Musically, the evening is very good. Almost all the roles are performed by current or former ensemble members, which on the one hand demonstrates the high standard of the opera house and on the other, how essential an ensemble is for the continuous vocal development of young singers in particular, before they jet off around the world to perform in three or four prominent roles. After all, the disappearance of the ensemble is one of the main reasons for the current crisis in the art of singing! The outgoing General Music Director, Sir Donald Runnicles, has developed into a veritable Wagner specialist during his nearly two decades in office and, apart from a few minor wobbles from the brass, skilfully guides the Orchester der Deutschen Oper Berlin through the Wagnerian soundscape from the bottom of the Rhine via Nibelheim to Valhalla, into which the gods finally enter together, arguably the most magnificent moment of the eve of the stage consecration festival, which lays the foundation for the actual drama of the cycle. This is musical drama on a grand scale, in the spirit of the master Richard Wagner! Iain Paterson gives an impressive performance as Wotan, with astonishingly clear diction. When he draws the sword from the ground and greets the castle like a ruler of the world, his vocal authority is unrivalled. Michael Sumuel lends his vocal counterpart, the dark gnome Alberich, a strong presence, impressing with the richness of his black voice rather than with clear articulation. Thomas Blondelle is a character tenor par excellence, embodying the only light-hearted, parodic role of Loge. His Mephistophelean cynicism and bitter sarcasm form the core of his committed portrayal, which he brings to life with a bright-toned, agile tenor voice and excellent delivery of the text. An outstanding achievement! These three singers alone are a guarantee of a successful performance, but the female roles are just as well cast. Annika Schlicht plays far more than just an anxious Fricka; with her powerful voice and beautiful timbre, she keeps her husband firmly in check. Martina Welschenbach portrays a youthful, jubilant Freia who also conveys a sense of despair. Erda is sung majestically by Lauren Decker in a noble contralto voice, ensuring that Wotan takes her warning seriously. Albert Pesendorfer brings a resonant, powerful bass voice and exemplary delivery of the text to the role of Fasolt, and Tobias Kehrer as Fafner is hardly outdone by him. The young Taiwanese singer Ya-Chung Huang delivers a masterclass in characterisation as Mime. He possesses a bright-toned character tenor, which he is able to colour to suit the role. His clear articulation underscores his charismatic performance, which is particularly important in this part. Thomas Lehman makes a striking impression as Donner with his He da! He da! He do! at the end, while Kieran Carrel offers a rather lacklustre response with the beautiful passage Zur Burg führt die Brücke, even though his tenor otherwise shines with lyricism. Lea-Ann Dunbar, Arianna Manganello and Karis Tucker, who play the Rhine maidens Woglinde, Wellgunde and Flosshilde, fill the theatre with harmonious singing, their three voices complementing one another beautifully. Unfortunately, the staging does not live up to the excellent musical performance. Stefan Herheim’s approach to The Ring – if he has one at all – is little convincing. He gets lost in a number of original ideas and parodic elements; for example, masterfully draped lengths of fabric are used to project imaginative scenes (set design by Silke Bauer and Herheim himself, videos by Torge Møller), yet he fails to develop a coherent overall concept. Whether it was down to the changed order of the four opening nights or whether he simply couldn’t think of much to say is something only he can answer. In any case, he has a large number of silent extras appear as refugees or travellers, carrying suitcases across the stage, presumably alluding to Wagner’s own flight from Saxony and his exile in Switzerland. This has little to do with the tetralogy and seems somewhat far-fetched. The same goes for the omnipresent grand piano, on which music is sometimes played wildly and which performers emerge from or disappear into. The partly garishly colourful costumes by Uta Heiseke evoke a family party at which Alberich appears as a clown. It is simply magnificent to dress the puppet-master Loge as Mephisto; on the other hand, it is stale and no longer controversial in the 21st century to dress singers and extras in their underwear to incite them to copulate. When the Nibelungs finally appear as battered Wehrmacht soldiers with steel helmets and outstretched right arms, it becomes utterly tasteless. That simply won’t do, Mr Herheim! Although I haven’t seen Die Walküre and Siegfried yet, I sorely miss Götz Friedrich’s old Ring cycle from the 1980s, which ran for thirty years.

Lutz Nalepa | Berlin, 16 May 2026

Thomas Blondelles Loge ist von absolutem Weltrang

Während an der Staatsoper zwei Ringzyklen binnen weniger Stunden ausverkauft waren, ist bei der Deutschen Oper am heutigen Abend auch nach über einem Jahr Verkauf noch der ein oder andere Platz freigeblieben.

Grund dürften wohl die gesalzenen Preise – 60 Euro für das Rheingold in der niedrigsten Preisklasse – in Kombination mit der relativ geringen Star-Dichte sein. Und so verwundert es auch nicht sonderlich, dass im Gegensatz zu dem mit internationalen Gästen vollen Lindenoper-Ring im Vorjahr das Deutsche-Opern-Publikum überwiegend aus Berliner Wagnerianern und Opern-Neugierigen besteht.

Doch auch ohne internationale Wagner-Stars wie Thielemann, Schager oder Volle liefert der Auftakt an der Deutschen Oper musikalisch einen außerordentlichen Beginn. Flexibel und sängerfreundlich leitet Donald Runnicles, Ex-GMD des Hauses, durch den Abend, fließend und organisch im Auftakt mit den Rheintöchtern, ironisch kitschig beim Einzug der Götter in Walhall. Runnicles wagt keine großen Experimente, einen völlig neuen Wagner hört man zwar nicht, diesen Teil übernehmen dann vortrefflich die Sänger.

Eiskalt und vulgär verführen die eklig süßen Rheintöchter (Lea-ann Dunbar, Arianna Manganello, Karis Tucker) den Leidenschaft liebenden Alberich (Michael Sumuel), der auch noch als dämonisch brodelnder Walter der Welt in seinem Bariton immer auch noch den großen Herzschmerz trägt.

Dagegen gerät Iain Petersons Wotan fast etwas blass, der grollenden Götterväter ist in Petersons Interpretation zwar der zum Libretto passende eitle Schaumschläger, allerdings geht Peterson das Patriarchale, Mächtige der Rolle ab. Im Rheingold ist dies noch nicht wirklich störend: Schließlich wird der Gott ja tatsächlich von Riesen – wunderbar aasig und berechnend gespielt von Albert Pesendorfer (Fasolt) und Tobias Kehrer (Fafner) – und Zwergen verhöhnt und umhergetrieben. Doch mit Hinblick auf den zweiten Teil des Rings könnte Petersons Gestaltung wirklich problematisch werden.

Vollkommen anders verhält es sich dagegen bei Thomas Blondelles Loge. Der Handlungsantreiber des Rheingolds bekommt bei Blondelle die Interpretation, die einer von Wagners besten Rollen gebührt. Verschlagen bis ins Mark tänzelt der als Gründgens-Mephisto verkleidete Teufel über die Bühne, wispert, charmiert und schreit durch das Libretto, führt jede Figur an der Nase herum, stürzt die Machtmänner Alberich und Wotan ins Unglück. Gerade als Wagner-Einsteiger hadert man ja mitunter an den schwülstigen, verquasten Stabreimen im handlungsdichten Rheingold, doch dieses Ensemble vermag es, das sprachlich chaotische Knäuel zu entwirren und für den Zuschauer verständlich zu machen.

Das muss die musikalische Seite allerdings auch. Denn was sich der Regisseur Stefan Herheim hier leistet, sind bedauerliche zweieinhalb Lehrstunden in Sachen Chaos. Was das gestohlene Rheingold in dieser Inszenierung bedeuten soll, bleibt unklar. In der ersten Szene scheint es sich noch um die Komposition des Bayreuther Meisters zu handeln, in der vierten sieht man doch wieder Gold und Geschmeide. Die Burg Walhall existiert nicht, dafür die Riesen, die – hinter den Sängern – bei Herheim aus Koffern zusammengesetzt sind, jedoch bei ihrem zweiten Auftritt vergessen werden.

Überhaupt, diese Koffer. Die bestimmen jedes Bühnenbild, eine Statistenkolonne schlurft ärmlich gekleidet mit Koffern über die Bühne, das soll wohl an Flucht und Deportation aus den 30er-40er-Jahren erinnern.

Aber auch an dieser Idee wird nie lange festgehalten. Stattdessen hämmern die Sänger auf einem Konzertflügel in der Bühnenmitte herum, der nicht nur als armselige Meta-Ebene dient, sondern auch als Bühnenfahrstuhl für die Sänger.

Es ist wirklich schauderhaft, wie wenig zueinander passt, dabei sind einige Ideen gar nicht übel. Die unterschiedlichen Szenerien werden wirkungsvoll durch ein riesiges weißes Stofflaken (Bühne: Silke Bauer) verdeutlicht, herrschaftlich, überirdisch in Walhall, dunkel und gedrungen in Nibelheim. Auch die Idee Mime (Ya-Chung Huang) – den großen Handwerker – als Richard Wagner höchstselbst zu verkleiden, könnte im Siegfried noch interessant werden.

Diese guten Ideen verpuffen allerdings angesichts der überbordenden Regieeinfälle, die fast jede Deutungsebene des Ringes anschneiden, sie jedoch nie länger als eine Viertelstunde weiterdenken.

Wie so oft gilt also – Augen zumachen und die Musik erzählen lassen.

Arthur Bertelsmann | 17.05.2026