I am so annoyed by director Stefan Herheim’s appalling mishandling of Richard Wagner’s Der Ring des Nibelungen that I have decided, for the review of the final instalment too, to begin by highlighting the positive aspects of the Siegfried performance on Whit Saturday – all of which lie exclusively on the musical side, and not the staging! Although Sir Donald Runnicles has rehearsed the Orchester der Deutschen Oper Berlin to perfection and coordinates the singers and orchestra in a largely exemplary manner, he falls somewhat short of the complexity, the transparency and, ultimately, the composer’s grand musical vision. The vocal performances are consistently very good, and in some cases even outstanding, such as Clay Hilley’s in the title role who simply has a voice that is a force of nature. He was the big surprise at the premiere five years ago and has since gained in interpretative maturity, not to mention his masterful technical command of the part. His powerful heroic tenor, with its secure high notes, is now also capable of expressing emotional nuances. Ensemble member Ya-Chung Huang portrays Mime in the composer’s guise with a convincing and skilfully exaggerated manner. Vocally, too, thanks to his characterful and impressively articulate tenor voice, he is among the evening’s finest performances. He is the shrewd dwarf, whose portrayal of Wagner seems almost a revelation when the latter stands self-absorbed at the edge of the stage, conducting the orchestra and becoming utterly enthralled by his own music. With his resonant, somewhat gravelly bass-baritone voice, Iain Paterson possesses all the qualities required to portray the Father of the Gods as the Wanderer; he focuses on his vocal line and also impresses with his fine acting. Michael Sumuel sings an Alberich rich in vocal variation with his distinctive bass-baritone. Vocally, he is in absolutely top form and almost outshines Wotan Paterson in terms of power. But the character loses significance due to his ridiculous portrayal as a clown and his frequent presence on stage. Tobias Kehrer is a veritable Fafner with a deep bass. The fact that even he is made to look a fool in a ribbed T-shirt with a bulging belly, and on top of that on the prompter’s box, is not his fault, but it comes across as embarrassing – particularly against the backdrop of a scenically and dramaturgically successful fight with Siegfried. Lauren Decker sings Erda with a rich, vibrato-filled alto voice, yet she is also criminally neglected by the costume design and direction. In the end, the Wanderer even kills her off, which is simply unacceptable!

I was particularly looking forward to Elisabeth Teige’s Brünnhilde; following her excellent performance as Sieglinde, she now gets to sing what is supposedly the easiest of the three Ring Brünnhildes. I find the great Éva Marton’s comment on them absolutely spot on: Die Walküre is too low, Siegfried too high and Götterdämmerung too long. Teige sings with impressive freshness, but as always tends to cut the climactic phrases short, thereby robbing them of their original Wagnerian impact. What a pity! The role of the Waldvogel remains with a soloist from the Knabenchor der Chorakademie Dortmund: it is not without reason that it is traditionally sung by a high soprano such as Rita Streich or Dame Joan Sutherland. Cornelius Park tries his best, but cannot match the performance or the grasp of the text of a professional soprano. What remains is Stefan Herheim’s questionable production. The stage is once again dominated by the grand piano at the centre and numerous suitcases. The most ingenious aspect of the set design by Silke Bauer and Stefan Herheim is the drapes of fabric which, when suitably lit, illustrate the forging process right up to Siegfried’s departure into the world as a sphere he intends to conquer and subdue. Similarly, in Act 2, the Waldweben and the dragon are conjured up. It is just a pity that both Fafner and Mime end up in their underwear. In mystical-looking images, kept predominantly dark by Ulrich Niepel, one glimpses Herheim’s suitcase nirvana, which one might associate with countless stories and human destinies spanning a long period of time – just like the Ring itself. In the first two acts, there were also none of the scenes featuring the excessively redundant cast of over 30 extras. This means that the dialogues between Mime and Siegfried, the Wanderer and Siegfried, and, in the second act, between Alberich and the Wanderer, could be appreciated much more effectively in their intimacy. In the first act, however, some of the acting came across as rather contrived and mannered. In Act 3, Herheim focuses more on portraying the protagonists’ emotions and situations as explicitly as possible through the use of the numerous extras who populate the stage more or less constantly, eyeing the singers and even commenting on their behaviour and singing amongst themselves through gestures. Consequently, the intimacy between Brünnhilde and Siegfried – so wonderfully suggested by Wagner and only slowly developing, even if the music in this production is apparently hardly believed anymore – is flattened, if not entirely negated in the finale. Some 15 binary, non-binary and diverse couples, all carefully clad in white underwear, indulge in copulation scenes that appear both pleasurable and very forced – precisely because they are clothed. They seem intent on showing the would-be lovers how it’s done, or how it might be done. It would be hard to find a more trite Siegfried finale at present. What a shame!

Lutz Nalepa | 25 Maggio 2026

Gigantische Stimmen retten einen schier unendlichen „Siegfried“

Dirigent Donald Runnicles und das bestens aufgestellte Opernorchester spielen sich regelrecht in einen Rausch. Fast unerhörte Tempi- und Intensitätswechsel erlaubt sich der Dirigent, bürstet dabei aber nie das Sängerensemble nieder, sondern legt den psychologischen Klangteppich über die Sänger auf der Bühne.

Der Graben überlässt den Sängern die lautmalerische Beschreibung der im Siegfried so sagenhaften und mystischen Szenerien. Hierfür müssen Textverständnis und musikalisches Handwerk perfekt übereinstimmen – bei den ewigen Litaneien von Mime, Siegfried und des Wanderers/Wotans ein echtes Risiko, was sich aber bei Weltklasse-Wagner-Sängern auszahlen kann. Und die bekommt man hier wahrhaftig geboten.

Fangen wir bei der titelgebenden Rolle an. Clay Hilley ist mit seinem klaren, herrlich unverbrauchten Tenor ein würdiger Nachfolger des angstfreien Siegmunds, mit unendlicher Ausdauer und nahezu perfekter Textsicherheit meistert der Amerikaner die unmenschliche Partie. Das herausragendste ist dabei jedoch Hilleys differenzierte Interpretation; sein Siegfried ist weder unschuldiger Jüngling noch plumper Haudrauf, sondern ein raffinierter, fast abgründiger Charakter. Mit erkennbarer Freude schlachtet er den von Tobias Kehrer urgewaltig grollend gesungen Fafner, schubst das schwerelos klingende Waldvöglein umher und nimmt die eigene Tante ungeduldig in Besitz.

Das ist allerdings auch für dieses Kraftpaket nicht gerade leicht, denn Elisabeth Teige versteht Brünnhilde – zurecht – nicht als Sidekick und Cheerleaderin für den strahlenden Held, sondern das Auftreten Siegfrieds als furchtbaren Einschnitt in ihre Freiheit.

Die nie enden wollenden Dialoge zwischen dem kraftvollen Paar werden so zu spannenden Rededuellen, in denen es um nicht weniger als die lebenslange Freiheit eines Menschen geht.

Mindestens genauso intensiv ist es auch bei Iain Petersons Wanderer/Wotan und Lauren Deckers Erda. Während Herheim den Mystizismus stets behauptet und mit großen Gesten herbeibeschwört, löst ihn dieses uralte, allwissende Paar tatsächlich ein, dröhnend, fast extraterrestrisch beschwört Decker das Ende der Welt und der Götter, verzweifelt, doch wild entschlossen, die Tragödie noch aufzuhalten, stellt sich Peterson dem egoistischen Siegfried in den Weg und kann ihn in tatsächlich für kurze Zeit an die Wand singen.

Und dann ist da noch Ya-Chung Huang als Mime. Schon der von Michael Samuel verkörperte große Bruder Alberich liefert hier eine bemerkenswerte Studie in Verkommenheit und Neid. Was der Südkoreaner aus dem Zwerg herausholt, kann sich jedoch mit den Giganten Kuën, Stolze und Zednik messen.

Es ist atemberaubend, was Huang hier zeigt, wie er am Schmieden Nothungs verzweifelt, vor Todesangst zittert, den Zögling verachtet und doch auf verquere Weise liebt. Er zetert, und schreit, wagt Sprechgesang an den ungewöhnlichsten Stellen, die Rechnung geht allerdings immer auf, Huang wird – ohne sich in den Vordergrund zu spielen – zum gequälten Star des Abends, der selbst unorganisierte, mäßig klimatisierte Sechseinhalbstunden zum unvergesslichen Kunsterlebnis macht.

Arthur Bertelsmann | 24. Mai 2026

In diesen Schmiedeliedern erweist sich Clay Hilley als Idealbesetzung für die Titelfigur. Optisch als ironische Referenz wie ein Mustergermane aus einer Inszenierung des 19. Jahrhunderts ausgestattet, gibt er einen übermütigen Kindskopf, daß es eine Freude ist. In den Strophenmarathon stürzt er sich mit einer Kraft und Ausdauer, voll tönender Mittellage und strahlender Höhe als ob diese stimmmörderische Partie das Leichteste von der Welt wäre. Genau so muß das klingen. Der Beifall für ihn nach dem ersten Aufzug ist frenetisch. Nicht ganz so gut spricht die Stimme im zweiten Aufzug in den nachdenklicheren Passagen an, wenn Siegfried über seine Herkunft und seine Mutter monologisiert. Hilley muß hier Kraft und Druck reduzieren, wechselt in die Kopfresonanz und erkauft das mit einem nicht optimal verblendeten Lagenwechsel.

In den ersten beiden Aufzügen ist ihm Ya-Chung Huang ein optimaler Gegenpart, der für den Mime einen erfreulich kräftigen, klangvollen Tenor mitbringt. Die rollenadäquaten Anschärfungen sind bei ihm bewußt eingesetztes Stilmittel, nicht wie bei anderen Besetzungen Ausfluß verschlissenen Stimmmaterials. Zudem zeigt sich Huang als nuanciert artikulierender Textgestalter.

Leider kann Iain Paterson als Wanderer wie bereits im Rheingold nicht verbergen, daß der jahrelange Einsatz im Heldenfach seinem vormals edel timbrierten Bariton erheblich zugesetzt hat. An die einstige stimmliche Autorität erinnern nur noch einige kraftvoll gestemmte Höhen. Außerhalb des Fortebereichs und insbesondere in der Mittellage sind fahle Töne und eine Brüchigkeit zu hören, die zwar zur resignativen Stimmung am Ende seines Auftritts passen mögen, nicht aber zur Erweckung der Erda und dem anfangs selbstbewußten Disput mit Siegfried. Im zweiten Aufzug wird der Zustand seiner Stimme besonders deutlich im Kontrast zum saftig-auftrumpfenden Heldenbariton von Michael Sumuel als Alberich und dem tiefschwarz dröhnenden Baß von Tobias Kehrer als Fafner.

Nur drei Frauenstimmen sind im Siegfried vorgesehen. Eine davon gehört zum Waldvogel, der hier aber mit einem Knabensopran (Cornelius Park) besetzt ist. Auch, wenn wir jetzt verärgerte Leserreaktionen provozieren: Das ist keine gute Idee – Niedlichkeitsfaktor hin, Respekt vor den sicheren Einsätzen und der überraschend kräftigen Stimme des jungen Mannes her. Eine Knabenstimme klingt ohne belebendes Vibrato wie hier scharf und in der Höhe mitunter sogar grell, ganz besonders, wenn die Tonhöhen nicht immer exakt getroffen werden. Der Gesang des Waldvogels sollte locker und leicht klingen, wie ein Zwitschern eben und nicht wie eine trötende Kindertrompete. Daß Wagner hier selbst den Einsatz einer Knabenstimme erwogen hat, macht es nicht besser. Dafür orgelt im dritten Aufzug Lauren Decker mit dunkel-sattem Alt eine beeindruckende Erda. Schließlich gibt Elisabeth Teige nach der Sieglinde in der Walküre nun die Brünnhilde. Die jugendliche Frische ihres Soprans paßt sehr gut zu dieser aus langem Schlaf erwachten, sich in Liebe als Mensch erneuernden gefallenen Walküre. Sehr gut gelingen die lyrischeren Passagen („Ewig war ich“), für den Liebesjubel mit Siegfried zeigt sie beeindruckende Kondition. Dazu fügt sich ausgezeichnet der keine Ermüdungserscheinungen zeigende Clay Hilley. Lediglich in ihre Spitzentöne scheint die Sängerin (noch) kein ausreichendes Vertrauen zu haben und reißt sie vorsichtshalber immer nur kurz an.

Daß die Regie zu diesem Liebesschluß den banalen „Einfall“ hatte, die stummen Statisten, wo sie nun einmal auf der Bühne herumstehen, einander in Unterwäsche befummeln zu lassen, kann den guten Eindruck von dem bis dahin Gezeigten und Gehörten nicht mehr ruinieren.

Im Orchestergraben zeigt Donald Runnicles die Qualitäten seiner Wagner-Sicht: Aus einem fülligen Mischklang heraus werden in den Vor- und Zwischenspielen atmosphärische Klangbilder heraufbeschworen. Die Sänger werden selten zugedeckt, bei den Schmiedeliedern kann er es sich wegen der unermüdlichen Kraft von Clay Hilley erlauben, von Strophe zu Strophe immer noch eine Schippe draufzulegen. Das Orchester spielt sich trotz Klangfülle und Präsenz nicht in den Vordergrund, bleibt Teil eines Gesamtkunstwerks. Auch darin zeigt sich diese Produktion auf ihre Weise werkadäquat.

Das Publikum haben die Ausführenden gemessen am Schlußapplaus vollständig für sich eingenommen.

Michael Demel | 30. Mai 2026