Wie eine Befreiung

Für den Philosophen Ludwig Feuerbach ist die menschliche Liebe stärker als die Götter und die Religion. Diesem wichtigen Grundsatz folgt auch die mit starker Personenführung aufwartende Inszenierung von Sergio Morabito und Jossi Wieler, die jetzt in der gut besuchten Staatsoper ihre Wiederaufnahme erlebte (Neueinstudierung: Jörg Behr; Kostüme: Anna Viebrock). Die Welt ist hier sehr nüchtern, nahezu trostlos.

Im ersten Akt gibt es ein kahles Gemäuer, in dem sich Mime nach seiner Flucht aus Nibelheim eine zweite Existenz aufgebaut hat. Da er mit seinem Ziehsohn Siegfried nicht fertig wird, kommt es zur Katastrophe. Gleichzeitig bedrohen sich Mime und der Wanderer mit Pistolen. Im zweiten Akt geraten die Protagonisten in einen Todesstreifen – was man sogleich bei der wilden Begegnung Alberichs mit dem Wanderer wahrnimmt. Es ist ein Ort des Schweigens, an dem Fafner (der ein gewöhnlicher Mensch ist) seinen Schatz hütet und von Siegfried schließlich erstochen wird. Im dritten Akt kommt es dann zur spektakulären Begegnung in zwei Räumen. Man erlebt Erda, die von ihrer schwierigen Beziehung zu Wotan nicht loskommt und von diesem stellenweise als Wanderer gewaltsam in Besitz genommen wird. Nach der Verwandlungsmusik zwischen schwarzem Bühnenbild und geheimnisvollem weißen Viereck sieht man schließlich einen prachtvollen Schlafraum, in dem Brünnhilde zunächst ohnmächtig ihrem Erwecker entgegenschläft. Jetzt ist das Ambiente gleichsam märchenhafter wie vorher. Auf der anderen Seite hat sich Siegfried in den vorangegangenen Akten zu einem Monster entwickelt, das zwei Morde begangen hat – nämlich an Mime und Fafner.

Sergio Morabito und Jossi Wieler haben diesen „Siegfried“ im Jahr 1999 inszeniert. Auch damals gab es einen „Ring“ von vier unterschiedlichen Regisseuren – was unter der jetzigen Intendanz von Viktor Schoner ebenso der Fall ist. Jossi Wieler betont deswegen auch, dass sich sein „Siegfried“ gut in das neue Konzept einfügt. Das Werk wirkt hier nicht mythisch, sondern postapokalyptisch. Und doch gibt es im letzten Akt eine unerhörte szenische Befreiung – wenn nämlich Brünnhilde in dem lichtdurchfluteten Wohnraum einer feudalen Villa erwacht. Wieler möchte die Figuren ganz bewusst von innen heraus erzählen, was in der Inszenierung überzeugend zur Geltung kommt. Er sieht Richard Wagner bei den Dialogen sogar als Vorläufer von Henrik Ibsen und August Strindberg und folgt hier einer tiefenpsychologischen Sicht. Das ist eindeutig die große Stärke dieser Inszenierung, die im letzten Akt besonders zur Geltung kommt. Obwohl der Zauber des Waldes fehlt und man die Natur zuweilen schmerzlich vermisst, hat diese Deutung eine klare Aussage, die man sofort begreift.

Und auch musikalisch kann diese Aufführung in mehr als einer Hinsicht punkten. Das Staatsorchester Stuttgarter musiziert unter der impulsiven Leitung von Cornelius Meister mit feuriger Glut und präziser Durchsichtigkeit hinsichtlich der thematischen Zusammenhänge. Dass das Werk auch heitere und idyllische Seiten besitzt, arbeitet Meister konsequent heraus. Denn auch in der Inszenierung gibt es trotz aller Dramatik geradezu satirische Zuspitzungen – und dies insbesondere bei den neckischen Szenen von Brünnhildes Erweckung.

In den Anfangsszenen des dritten Aktes kommt die Wotantragödie tatsächlich zu ihrem Höhepunkt, wobei es Tommi Hakala als Wanderer sehr gut gelingt, seine Tonsprache zu höchstem tragischem Pathos zu führen. Noch schwärzer könnte zuweilen der Bass von Alexandre Duhamels Alberich gefärbt sein, während Daniel Brenna als Siegfried und Simone Schneider als Brünnhilde im Schlussbild mit hymnisch-ekstatischem Schwung triumphieren. Die geballte motivische Dichte entfaltet sich bei diesen Szenen ausgezeichnet, die den Sängern eine enorme bewegungstechnische Intensität abverlangen. Dabei fesselt vor allem Matthias Klink als gesanglich überaus wandlungsfähiger Mime. In weiteren Rollen überzeugen David Steffens als stimmgewaltiger Fafner, Beate Ritter als filigraner Waldvogel sowie Stine Marie Fischer als wunderbar voluminöse Erda.

Cornelius Meister gelingt es dabei als Dirigent immer wieder, die Sänger in einfühlsamer Weise über alle harmonischen Klippen zu tragen. Überhaupt gefällt die musikalische Charakterisierungskunst dieses Dirigenten, der schon den markanten Abwärtsschritt der Terzen beim Auftritt Mimes im ersten Akt in starker Weise einfängt. Auch das Siegschwertmotiv sticht sofort hervor. Und das Motiv der Familienliebe blüht bei Siegfrieds Gedanken an seine Mutter überschwänglich auf. Auch die Bläser geben dem Speermotiv beim Auftritt des Wanderers immer wieder stählerne Fülle und Klangintensität. Die dynamische Steigerung beim Vorspiel zum dritten Aufzug könnte hinsichtlich des Werde- und Ritt-Motivs noch gewaltiger und ausdrucksvoller sein. Und doch gelingt es Meister auch hier, mit dem Staatsorchester Stuttgart einen riesigen Spannungsbogen aufzubauen. Die Erweckung Brünnhildes führt hier tatsächlich zu einer überwältigenden Himmelsklarheit, die der Passage „leuchtende Liebe, lachender Tod“ den notwendigen Schwung verleiht.

Riesenjubel für das gesamte Team.

Alexander Walther | 10.10.2022

Siegfried mis en scène par Jossi Wieler, stimulant classique de l’Opéra de Stuttgart

La force comique de l’œuvre est mise à l’honneur, sans jamais oublier ni la musique, ni la force du mythe.

À la fin des années 1990, l’Opéra de Stuttgart avait marqué les esprits avec un Ring composite, partagé entre Joachim Schlömer, Christoph Nel, Jossi Wieler et Peter Konwitschny, largement diffusé à la télévision et au DVD. Plus de vingt ans ont passé, et il était temps que Stuttgart revienne au Ring ; pour autant, plusieurs intendants plus tard, le principe reste le même : après l’Or du Rhin par Stephan Kimmig et une Walkyrie elle-même composite, c’est au tour de Siegfried de revenir à la scène. Et cette fois, c’est la production de 1999 qui revient telle quelle, dans la mise en scène de Jossi Wieler et les décors remarquables d’Anna Viebrock. L’accueil triomphal qui leur est réservé à la fin du spectacle témoigne de la justesse de ce choix : 23 ans plus tard, la mise en scène lyrique n’a pas cessé d’évoluer, et l’hyperréalisme des décors n’est plus tellement dans l’air du temps, mais l’évolution des modes n’a pas toujours raison. Les quatre décors de la soirée sont non seulement visuellement stupéfiants, mais aussi créateurs d’espaces scéniques puissants, chacun à sa façon, de l’immeuble crasseux où vit Mime à la froide chambre aristocratique où Siegfried retrouve Brünnhilde.

Le plus impressionnant est cependant le sinistre grillage qui barre la scène dans l’acte II, laissant indistinct et d’autant plus inquiétant ce qui se trouve derrière. Pour autant, Jossi Wieler et son équipe ont bien compris que le charme propre de Siegfried réside précisément dans le contraste entre la grandeur tragique de l’arrière-plan et l’irrésistible comédie qui occupe une bonne partie de l’œuvre, y compris avec des scènes aussi ambiguës que le début de l’acte II, quand l’inquiétant Alberich tombe dans le ridicule à force de se laisser manipuler par Wotan.

Si drôle que soit le spectacle (comme les plus récents Meistersinger de la même équipe à Berlin en juin), il ne tombe jamais dans le ridicule gratuit : avec un chanteur comme Matthias Klink en Mime, le personnage ne pouvait que garder une certaine dignité, loin de la caricature, mais pas sans humour, et avec une voix à la fois énergique, mobile et parfaitement projetée. Son malheureux pupille, chanté par Daniel Brenna, a un peu de mal à venir à bout de l’épreuve que constitue ce rôle interminable, mais il s’investit avec énergie dans son personnage, moins adolescent attardé que balourd plein d’entrain.

Même la scène finale, qui permet de découvrir la remarquable Brünnhilde de Simone Schneider, lumineuse et ardente, a droit à sa part de comédie – elle succède ainsi à Okka von der Damerau après avoir chanté Sieglinde dans le volet précédent. Ce n’est certes pas l’apothéose qu’avait prévu Wagner, mais il est difficile aujourd’hui de prendre tout à fait au sérieux une scène qui, dans son texte surtout, a plus à voir avec La ronde de Schnitzler qu’avec la mythologie nordique. Il faudrait être bien rigoriste pour voir dans ce décalage un sacrilège : après tout, la force de cette scène ne tient-elle pas, comme beaucoup de choses dans cet opéra, de ce que les personnages sont aveugles à leur destin et aux manigances de Wotan ?

La voix de Tommi Hakala qui chante le Wanderer est noire, peu chaleureuse mais marquante. L’amertume du personnage en ressort plus que l’ironie et le plaisir qu’il ressent à manipuler les uns et les autres ; la gémellité avec Alberich, chanté élégamment par Alexandre Duhamel, n’en ressort que mieux – dommage simplement que Hakala ait tant de mal avec le texte. Sa confrontation avec Stine Marie Fischer, remarquable Erda, est un des sommets de la soirée : membre de la troupe depuis 2015, interprète d’une musicalité et d’une probité toujours exemplaire, elle n’est pas la plus sombre des Erda, mais n’a pas besoin d’assombrir sa voix pour faire vivre son personnage.

Auréolé par sa nouvelle expérience bayreuthienne, Cornelius Meister parvient enfin à proposer une lecture fluide, énergique et contrastée de la partition, après un Or du Rhin plat et une Walkyrie chaotique. Le travail du son n’est pas le point fort du directeur musical de la maison, mais l’efficacité dramatique sans fioritures et sans excès de sa direction et le soutien efficace qu’il apporte aux chanteurs compensent l’absence d’ivresse sonore. On lui pardonne volontiers quelques effets trop marqués, par exemple dans les dernières mesures de la partition. Le public verra lors des cycles prévus au printemps prochain si ce progrès qualitatif s’étendra aux deux premiers opéras du cycle.

Dominique Adrian | 15 octobre 2022

Il nuovo allestimento del Ring wagneriano prodotto dalla Staatsoper Stuttgart prosegue in questi giorni con il Siegfried. Dopo Das Rheingold affidato a Stephan Kimmig e la inusuale proposta della Walküre messa in scena da tre diversi team registici, uno per ciascun atto, per la seconda giornata della monumentale saga scenica ideata da Wagner il teatro ha ripropoto la produzione allestita nel 1999 da Jossi Wieler e Sergio Morabito, come terza parte del famoso Stuttgarter Ring andato in scena tra il 1999 e il 2000 e affidato a quattro registi diversi: Joachim Schlömer per Das Rheingold, Christof Nel per Die Walküre, Jossi Wieler e Sergio Morabito per il Siegfried e Peter Konwitscnhy per la Götterdämmerung. Una messinscena che ricevette grandi consensi di pubblico e critica, ricordato ancora oggi tra i risultati artistici più significativi della gestione di Klaus Zeheilein, trasmesso più volte dai canali televisivi tedeschi e disponibile anche in DVD. Del resto, le produzioni wagneriane della Staatsoper Stuttgart hanno sempre goduto di notevole rinomanza. Negli anni Sessanta, la Württembergiche Staatsoper era addirittura definita la Winterbayreuth per la qualità degli spettacoli e la presenza fissa nei cartelloni di artisti come Wieland Wagner e Wolfgang Windgassen, che hanno scritto pagine fondamentali nella storia interpretativa di Wagner. Una tradizione wagneriana che ha radici antiche: va ricordato che Stuttgart fu la prima città tedesca ad allestire una propria messinscena del Ring dopo quella originale di Bayreuth e che i Bayreuther Festspiele hanno sempre potuto contare su una forte presenza di orchestrali e coristi provenienti dalla Staatsoper.Ancora oggi, questo teatro annovera tra il pubblico molti appassionati wagneriani, tanto che le esecuzioni delle opere del compositore di Leipzig sono sempre tra quelle per cui occorre prenotare i posti con molto anticipo. Per chi viene ad assistere a una rappresentazione wagneriana a Stuttgart, tutto questo si nota dalla concentrazione assoluta con la quale il pubblico della Staatsoper assiste all’ esecuzione e nell’ affinità stilistica istintiva con cui orchestra e coro eseguono una musica che per i musicisti rappresenta davvero una sorta di lingua madre.

Lo Stuttgarter Ring fu appunto uno tra i più felici risultati artistici di questa tradizione, e la regia del Siegfried ideata da Jossi Wieler e Sergio Morabito appare ancora attuale a distanza di ventitrè anni. L’ idea di fondo su cui si basa la regia è quella di personaggi che si muovono in un mondo atemporale e spersonalizzato, reso in maniera dcisamente molto efficace dalle scene di Anna Viebrock. Nel primo atto, Mime vive con Siegfried in una specie di spelonca in rovina e la scena degli enigmi con il Wanderer è realizzata con i personaggi che si minacciano con una pistola. Il secondo atto è ambientato in una zona oscura delimitata da un reticolato elettrificato mentre nel terzo la stanza dove si svolge il colloquio tra Wotan ed Erda si muta alla fine della scena, con un effetto molto spettacolare, in una lussuosa camera da letto dove giace l’ addormentata Brünhilde. Anche se sono presenti i principali oggetti di scena come la spada Notung e la lancia di Wotan, il lato debole di questa concezione registica è che il mondo magico e mitico della natura tradotta in realtà sonora dalla musica di Wagner passa in secondo piano, a faore di una recitazione abbastanza chiaramente ispirata ai drammi di Strindberg e Ibsen. A parte questo rilievo, lo spettacolo si fa comunque apprezzare per una recitazione complessiva sobria, efficace e soprattutto senza cadute di gusto e volgarità inutili.

Per quanto riguarda la parte musicale, la direzione di Cornelius Meister ci è sembrata non molto in sincronia con la messinscena, che avrebbe richiesto una lettura aspra, di stile quasi espressionistico.Il quarantaduenne Generalmusikdirektor della Staatsoper ha impostato invece la sua interpretazione dando un forte rilievo agli episodi lirici e a un tono di progressiva carica passionale culminante nell’ ebbrezza passionale ed estatica del „leuchtende Liebe, lachender Tod“ che conclude in maniera grandiosa la partitura. La Staatsorchester Stuttgart ha suonato con quella precisione e compattezza sonora che la rendono uno tra i migliori complessi strumentali tedeschi. Molto buona la resa di tutta la compagnia di canto, quasi interamente composta da cantanti che debuttavano nei rispettivi ruoli. Il cinquantaduenne tenore americano Daniel Brenna, che già aveva interpretato qui a Stuttgart il ruolo di Siegfried e quello del Tambourmajor nel Wozzeck con esiti notevoli, è stato un protagonista di voce solida e ben gestita. Dopo un primo atto amministrato con una certa cautela, soprattutto nella tessitura durissima della scena conclusiva, Brenna ha fornito una prestazione in crescendo, con una resa complessiva perfettamente adeguata alle grosse difficoltà vocali di una parte tra le più faticose che esistano. Notevolissima anche la Brünnhilde di Simone Schneider, una tra le artiste più amate dal pubblico di Stuttgart, soprattutto per le sue splendide interpretazioni straussiane. Dopo le sue ottime caratterizzazioni come Elsa e come Sieglinde, la cantante di Hagen ha impressionato per sicurezza vocale e capacità di reggere una tessitura impegnativa come poche altre.Autorevole nel fraseggio il Wanderer del basso-baritono finlandese Tommi Hakala, capace di accenti significativi espressi tramite una voce risonante e ben proiettata. Molto bravo anche Matthis Klink, il tenore nativo di Fellbach anche lui uno tra i beniamini dei melomani di Stuttgart, per la vivacità e l’ arguzia ficcante del fraseggio. Molto interessante è stata anche la Erda del mezzosoprano lipsiense Stine Marie Fischer, per il bel timbro scuro e omogeneo in tutta la gamma. Adeguate vocalmente e scenicamente erano anche le caratterizzazioni di David Steffens come Fafner e del baritono francese Alexandre Duhamel come Alberich, cosí come il Waldvogel del soprano austriaco Beate Ritter. Successo entusiastico alla fine, con grandi festeggiamenti anche a Jossi Wieler, venuto ad assistere alla ripresa della sua creazione.

GIANGUIDO MUSSOMELI | 14 OTTOBRE 2022