Alberichs Welt

Frankfurts sehr beliebte „Ring“-Inszenierung in der Regie von Vera Nemirova kehrte nun mit einer Wiederaufnahme des „Rheingoldes“ zurück. Nachdem die erste Vorstellung, eine Woche zuvor, szenisch dem Tarifstreik zum Opfer fiel und nur konzertant gegeben werden konnte, nun also in seiner szenischen Gestalt. Wenn es einen unvergesslichen Eindruck in dieser Inszenierung gibt, so ist und bleibt das der Beginn des Vorabends. Der Zuschauerraum und Orchestergraben bleibt komplett verdunkelt. Aus dem Nichts ertönt das tiefe Es der Kontrabässe während nach kurzer auf der genialisch konzipierten „Ring-Scheibe“ von Bühnenbildner Jens Kilian große Wassertropfen als Videoprojektion frappierend lebendig die Scheibe „bewässern“. Das Spiel beginnt…..

Nemirova hat genau die Partitur befragt und entwickelt eine überzeugende, vielschichtige Personenführung. Wotan und Fricka zeigen mit allerhand zärtlichen Gesten, dass ihre Beziehung noch unbeschädigt ist. Berührend ist das Entstehen der gegenseitigen Liebe zwischen Fasolt und Freier herausgearbeitet. Oder auf der anderen Seite ebenso schlüssig, wie Fafner dem Bann des Rheingoldes erliegt. Viele kluge Ideen in einem immer wieder aufs Neue faszinierenden Raumkonzept, welches jederzeit Verwandlungen bei offener Bühne ermöglicht. Zu loben sind die geradezu magischen Lichteffekte, die Olaf Winter gezaubert hat.

Auf der Bühne agierte ein weitgehend homogenes und souveränes Ensemble, bei bemerkenswert guter Textverständlichkeit. James Rutherford sang einen sicheren, kernigen Wotan, dem ich noch mehr Mut zu Zwischentönen wünsche. Manche Akzente gelangen außergewöhnlich, so z.B. sein kurzer Kontrollverlust „Vergeh frevelnder Gauch“, perfekt pariert von seinem Alberich-Konterpart. Selten ist dieser heftige Wortwechsel derart brachial und doch so perfekt zu bestaunen. Sehr gut hat sich der Alberich von Jochen Schmeckenbecher weiterentwickelt. Er war das stimmliche und ausdrucksdichte Zentrum der Aufführung. Endlos seine Ideen für packende Textgestaltung und entsprechende Pointen. Dazu auch eine große dynamische Skala vom Flüsten bis zum ausladenden Fortissimo. Eine großartige Leistung!

Kurt Streit als Loge hatte erkennbar viel Spaß und Spielfreude bei seinen z.T. athletischen Aktionen. Sein heller Tenor passt sehr gut zu den Anforderungen der Rolle. Er gestaltete seine Partie weniger deklamatorisch, sondern vor allem durch eine gelungene, ganz aus der Musik heraus empfundene Phrasierung.

Tanja Ariane Baumgartner war eine jugendliche, z.T. auch energische Fricka, die wie immer bei ihr, durch ihre besondere Stimmfärbung und die Mühelosigkeit ihres Gesanges, einen eigenen Rollencharakter formte.

Eine Aufwertung war die Besetzung der Freia in der fabelhaften Gestaltung durch Sara Jakubiak. Als Erda war Katharina Magiera eine jugendlich tönende Ur-Mutter mit ihrem eher hellen Mezzosopran. Alfred Reiter als Fasolt agierte engagiert, kämpfte leider mit den Höhen und suchte dabei sein Glück zu finden in einer z.T. arg aufgerissenen Tongebung. Andreas Bauer als Fafner war ihm stimmlich deutlich überlegen und verschob damit die Pole in seine Richtung. AJ Glueckert wirkte als Froh musikalisch nicht immer sattelfest, erfreute jedoch mit viel Tenorklang. Grenzwertig wirkte der Donner von Brendon Cedel, der als Einziger nicht sehr verständlich sang und immer wieder durch kehlig-dumpfe Tongebung auffiel. Mime wurde sehr menschlich, verletzlich von Michael McCown interpretiert. Die Rheintöchter (Woglinde: Elisabeth Reiter, Wellgunde: Judita Nagyova, Flosshilde: Katharina Magiera) erfreuten durch ihr homogenes Zusammenspiel.

GMD Sebastian Weigle genoss sichtlich jeden Takt dieses Meisterwerkes mit seinem gut vorbereiteten Orchester. Perfekt wahrte er die Balance und löste kleinere Unfälle im Orchester oder auch bei den Sängern sofort auf. In seiner Lesart ist das Werk kein zügiges Plauderstück, sondern Weigle nahm sich Zeit, um allen Verästelungen der Partitur nachzuspüren. Mit gut 2 Stunden 30 Minuten wählte er bedächtige Tempi, die es ihm ermöglichten die Partitur gut aufzufächern. Dabei nutzte er ebenso jede Gelegenheit, wie in den Zwischenspielen oder im Finale, das Orchester auch heftig aufrauschen zu lassen. Sehr überzeugend, mitreißend und fabehaft umgesetzt von allen Gruppen des Frankfurter Museumsorchesters.

Überraschend war dennoch die Reaktion der ausverkauften Vorstellung.

Das Publikum zeigte sich zufrieden, vermied aber durchweg deutliche Jubel-Bekundungen und war mit dem Applaus schnell zu Ende.

Dirk Schauß | 20.04.2018

Frankfurt Opera’s Das Rheingold Avoids Cheap Sensationalism

This production by the Sofia-born Vera Nemirova was premiered in May 2010 and was successfully received for its innovative, planetary design. My acquaintance was initially through the DVDs (on Oehms) which can only offer a general idea of the conception, but hearing live this prologue for Der Ring des Nibelungen it made quite a powerful impression. The design by Jens Kilian is somewhat like one staged at Bayreuth many years ago, but this is wholly effective in the transforming scenes, sometimes tilting to the audience and later tilting away allowing the underneath section to depict Nibelheim. The backdrop was a blue tinted screen which changed shades throughout according to the action on stage.

The opening bars in E flat on the strings accompanied a glowing golden ring as if hovering before us, and as the light grew we could see the waves of the Rhine turbulent and writhing, then a great series of circles like Saturn’s rings making up the main stage with two rings rotating and opening to allow the characters to enter. The opening scene saw all three Rhinemaidens rising from the central circle, frolicking, and dancing, and all equally coquettish and full of nastiness towards the covetous Alberich who quickly after his appearance was disrobed by the Rhinemaidens one by one, down to his underwear. The hoard of gold appears from the central ring and a gleam reveals it to the avaricious dwarf when he discovers that he can no longer pursue his sexual desires. The Rhinemaidens were appropriately sensual, dressed in their racy costumes, taking licentiousness to the very limits. Jochen Schmeckenbecher was Alberich and portrayed this part with all the consummate greed and evil required both vocally and by his acting.

The golden hoard is in bags and a clever idea was Alberich donning himself in gold costume after he steals the hoard. The arrival of the gods on an open space on top of the mountain is done with the revolving of the great ring so it faces the audience tilted as a platform on which almost all the action takes place.

The Wotan of the British baritone James Rutherford has a great presence and fine voice. Another asset of this production was the Loge taken by Kurt Streit who descends like a circus juggler from the heights; he throughout showed a remarkable presence and excellent voice. The Fricka of Tanja Ariane Baumgartner was a late change owing to the indisposition of the previously engaged singer, yet her performance was one of the highlights of the evening, having great characterization and marvellous vocal gifts. Ms Baumgartner portrayed the loyal wife seen tying Wotan’s laces and hugging him in support. Katharina Magiera was another late change in the cast in which she was Flosshilde and made her debut also as Erda, Woglinde was Elizabeth Reiter and Wellgunde was equally well sung by Judita Nagyova.

The transformation scenes were achieved by the ring structure revolving and revealing the lower section for the descent to Nibelheim, with one ring opening to allow characters to climb out in the case of Fasolt and Fafner, while the Rhinemaidens emerged through the central ring. This almost magical design makes this production unique and is central to the entire Ring cycle. The costumes design by Ingeborg Berneth for Fasolt and Fafner were that of heavily armed soldiers, whilst that of the gods were late 20th century, and the costumes of the Rhinemaidens owed much to that of the Lorelei temptress in long silvery white sequinned dresses.

The Freia of Sara Jakubiak was excellent and the scene of her being taken hostage by the giants was blatantly sexual, as was the scene where the giants claim the horde with it being piled on her body marked out on the floor. When Freia is taken away by the giants, there is no doubt about what awaits her until Wotan can pay his debt. Following his arrival from the heights, Kurt Streit’s Loge is a particularly fine portrayal with his piercing tenor and sharp acting. The descent to the Nibelheim is achieved through revolving of the ring structure until we see the reverse side turned up to show Mime’s workshop. Throughout there is a brutality and violence that is often frightening and startling, notably the scene of Alberich’s capture and his torture. This remains with the murder of Fasolt by Fafner in a quite brutal manner. The Nibelungs (played by children) bring up the golden hoard and watch its settlement of Wotan’s debt.

The scene of Loge and Wotan taking the ring from Alberich was bloody and horrific, and the appearance of Erda with her three children was eerily portrayed. Donner strikes his hammer and then the gods appear as elderly and seemingly tired ghostly figures, while below the ‘real’ gods appear again in modern dress on front of the stage and descend down into the front row of the audience and take champagne at the side of the theatre while the lonely Loge ascends above the stage gyrating over the Rhinemaidens cavorting below. This final denouement of the opera summonses the listener’s judgements about the entire Wagnerian ideology and what this opera really is all about. The orchestra of Frankfurt Opera and Museum were magnificently conducted by Sebastian Weigle who maintained a flowing momentum to this prologue to Wagner’s tetralogy. In my opinion, the Frankfurt Ring is a welcome addition to present-day cycles for it avoids the cheap sensationalism of some productions over recent decades which have nothing in common with Wagner’s original conception and makes this one of the best Ring productions today.

Gregor Tassie | 19.4.2018