viele eigentlich energetisch aufgeladene Stellen der Partitur fast schon dahinplätschern, da war eindeutig zu wenig saftiger Wagner-Sound und viel Waldvogel-Gezwitscher im Graben. Der hauseigene Chor zeigte seine stimmliche Stärke und lies sich auch von einer stürmisch schnell dirigierten Gibichungen-Hochzeit nicht vom rechten Pfad abbringen.

Erstaunlicherweise feierte das eigentlich für ihre furchtlos kritischen Urteile bekannte Scala-Publikum Herrn Soddy auch noch fulminant – warum eigentlich? Egal. Nicht zu verstehen. Die stimmlichen Leistungen erfüllten die astronomischen Erwartungen des aus weitem Lande angereisten Publikums, womit diese Götterdämmerung die Konkurrenz von der Bühne fegte. E così risuona a gran voce da Milano verso Vienna – und damit schallt es von Mailand lautstark nach Wien: „Her den Ring!“

Johannes Karl Fischer | 2. Februar 2026

Wagners „Ring des Nibelungen“ schließt sich

Schon die ersten drei Abende von Richard Wagners „Ring“ an der Scala überzeugten durch eine stringente und optisch äußerst ansprechende Ästhetik, die den weitaus größten Teil des Mailänder und ausländischen Publikums begeisterte. Besonders begrüßenswert war, dass sich Regisseur David McVicar (mit szenischer Unterstützung von Hannah Postlethwaite) der Tetralogie aus einer Position von Demut und Achtung vor Wagners Opus magnum näherte und endlich einmal wieder den vom Komponisten für so bedeutsam gehaltenen Mythos zur Geltung brachte.

Das ist auch in der Premiere der „Götterdämmerung“ zu erleben, die – nachdem die ersten drei Abende von Simone Young geleitet wurden – diesmal von Alexander Soddy dirigiert wird. Man erlebt eine tiefschürfende, aus der Partitur heraus konzipierte und mit dem Ideenkodex Wagners in großem Einklang stehende Produktion, in der die oft mystische Lichtregie von David Finn bei äußerst geschmackvoll farbigen und bisweilen sehr facettenreichen Bühnenbildern eine wesentliche dramaturgische Rolle spielt.

In dieser „Götterdämmerung“ wird man regelrecht durch das Stück getragen, wobei immer wieder ein riesiger goldener Ring über der Szene aufleuchtet und Bezüge zu den drei Vorgängern sinnhaft und eindrucksvoll hergestellt werden. So ergibt sich eine thematische Klammer um diesen „Ring“. Die große Weltkugel aus der „Walküre“ liegt beispielsweise nun zur Hälfte vor der mit Menschenknochen angehäuften Gibichungenhalle im Mittelpunkt einer Gesellschaft, die vollkommen ersoffen ist in einem sinnlosen Goldrausch. Dieser ist so grotesk, dass der Tod hier und da schon lugt. Brünnhilde wird nach ihrer Ankunft auch gleich eine goldene Totenmaske aufgesetzt. Nicht nur hier hat Kostümbildnerin Emma Kingsbury große Fantasie entwickelt und für Protagonisten wie Statisten sinnfällige und auf die allgemeine Optik perfekt abgestimmte Kleidung geschaffen. Im zweiten Aufzug wird den fünf heidnischen Göttern mit einem grandios singenden, von Alberto Malazzi einstudierten Chor gefrönt, der von einer wild agierenden Tanzgruppe umgeben ist (Choreografie: Gareth Mole).

Wieder besticht Camilla Nylund als großartige, lyrisch-hochdramatische Brünnhilde mit einem besonders starken zweiten Aufzug, in der ihr alle Spitzentöne bei äußerst engagiertem Spiel bestens gelingen. Klaus Florian Vogt ist ihr als Siegfried ein ebenbürtiger Partner mit viel Emotion in der Stimme und perfekter Diktion. Günther Groissböck singt mit sehr guter Theatralik seinen ersten Hagen, den er gesanglich betont, im Mittelaufzug aber auch mit einiger Finsternis anreichert. Ein gelungenes Rollendebüt! Nina Stemme gibt eine formidable Waltraute und macht die Auseinandersetzung mit Nylund zu einem Höhepunkt des Abends. Johannes Martin Kränzle ist wieder ein exzellenter Alberich.

Alexander Soddy schafft mit dem Orchestra del Teatro alla Scala einen insgesamt sehr guten Wagner-Sound, wobei immer wieder die exzellenten Hörner und Celli hervortreten. Man merkt dem Klangkörper die mit dieser Produktion offenbar weiter gestiegene Wagner-Kompetenz an.

Dr. Klaus Billand | 4. Februar 2026

Die Mailänder Scala hat ihren Ring des Nibelungen vollendet. DAVID MCVIKAR und sein Team setzen den dritten Tag der Tetralogie opulent in Szene. Die Regie ist nah am Text, führt die Personen unterschiedlich prägnant und setzt auf ornamentreiche, symbolkräftige Ausstattung. Angelehnt an manchen Fantasy-Film schimmert es mittelalterlich golden beim Hochzeitsfest, tauchen Runen und Felsen aus Gebeinen und Totenköpfen auf. Hagens Mannen sind hier eine Tanztruppe, die mäßig bedrohlich, die Speere im Takt schwingt.

Brünnhilde entflammt eindrucksvoll die Weltenkugel und alles geht unter, selbst Wotan und Alberich, die Antipoden von einst, stürzen zu allerletzt. Neu ist das nicht und in der Ästhetik angejahrt, aber durchaus farbenprächtig und abwechslungsreich.

Warum ein derart böser Buhsturm in Mailand beim Applaus über die Regie hereinbricht, ist nicht ganz klar auszumachen. Es werden doch nicht Regietheater-Fanatiker in den Süden Europas gereist sein ?

Musikalisch ist die Aufführung unzweifelhaft hochklassig.

Angeführt von CAMILLA NYLUNDs grandioser Brünnhilde glänz ein hochkarätiges Gesangsensemble. Ihr Sopran, dessen Strahlkraft in der Höhe unermüdlich ist, wird gesangstechnisch hervorragend geführt. Nicht als Hochdramatische, sondern als jugendlich-Dramatische geht sie die Rolle an und hat dadurch den weiteren Vorteil, jung und elegant die Figur zeichnen zu können.

KLAUS-FLORIAN VOGT ist ein ebensolch jugendlich-dramatischer Siegfried. Gute Diktion und eine hell- tragende Farbe prägen seinen Tenor. Optisch ein Ideal-Siegfried zeigt er keine Ermüdungen und klingt im Tod so frisch wie zu Beginn der Oper im Duett.

Keinen guten Tag hat der sonst so verdiente GÜNTHER GROISSBÖCK mit seinem Debüt als Hagen erwischt. Seine Stimme klingt knorrig, angestrengt und in manchen Passagen scheint sie ihn fast zu verlassen. Dann aber bäumt er sich in den Mannen-Rufen wieder auf und kann den dritten Akt passabel beenden. Bei diesem unebenen Gesang wirkt er dadurch auch als Figur zurückgenommener, als man ihn kennt.

Bereits im vorangegangen Barenboim-Ring 2013 ist er ein hervorragender Alberich in Mailand gewesen, und so singt JOHANNES MARTIN KRÄNZLE ihn auch diesmal mit modulationsfähigem, kraftvollem Bariton und macht die Vater/Sohn- Szene auch darstellerisch zum spannenden Ergeignis.

Ebenfalls von hoher Qualität singt RUSSELL BRAUN den Gunther eher zurückhaltend, nicht tönend, was auch zu seiner zaudernden Rolle bestens passt. OLGA BEZSMERTNA als seine Schwester Gutrune besitzt einen fokussierten Sopran, den sie gerade im letzten Akt gewinnbringend in Feld führen kann. NINA STEMMEs Auftritt als Waltraute im ersten Akt ist bedeutend. Auch sie mit einem Rollen-Debüt profitiert von der großen Erfahrung als Brünnhilde und gestaltet ihren Monolog fabelhaft.

Die Nornen (CHRISTA MAYER, SZILVIA VÖROS und wieder OLGA BEZSMERTNA) sind außergewöhnlich gut besetzt und auch die Rheintöchter (LEE-ANN DUNBAR, SVETLINA STOYANOVA und VIRGINIE VERREZ) singen kräftig und intonationssauber die Szene mit Siegfried.

Nicht immer ganz die Intonation halten die Bläser an diesem Abend. Eine heftige Woche, drei Sinfoniekonzerte, Proben dafür und die ganzen Schlussproben zur Götterdämmerung liegt manchem Musiker in den Lippen.

Umso anerkennenswerter ist dennoch die gesamte außerordentliche Leistung des Scala- Orchesters, denn Dirigent ALEXANDER SODDY animiert das Kollektiv zu nuancenreichem Spiel. Er bringt Wagners Musik in großen Fluss, ohne die Genauigkeit zu vermissen zu lassen. Immer im Moment, atmend mit den Sängern, gelingt ihm Zauberhaftes.

Der nur spärlich vom Komponisten eingesetzte Chor muss szenisch kaum agieren, klingt aber kultiviert und klangmächtig.(Leitung : ALBERTO MALAZZI).

Man kennt den enden-wollenden Applaus des Mailänder Publikums. So sehr mancher sich über die Szene aufregt, so werden die Protagonisten, der Dirigent und das Orchester dann aber doch gefeiert. Andernorts wären die Jubelstürme sicher brandender ausgefallen.

Christian Konz | 03.02.2026

Formidable conclusion

Avant de donner deux séries de Ring complets à partir de mars, le Teatro alla Scala propose la création du dernier volet de sa nouvelle Tétralogie, et achève ainsi en beauté un cycle commencé en novembre 2024. Avec la Brünnhilde du Götterdammerung, Camilla Nylund trouve son meilleur emploi. Alors que sa voix naturellement claire semblait a priori plus adaptée à celles de Die Walküre ou de Siegfried, nous n’avons pas ressenti ici le relatif manque de largeur des journées précédentes. La chanteuse est au contraire parfaitement à l’aise sur l’ensemble de la tessiture. Le bas médium et le grave, très sollicités, sont bien sonores. L’investissement dramatique du soprano finlandais est d’une incroyable intensité tout au long de la soirée. En particulier, la confrontation de la scène quatre de l’acte II, où Brünnhilde accuse Siegfried de trahison, est absolument saisissante, le soprano finlandais semblant véritablement possédé par la haine. Alors qu’elle donne tout au fil des actes, Nylund réussit à conserver l’essentiel de ses ressources pour la terrible scène finale, proprement époustouflante. Au-delà de cette incroyable endurance, on ne peut que saluer une performance artistique exceptionnelle qui soulève au final un torrent d’émotion. Klaus Florian Vogt semble (presque) se balader dans le rôle de Siegfried (à l’exception du contre-ut esquivé au dernier acte, mais il est vrai que peu s’y risquent avec succès), plus à l’aise que lors de la journée précédente, avec un legato tout à fait satisfaisant et une belle projection. Le timbre nous est même apparu encore plus juvénile. Sa mort est chantée avec une belle poésie.

En Hagen, Günther Groissböck offre un impact scénique plutôt atypique, se démarquant des interprètes « monstrueux » par une interprétation assez fine. Vocalement, la voix manque un peu d’impact, avec des aigus un peu durs et blancs au premier acte. Toutefois, la puissance du chanteur va crescendo et le dernier acte est tout à fait satisfaisant. Le Gunther de Russell Braun manque un peu de puissance mais son interprétation, tant vocale que scénique, est plus intéressante que celles de maints chanteurs dans ce rôle souvent un peu sacrifié. Autre personnage souvent confié à des interprètes un peu falots, Gutrune est ici admirablement défendue par Olga Bezsmertna, à la voix à la fois lumineuse et charnue, formidablement engagée dramatiquement, au désespoir final intense. Johannes Martin Kränzle est un Alberich impeccable. Nina Stemme créée la surprise avec une Waltraute puissante et passionnée. Nulle trace de déclin dans cette voix, en dépit de ce que pouvait faire craindre ce changement de tessiture : le pari est relevé haut la main et le public saura lui faire une ovation méritée. L’ensemble des seconds rôles sont excellement tenus, avec certains familiers de Bayreuth (Christa Mayer, Lea-ann Dunbar). Pour l’anecdote, on précisera que Svetlina Stoyanova (Wellgunde) n’est apparentée ni au soprano Krassimira Stoyanova, ni au baryton Vladimir Stoyanov : la Bulgarie est décidément une prolifique terre de chanteurs !

Déjà excellente lors des précédentes journées, la direction d’Alexander Soddy touche cette fois à l’exceptionnel. À la tête d’un Orchestre de la Scala en apesanteur, aux couleurs somptueuses, le chef britannique impose une direction intensément dramatique mais jamais lourde, contrastée tout en restant dans la moyenne au niveau du minutage, culminant avec un troisième acte formidable. Certains passages donnent la chair de poule, comme la Marche funèbre, avec des timbales surexposées, obsédantes (mais, après tout, si Wagner a écrit pour elles ce passage, c’est quand même bien parce qu’il voulait qu’on les entende !). La scène finale, appuyée par la mise en scène, arrache les larmes. Une direction d’une incroyable maturité de la part de ce jeune chef qu’on aimerait entendre plus souvent sur les grandes scènes.

Pour ce dernier opus, la mise en scène de David McVicar reste toujours aussi lisible et visuellement spectaculaire, avec une direction théâtrale très fine et un traitement ces chœurs et des figurants extrêmement efficace. Par rapport aux autres journées, la mise en scène contraste par la force des émotions qu’elle dégage : on n’oubliera pas de sitôt la mort de Siegfried qui voit Wotan s’effondrer sur le corps du jeune homme, l’immolation de Brünnhilde où la jeune femme est rejointe dans les flammes par son destrier, Wotan resté seul et désolé sur un Walhalla déserté, ou encore l’or du Rhin figuré par un danseur qui entraine Alberich dans les flots… Toute une série de scènes fortes, et jamais gratuites, qui font de cette dernière journée un sublime moment de théâtre.

Jean Michel Pennetier | 7 février 2026